#этошедевр
Анастасия Котельникова о том, почему «Без названия» Ирины Наховой — это шедевр:
Ирина Нахова (1955 г.р.) — один из немногих художников постсоветского пространства, который последовательно работает с конструктом исторической памяти. Сформировав свой язык, Ирина Нахова рефлексирует на острые события и проблемные темы, в которых рассматриваются отношения частного и общего — человека и социума.
В её триптихе «Без названия» — мультимедийной инсталляции с включением разнообразного визуального материала, зрителю предлагается переосмыслить прошлое и принять настоящее — обратиться к тому, что было утрачено и к тому, что удалось сохранить. Проект состоит из трех частей: принт на холсте «Фигуристки», объект «Руководящий состав» и трехканальное видео «Без названия». В основе работы лежат материалы из семейного архива художницы, охватывающие почти столетие. Рассматривая травмы нескольких поколений, Нахова не стремится к автобиографическому повествованию, она находит конвенциональные болевые точки, требующие переосмысления.
Видеоряд состоит из анимационного изображения с фотографиями и фрагментами документов, собранных в коллаж, в очертаниях которого угадывается классическая архитектура, обладающая монументальной формой и эстетикой сталинского ампира. Претерпевая частичное изменение, страницы архива становятся модулем в конструкции коллективной памяти. Границы, диктующие форму конструкции, действуют по идеологическому принципу переработки фактов в цельное повествование. Страницами истории своей семьи, пережившей войны и репрессии, Ирина Нахова иллюстрирует работу механизма нарратива эпохи.
В процессе движения этого механизма информация и факты могут быть утеряны, забыты или исключены. В тоталитарном обществе не только человек и его семья подвергались репрессии, но и память о нем. Известный прием — ретушь снимков с изображением предателя или врага народа. Вместо человека появлялось пятно, а иногда образовывалась дыра. В сталинскую эпоху ткань общества пестрела такими дырами.
В работах «Руководящий состав» и «Фигуристки» Ирина Нахова скрывает лица героев. Красный шелк просачивается сквозь дыры в официальном групповом портрете, маркируя всех как причастных. Лица героев работы «Фигуристки», с изображением детей, заштрихованы, словно охвачены недугом. Вымарывая портрет человека, надеялись на разрыв связи с ним. Однако эта утрата только причиняла ущерб телу общества, в котором каждый мог оказаться на позиции репрессированного. Ирина Нахова наглядно изображает социальные потери в истории нашей страны — одну из важнейших травм, имеющих большое влияние на нас сегодня. Очевидно, возникают вопросы: что будет с нами, если мы откажемся от памяти о болезненных событиях? Будут ли наши лица также вычеркнуты?
Анастасия Котельникова о том, почему «Без названия» Ирины Наховой — это шедевр:
Ирина Нахова (1955 г.р.) — один из немногих художников постсоветского пространства, который последовательно работает с конструктом исторической памяти. Сформировав свой язык, Ирина Нахова рефлексирует на острые события и проблемные темы, в которых рассматриваются отношения частного и общего — человека и социума.
В её триптихе «Без названия» — мультимедийной инсталляции с включением разнообразного визуального материала, зрителю предлагается переосмыслить прошлое и принять настоящее — обратиться к тому, что было утрачено и к тому, что удалось сохранить. Проект состоит из трех частей: принт на холсте «Фигуристки», объект «Руководящий состав» и трехканальное видео «Без названия». В основе работы лежат материалы из семейного архива художницы, охватывающие почти столетие. Рассматривая травмы нескольких поколений, Нахова не стремится к автобиографическому повествованию, она находит конвенциональные болевые точки, требующие переосмысления.
Видеоряд состоит из анимационного изображения с фотографиями и фрагментами документов, собранных в коллаж, в очертаниях которого угадывается классическая архитектура, обладающая монументальной формой и эстетикой сталинского ампира. Претерпевая частичное изменение, страницы архива становятся модулем в конструкции коллективной памяти. Границы, диктующие форму конструкции, действуют по идеологическому принципу переработки фактов в цельное повествование. Страницами истории своей семьи, пережившей войны и репрессии, Ирина Нахова иллюстрирует работу механизма нарратива эпохи.
В процессе движения этого механизма информация и факты могут быть утеряны, забыты или исключены. В тоталитарном обществе не только человек и его семья подвергались репрессии, но и память о нем. Известный прием — ретушь снимков с изображением предателя или врага народа. Вместо человека появлялось пятно, а иногда образовывалась дыра. В сталинскую эпоху ткань общества пестрела такими дырами.
В работах «Руководящий состав» и «Фигуристки» Ирина Нахова скрывает лица героев. Красный шелк просачивается сквозь дыры в официальном групповом портрете, маркируя всех как причастных. Лица героев работы «Фигуристки», с изображением детей, заштрихованы, словно охвачены недугом. Вымарывая портрет человека, надеялись на разрыв связи с ним. Однако эта утрата только причиняла ущерб телу общества, в котором каждый мог оказаться на позиции репрессированного. Ирина Нахова наглядно изображает социальные потери в истории нашей страны — одну из важнейших травм, имеющих большое влияние на нас сегодня. Очевидно, возникают вопросы: что будет с нами, если мы откажемся от памяти о болезненных событиях? Будут ли наши лица также вычеркнуты?
#мысчитаем
Анализ цен на работы Оскара Рабина (1928-2018):
Канал «Деньги в искусство» провёл анализ рынка, используя открытые базы данных аукционных домов.
Первые аукционные продажи работ Рабина относятся к 1989 году: «Париж. Улица Кинкампуа в снегу» (1988) и «Натюрморт с арманьяком» (дата создания неизвестна).
Всего было продано 267 живописных произведений из 395 (67%). Рекорд среди всех составила работа «Бани (Нюхайте одеколон «Москва)» (1966), проданная на аукционе Sotheby’s в 2007 году за $336,000 (при эстимейте $70,000 — $90,000).
Второе произведение в рейтинге цен — «Скрипка на кладбище» (1969). Оно было продано в 2006 году на аукционе MacDougall’s за $272,008 (при эстимейте $194,000 — $388,000).
Третья в списке — «Картина с черепом» (1972), проданная на аукционе Uppsala Auktionskammare в 2008 году за $217,360 (при эстимейте $67,000 — $84,000).
Наконец, четвертая по цене — работа «Неправда» (1975). Она ушла на аукционе Sotheby’s в 2008 году за $207,768 (при эстимейте $81,000 — $122,000). Таким образом, все рекордные продажи составили произведения доэмиграционного периода.
Кроме того, можно отметить, что все рекордные продажи Рабина состоялись до осени 2008 года, до начала кризиса. После этого цены на его работы 1960-1970-х годов упали примерно в три-четыре раза (так, «Картина с черепом» позже предлагалась на вторичном рынке в пределах своего эстимейта, за $60,000 — $70,000). К настоящему моменту цены на ранние работы скорректировались и имеют тенденцию к росту.
Среди работ, созданных в эмиграции в 1980-х, рекорд составил «Вечер на улице Северного полюса» (1981). Он был продан на аукционе Sotheby’s в 2009 году за $62,500 (при эстимейте $20,000 — $30,000).
За период 1990-х рекордной продажей является произведение «Merci» (1994), проданное на аукционе MacDougall’s в 2008 году за $82,540 (при эстимейте $18,000 — $25,000).
Рекорд среди работ 2000-х — работа «Париж. Нотр-Дам и Сена» (2002), проданная на аукционе ArtCurial в 2009 году за $31,155 (при эстимейте $28,000 — $41,000).
Последнюю крупную продажу составил «Спас Преображения в Переславле-Залесском» (1965). Он был продан на аукционе Artsale за $90,700. Кроме того, индекс ARTIMX Рабина, отражающий среднюю аукционную цену произведений автора, за последний год вырос на 104 пункта — с 645 в 2022 году до 749 в 2023 году. Стабильное повышение средней цены Рабина наблюдается еще с 2019 года — тогда индекс был равен 299 пунктам.
Наконец, способствовать повышению цены, особенно на ключевые работы, мог бы выпуск каталога-резоне, о котором было объявлено около пятнадцати лет назад. Но, к сожалению, каталог так и не вышел. Коллекционеры принимают решения о покупке на основании данных прижизненных каталогов Оскара Рабина, биографической и иной информации.
Анализ цен на работы Оскара Рабина (1928-2018):
Канал «Деньги в искусство» провёл анализ рынка, используя открытые базы данных аукционных домов.
Первые аукционные продажи работ Рабина относятся к 1989 году: «Париж. Улица Кинкампуа в снегу» (1988) и «Натюрморт с арманьяком» (дата создания неизвестна).
Всего было продано 267 живописных произведений из 395 (67%). Рекорд среди всех составила работа «Бани (Нюхайте одеколон «Москва)» (1966), проданная на аукционе Sotheby’s в 2007 году за $336,000 (при эстимейте $70,000 — $90,000).
Второе произведение в рейтинге цен — «Скрипка на кладбище» (1969). Оно было продано в 2006 году на аукционе MacDougall’s за $272,008 (при эстимейте $194,000 — $388,000).
Третья в списке — «Картина с черепом» (1972), проданная на аукционе Uppsala Auktionskammare в 2008 году за $217,360 (при эстимейте $67,000 — $84,000).
Наконец, четвертая по цене — работа «Неправда» (1975). Она ушла на аукционе Sotheby’s в 2008 году за $207,768 (при эстимейте $81,000 — $122,000). Таким образом, все рекордные продажи составили произведения доэмиграционного периода.
Кроме того, можно отметить, что все рекордные продажи Рабина состоялись до осени 2008 года, до начала кризиса. После этого цены на его работы 1960-1970-х годов упали примерно в три-четыре раза (так, «Картина с черепом» позже предлагалась на вторичном рынке в пределах своего эстимейта, за $60,000 — $70,000). К настоящему моменту цены на ранние работы скорректировались и имеют тенденцию к росту.
Среди работ, созданных в эмиграции в 1980-х, рекорд составил «Вечер на улице Северного полюса» (1981). Он был продан на аукционе Sotheby’s в 2009 году за $62,500 (при эстимейте $20,000 — $30,000).
За период 1990-х рекордной продажей является произведение «Merci» (1994), проданное на аукционе MacDougall’s в 2008 году за $82,540 (при эстимейте $18,000 — $25,000).
Рекорд среди работ 2000-х — работа «Париж. Нотр-Дам и Сена» (2002), проданная на аукционе ArtCurial в 2009 году за $31,155 (при эстимейте $28,000 — $41,000).
Последнюю крупную продажу составил «Спас Преображения в Переславле-Залесском» (1965). Он был продан на аукционе Artsale за $90,700. Кроме того, индекс ARTIMX Рабина, отражающий среднюю аукционную цену произведений автора, за последний год вырос на 104 пункта — с 645 в 2022 году до 749 в 2023 году. Стабильное повышение средней цены Рабина наблюдается еще с 2019 года — тогда индекс был равен 299 пунктам.
Наконец, способствовать повышению цены, особенно на ключевые работы, мог бы выпуск каталога-резоне, о котором было объявлено около пятнадцати лет назад. Но, к сожалению, каталог так и не вышел. Коллекционеры принимают решения о покупке на основании данных прижизненных каталогов Оскара Рабина, биографической и иной информации.
#архив
Сергей Попов об арт-рынке Индии:
До сих пор получаем много положительных откликов на тексты Сергея Попова об арт-рынке Индии, поэтому хотим напомнить о них старым читателям и познакомить с ними новых.
В текстах Сергей рассказывал об India Art Fair, крупнейшей в Индии ярмарке современного искусства, и художниках, представленных на ней, среди которых:
Ракиб Шоу
Субодх Гупта
Равиндер Редди
Шипла Гупта
Атул Додия
Джитиш Каллат
Тукрал и Тагра
Кроме того, на основании этой информации Сергей сравнил российский арт-рынок с индийским, показав сходства и различия между ними.
Время прочтения примерно 10-12 минут.
Сергей Попов об арт-рынке Индии:
До сих пор получаем много положительных откликов на тексты Сергея Попова об арт-рынке Индии, поэтому хотим напомнить о них старым читателям и познакомить с ними новых.
В текстах Сергей рассказывал об India Art Fair, крупнейшей в Индии ярмарке современного искусства, и художниках, представленных на ней, среди которых:
Ракиб Шоу
Субодх Гупта
Равиндер Редди
Шипла Гупта
Атул Додия
Джитиш Каллат
Тукрал и Тагра
Кроме того, на основании этой информации Сергей сравнил российский арт-рынок с индийским, показав сходства и различия между ними.
Время прочтения примерно 10-12 минут.
#чистаякоммерция
Подборка работ с аукциона «ЧК» VLADEY 20 мая:
В эту субботу в 15:00 пройдет аукцион VLADEY «ЧК» с работами из частной коллекции — отсюда и название.
Среди лотов представлены два объекта Александра Бродского из серии «Фабрики» (2016), напоминающие макеты промышленных зданий. Выполненные из необожжённой глины, они кажутся сделанными из пыли и так намекающими на то, что может остаться от нашей технологичной цивилизации. Работы выставлены с эстимейтом в €300 — €500, что гораздо ниже цен на другие его произведения на первичном рынке. Анализ на аукционные продажи работ Бродского можно прочитать тут.
К образу руинированного города обращается и известный своими фотографиями Борис Михайлов, но на этот раз в живописи. В «Ночном гуле» (1989) он сводит пейзаж из зданий к геометрической абстракции. Его живописные произведения ранее вовсе не выставлялись на аукционах.
Отметим также работу «Без названия» (2011) Влада Кулькова — одного из ведущих современных художников, произведения данного периода которого сейчас представлены только на вторичном рынке. В феврале его похожая работа «Без названия» 2010 года ушла с аукциона VLADEY за €10,000 (при эстимейте €6,000 — €8,000).
Подборка работ с аукциона «ЧК» VLADEY 20 мая:
В эту субботу в 15:00 пройдет аукцион VLADEY «ЧК» с работами из частной коллекции — отсюда и название.
Среди лотов представлены два объекта Александра Бродского из серии «Фабрики» (2016), напоминающие макеты промышленных зданий. Выполненные из необожжённой глины, они кажутся сделанными из пыли и так намекающими на то, что может остаться от нашей технологичной цивилизации. Работы выставлены с эстимейтом в €300 — €500, что гораздо ниже цен на другие его произведения на первичном рынке. Анализ на аукционные продажи работ Бродского можно прочитать тут.
К образу руинированного города обращается и известный своими фотографиями Борис Михайлов, но на этот раз в живописи. В «Ночном гуле» (1989) он сводит пейзаж из зданий к геометрической абстракции. Его живописные произведения ранее вовсе не выставлялись на аукционах.
Отметим также работу «Без названия» (2011) Влада Кулькова — одного из ведущих современных художников, произведения данного периода которого сейчас представлены только на вторичном рынке. В феврале его похожая работа «Без названия» 2010 года ушла с аукциона VLADEY за €10,000 (при эстимейте €6,000 — €8,000).
#этошедевр
Анастасия Котельникова о том, почему «Рукопожатие» Евгения Михнова-Войтенко — это шедевр:
Нитроэмаль, открытая Евгением Михновым-Войтенко в 1959 году для своих художественных экспериментов, — едкая синтетическая краска, преимущество которой заключается в коротком периоде высыхания. Именно этот параметр был важен легендарному художнику-абстракционисту, в руках которого живописный материал был освобожден от миметической функции подражания реальности. Основная работа здесь заключается в художественном действии, что позволяет исследователям относить Михнова-Войтенко к представителям абстрактного экспрессионизма или ташизма. Однако в отличие от большинства своих зарубежных коллег, стремившихся запатентовать свой авторский подчерк в определенной форме, Михнов-Войтенко всегда был в поиске новых выразительных средств, скрытых в особенностях материала. Его высказывание основано на эмпирическом языке, в котором ключевую роль играет чувственный опыт зрителя, а не его набор знаний.
«Рукопожатие» 1961 года формально состоит из трех компонентов: двух красок и куска оргалита. А художественный образ уже включает в себя авторскую волю и невероятную свободу, уровень которой многим был недостижим в то время в советском обществе. Название является отсылкой к «Моби Дику» Германа Мелвилла, одному из любимых произведений художника, а точнее к одной из глав: «Пожатие руки». Но в работе не иллюстрируется история, данную деталь можно назвать лирическим отступлением или посвящением писателю.
Механизм смыслов здесь работает на визуальном восторге от красоты зафиксированного момента. Фактически всплески краски сталкиваются с поверхностью оргалита, хотя визуально кажется, что столкновение происходит между ними. Идея о формировании пространства уходит на второй план — основа работы выступает местом происшествия, ареной для действия. Соприкосновение двух красочных потоков — обмен энергией в процессе метафорического рукопожатия. Динамика пятна продолжает импульс, отправленный художником, что вписывается в теорию автоматического письма, в основе которого лежит интуитивное мышление. Импровизация и спонтанность — факторы темпоральности, передающие специфику индивидуального переживания. В то же время, живопись, как экстравертная форма высказывания, преобразует частное и субъективное во всеобщее.
Так выдающееся своей лаконичной формой и силой мгновенного воздействия на зрителя произведение «Рукопожатие», созданное Михновым-Войтенко, становится одним из ярких и запоминающихся образов в российском искусстве второй половины ХХ века.
Анастасия Котельникова о том, почему «Рукопожатие» Евгения Михнова-Войтенко — это шедевр:
Нитроэмаль, открытая Евгением Михновым-Войтенко в 1959 году для своих художественных экспериментов, — едкая синтетическая краска, преимущество которой заключается в коротком периоде высыхания. Именно этот параметр был важен легендарному художнику-абстракционисту, в руках которого живописный материал был освобожден от миметической функции подражания реальности. Основная работа здесь заключается в художественном действии, что позволяет исследователям относить Михнова-Войтенко к представителям абстрактного экспрессионизма или ташизма. Однако в отличие от большинства своих зарубежных коллег, стремившихся запатентовать свой авторский подчерк в определенной форме, Михнов-Войтенко всегда был в поиске новых выразительных средств, скрытых в особенностях материала. Его высказывание основано на эмпирическом языке, в котором ключевую роль играет чувственный опыт зрителя, а не его набор знаний.
«Рукопожатие» 1961 года формально состоит из трех компонентов: двух красок и куска оргалита. А художественный образ уже включает в себя авторскую волю и невероятную свободу, уровень которой многим был недостижим в то время в советском обществе. Название является отсылкой к «Моби Дику» Германа Мелвилла, одному из любимых произведений художника, а точнее к одной из глав: «Пожатие руки». Но в работе не иллюстрируется история, данную деталь можно назвать лирическим отступлением или посвящением писателю.
Механизм смыслов здесь работает на визуальном восторге от красоты зафиксированного момента. Фактически всплески краски сталкиваются с поверхностью оргалита, хотя визуально кажется, что столкновение происходит между ними. Идея о формировании пространства уходит на второй план — основа работы выступает местом происшествия, ареной для действия. Соприкосновение двух красочных потоков — обмен энергией в процессе метафорического рукопожатия. Динамика пятна продолжает импульс, отправленный художником, что вписывается в теорию автоматического письма, в основе которого лежит интуитивное мышление. Импровизация и спонтанность — факторы темпоральности, передающие специфику индивидуального переживания. В то же время, живопись, как экстравертная форма высказывания, преобразует частное и субъективное во всеобщее.
Так выдающееся своей лаконичной формой и силой мгновенного воздействия на зрителя произведение «Рукопожатие», созданное Михновым-Войтенко, становится одним из ярких и запоминающихся образов в российском искусстве второй половины ХХ века.