#театральныевыходные
моё знакомство с Новым театром — «Гримёр» Эдуарда Боякова
Как человек, который часто соприкасается с иммерсивными проектами в работе, я выделила для себя критерии оценки подобных постановок: локация + использование пространства, история (материал), наличие + использование классического сценического пространства, формат взаимоотношений зрителя и артистов.
Локация и использование пространства.
Действие происходит в усадьбе Салтыковых-Чертковых, одном из самых известных особняков Москвы, расположенном на Мясницкой улице. Залы и интерьеры — сами по себе выигрышно смотрятся, и являются довольно точными декорациями для истории, которая разворачивается на глазах у зрителей постепенно, комната за комнатой.
История — материал.
В основе сценария несколько произведений Николая Лескова. Спектакль называется гример, хотя гример в этой истории не главный. Это история крепостной актрисы, которая сначала репетирует, затем принимает участие в постановке крепостного театра, сбегает со своим возлюбленным — лубянским гримером, барин узнает о побеге, гневается, ловит влюбленных крепостных, ссылает актрису на скотный двор, а гримера в солдаты, и там тот погибает. На протяжении всего времени повествование ведется от героини в старости, а сцены из молодости оживают у зрителя на глазах. Собственно, героизация гримера происходит в момент рассказа о переходе в солдаты — рассказ ведется в формате сторителлинга главной героини, без присутствия гримера на сцене или в пространстве.
Наличие и использование сценического пространства.
Здесь присутствует «театр в театре». Зрители получают возможность увидеть спектакль крепостного театра, в котором принимает участие главная героиня — постановку индийского текста. Зрителей размещают в привычном зрительном зале, а артисты выходят на обыкновенную сцену-коробку. Вполне уместный ход и обоснованное решение для создания эффекта театра в театре — относительно классический театр в театре иммерсивном. Однако после окончания индийского спектакля крепостного театра, на сцене появляются актёры из воссозданной в особняке реальности, и продолжают рассказывать эту историю уже со сцены — здесь непонятно. Если возможно дорассказать историю со сцены, то зачем сначала ходить по комнатам?
Формат взаимоотношений актёра и зрителя.
Здесь важно понять: зритель остаётся сторонним наблюдателем с соблюдением принципа четвертой стены, или же зритель внутри действия. Важный вопрос при постановке актёрских задач со стороны режиссёра в иммерсиве — объяснить, существует ли зритель в пространстве в момент игры, или же зритель незаметен и сливается с пространством, игнорируется артистом.
В данном случае — смешанный формат — в большинстве своём зрители игнорируются артистами, и сливаются с пространством, однако есть моменты, когда зрители видимы для артистов и есть прямое обращение, взаимодействие. Обращаются («уважаемые зрители, пойдемте туда-то») к зрителям лишь непонятные люди с париках и черных мантиях — острый вопрос — кто они? Если исходить из сюжета — зрители — гости дома, при котором учрежден крепостной театр. Зрители видят сцены репетиций, актёров «театра в театре» в быту — вполне логично, пока что. Люди же в париках и мантиях выполняют административные функции, но непонятно, в какой они реальности — если в нашей, зрительской, то они могут быть в современном одежде без пустого маскарада, если же в реальности героев — то на слуг дома той эпохи они никак не похожи ни по костюмам, ни по обращениям.
Насколько мне известно, в начале гостей делят на 4 группы, которые проходят разные маршруты, получая одинаковое содержание, а затем собирают в общем зале на просмотр постановки крепостного театра. Кстати, видимо продолжение истории после окончания постановки театра в театре звучит со сцены из-за сложности дальнейшей логистики — собрать всех в одном месте проще, чем одновременно развести на несколько разных маршрутов.
В общем, допускаю, что впечатления могут отличаться, ведь маршруты, всё же, разные.
#спектакль
моё знакомство с Новым театром — «Гримёр» Эдуарда Боякова
Как человек, который часто соприкасается с иммерсивными проектами в работе, я выделила для себя критерии оценки подобных постановок: локация + использование пространства, история (материал), наличие + использование классического сценического пространства, формат взаимоотношений зрителя и артистов.
Локация и использование пространства.
Действие происходит в усадьбе Салтыковых-Чертковых, одном из самых известных особняков Москвы, расположенном на Мясницкой улице. Залы и интерьеры — сами по себе выигрышно смотрятся, и являются довольно точными декорациями для истории, которая разворачивается на глазах у зрителей постепенно, комната за комнатой.
История — материал.
В основе сценария несколько произведений Николая Лескова. Спектакль называется гример, хотя гример в этой истории не главный. Это история крепостной актрисы, которая сначала репетирует, затем принимает участие в постановке крепостного театра, сбегает со своим возлюбленным — лубянским гримером, барин узнает о побеге, гневается, ловит влюбленных крепостных, ссылает актрису на скотный двор, а гримера в солдаты, и там тот погибает. На протяжении всего времени повествование ведется от героини в старости, а сцены из молодости оживают у зрителя на глазах. Собственно, героизация гримера происходит в момент рассказа о переходе в солдаты — рассказ ведется в формате сторителлинга главной героини, без присутствия гримера на сцене или в пространстве.
Наличие и использование сценического пространства.
Здесь присутствует «театр в театре». Зрители получают возможность увидеть спектакль крепостного театра, в котором принимает участие главная героиня — постановку индийского текста. Зрителей размещают в привычном зрительном зале, а артисты выходят на обыкновенную сцену-коробку. Вполне уместный ход и обоснованное решение для создания эффекта театра в театре — относительно классический театр в театре иммерсивном. Однако после окончания индийского спектакля крепостного театра, на сцене появляются актёры из воссозданной в особняке реальности, и продолжают рассказывать эту историю уже со сцены — здесь непонятно. Если возможно дорассказать историю со сцены, то зачем сначала ходить по комнатам?
Формат взаимоотношений актёра и зрителя.
Здесь важно понять: зритель остаётся сторонним наблюдателем с соблюдением принципа четвертой стены, или же зритель внутри действия. Важный вопрос при постановке актёрских задач со стороны режиссёра в иммерсиве — объяснить, существует ли зритель в пространстве в момент игры, или же зритель незаметен и сливается с пространством, игнорируется артистом.
В данном случае — смешанный формат — в большинстве своём зрители игнорируются артистами, и сливаются с пространством, однако есть моменты, когда зрители видимы для артистов и есть прямое обращение, взаимодействие. Обращаются («уважаемые зрители, пойдемте туда-то») к зрителям лишь непонятные люди с париках и черных мантиях — острый вопрос — кто они? Если исходить из сюжета — зрители — гости дома, при котором учрежден крепостной театр. Зрители видят сцены репетиций, актёров «театра в театре» в быту — вполне логично, пока что. Люди же в париках и мантиях выполняют административные функции, но непонятно, в какой они реальности — если в нашей, зрительской, то они могут быть в современном одежде без пустого маскарада, если же в реальности героев — то на слуг дома той эпохи они никак не похожи ни по костюмам, ни по обращениям.
Насколько мне известно, в начале гостей делят на 4 группы, которые проходят разные маршруты, получая одинаковое содержание, а затем собирают в общем зале на просмотр постановки крепостного театра. Кстати, видимо продолжение истории после окончания постановки театра в театре звучит со сцены из-за сложности дальнейшей логистики — собрать всех в одном месте проще, чем одновременно развести на несколько разных маршрутов.
В общем, допускаю, что впечатления могут отличаться, ведь маршруты, всё же, разные.
#спектакль
#театральныевыходные
в этой рубрике накопилось много, и слишком мало времени придерживаться традиции писать сюда об увиденном
Итак, начну с давнего.
«Маяковский» в Ленкоме
Государственный театр в лице художественного руководителя и режиссёра спектакля Алексея Франдетти предпринимает попытку создания достойного мюзикла на российской сцене. Современного, живого, о важном.
Соавтором спектакля выступает современный российский исполнитель, известный публике как Баста. Справедливости ради, один из немногих мыслящих, непустых исполнителей эстрады нашего времени. Его творчество можно охарактеризовать модным словом «концептуальное».
Довольно смелый и неожиданный шаг со стороны государственного театра с налетом консерватизма. Хотя, на мой взгляд, все же верный шаг на пути к расконсервации.
Что на сцене?
— История Маяковского — поэта-бунтаря, лидера русского футуризма, одновременно восхваляемого и отвергаемого обществом. История человека, жизнь которого полна любви и лишена её. Не одна драматичная история любовных взаимоотношений, много литературного творчества и музыка.
Впечатляющая сценография и художественное оформление — зрелищно.
«Сансара» как эффект причастности — финал, где каждый второй зритель зажигает фонарь телефона и подпевает «Сансару» — песню, которая идеально вписывается в концовку спектакля, песню, известную каждому представителю молодого поколения, звучавшую и звучащую на последних звонках и выпускных.
Приятно, что этот «эффект воссоединения» с аудиторией не напускной и не искусственный, не момент «ради сторис» и повышения узнаваемости. Вернее, не без этого, но уместно.
И всё же, это больше классное шоу, нежели театр. Ярко, современно, шумно, но до струн человеческой души не докасается. На поверхности, что ли. Да, пожалуй, на поверхности — впечатляющий сторителлинг к юбилею поэта в «новой форме».
#спектакль
Итак, начну с давнего.
«Маяковский» в Ленкоме
Государственный театр в лице художественного руководителя и режиссёра спектакля Алексея Франдетти предпринимает попытку создания достойного мюзикла на российской сцене. Современного, живого, о важном.
Соавтором спектакля выступает современный российский исполнитель, известный публике как Баста. Справедливости ради, один из немногих мыслящих, непустых исполнителей эстрады нашего времени. Его творчество можно охарактеризовать модным словом «концептуальное».
Довольно смелый и неожиданный шаг со стороны государственного театра с налетом консерватизма. Хотя, на мой взгляд, все же верный шаг на пути к расконсервации.
Что на сцене?
— История Маяковского — поэта-бунтаря, лидера русского футуризма, одновременно восхваляемого и отвергаемого обществом. История человека, жизнь которого полна любви и лишена её. Не одна драматичная история любовных взаимоотношений, много литературного творчества и музыка.
Впечатляющая сценография и художественное оформление — зрелищно.
«Сансара» как эффект причастности — финал, где каждый второй зритель зажигает фонарь телефона и подпевает «Сансару» — песню, которая идеально вписывается в концовку спектакля, песню, известную каждому представителю молодого поколения, звучавшую и звучащую на последних звонках и выпускных.
Приятно, что этот «эффект воссоединения» с аудиторией не напускной и не искусственный, не момент «ради сторис» и повышения узнаваемости. Вернее, не без этого, но уместно.
И всё же, это больше классное шоу, нежели театр. Ярко, современно, шумно, но до струн человеческой души не докасается. На поверхности, что ли. Да, пожалуй, на поверхности — впечатляющий сторителлинг к юбилею поэта в «новой форме».
#спектакль
История о моем неудачном свидании с театром…
«Над пропастью во ржи» в Театре Ермоловой — плоды в проекта {1,5}.
Проект, сам по себе, вызывал у меня интерес и даже восхищение, чего не скажешь о его плодах, к сожалению.
Стремление дать возможность работы с большой формой молодым режиссерам, отсутствие страха перед таким экспериментом не может не вызвать уважения. И тем не менее, вопросы к итогам этого проекта есть.
Первой премьерой стала постановка «Потудань» — мягко говоря, странная, но в тот момент я сдержала себя от резких комментариев.
По итогам 1,5 месячных показов каждой постановки, созданной в рамках проекта, в репертуар театра вошёл спектакль «Над пропастью во ржи» Петра Куртова — постановка одноименного произведения Джерома Сэлинджера.
Бывают спектакли сложные для восприятия и понимая, но значимые с точки зрения художественной составляющей. Бывают спектакли «не получившиеся», но в них считываются интересные задумки и смыслы — становится понятно, что или не докрутили, или перемудрили. Бывает, когда встречаешься с резкими экспериментами — чем-то провокационным, из другого мира этики и эстетики — и это тоже любопытно, и, безусловно, имеет право на жизнь.
«Над пропастью во ржи» — постановка, которая, скорее, просто «не получилась». Без «но».
Очень поверхностное отношение к материалу, примитивная режиссура и жуткие для сложившейся ситуации решения в поле оформления спектакля — работе художника и художника по костюмам. Вышло не только поверхностно, но и пошловато.
Странная двухэтажная коробка в виде окна с не менее странными символами — претензия на современность, молодежность, отсылки к уличной культуре?
Попытки удерживать внимание зрителя и создать динамику при помощи пластики и хореографии. Обесценивание самого материала, сведение до примитивного мелодраматического повествования о взрослении подростка.
Пугает, что из всех постановок, созданных в рамках этого проекта, этот спектакль вошел в репертуар как лучший.
И тем не менее, надежда на следующий сезон проекта остаётся.
#спектакль
«Над пропастью во ржи» в Театре Ермоловой — плоды в проекта {1,5}.
Проект, сам по себе, вызывал у меня интерес и даже восхищение, чего не скажешь о его плодах, к сожалению.
Стремление дать возможность работы с большой формой молодым режиссерам, отсутствие страха перед таким экспериментом не может не вызвать уважения. И тем не менее, вопросы к итогам этого проекта есть.
Первой премьерой стала постановка «Потудань» — мягко говоря, странная, но в тот момент я сдержала себя от резких комментариев.
По итогам 1,5 месячных показов каждой постановки, созданной в рамках проекта, в репертуар театра вошёл спектакль «Над пропастью во ржи» Петра Куртова — постановка одноименного произведения Джерома Сэлинджера.
Бывают спектакли сложные для восприятия и понимая, но значимые с точки зрения художественной составляющей. Бывают спектакли «не получившиеся», но в них считываются интересные задумки и смыслы — становится понятно, что или не докрутили, или перемудрили. Бывает, когда встречаешься с резкими экспериментами — чем-то провокационным, из другого мира этики и эстетики — и это тоже любопытно, и, безусловно, имеет право на жизнь.
«Над пропастью во ржи» — постановка, которая, скорее, просто «не получилась». Без «но».
Очень поверхностное отношение к материалу, примитивная режиссура и жуткие для сложившейся ситуации решения в поле оформления спектакля — работе художника и художника по костюмам. Вышло не только поверхностно, но и пошловато.
Странная двухэтажная коробка в виде окна с не менее странными символами — претензия на современность, молодежность, отсылки к уличной культуре?
Попытки удерживать внимание зрителя и создать динамику при помощи пластики и хореографии. Обесценивание самого материала, сведение до примитивного мелодраматического повествования о взрослении подростка.
Пугает, что из всех постановок, созданных в рамках этого проекта, этот спектакль вошел в репертуар как лучший.
И тем не менее, надежда на следующий сезон проекта остаётся.
#спектакль
«Король лир» Льва Додина. Переосмысление.
#театральныевыходные
В 2023 году на сцене МДТ состоялась премьера «Короля Лира» Льва Додина. Ранее, в сезоне 2005//2006, режиссёр уже обращался к этому шекспировскому тексту. Тот спектакль получил две «золотые маски»— в годы, когда «Золотая маска» еще была объективным театральным фестивалем , а критика отметила постановку Додина как одно из важнейших событий сезона.
В 2023 году писали о «второй редакции «Короля Лира» Льва Додина».
Но это, скорее, не вторая редакция, а совершенно новое прочтение. Переосмысление материала, трансляция других собственных взглядов и посылов. Пересмотр акцентов. И другие мотивы режиссёрского обращения к конкретному тексту.
Первая постановка «Короля Лира» Додиным родилась из профессионального предательства, пережитого режиссёром— уход ученика Льва Додина Петра Семака в МХТ, и его последующее возвращение в МДТ. Тогда на сцене была история о предательстве Лира.
Сегодня, в постановке 2023 года, тема предательства далеко не основная — это лишь предлагаемые обстоятельства. Спектакль есть изучение, анализ трансформаций, происходящих с человеком, вкусившим власть. Отстраненное повествование-исследование о вечном и важном. И текст Шекспира здесь всего лишь инструмент для высказывания.
Это история монарха, причём не конкретного — Лира, преданного и лишившегося рассудка, а героя-монарха, целого типа людей. Человека, получившего средства, и забывшего о целях. Плоти, существующей в собственной оболочке в мире вседозволенности, с каждой минутой утрачивающей человеческое — смысл жизни, саму жизнь в себе. Власть — это средство, ресурс, нередко становящийся, к сожалению, самоцелью.
Художественное оформление спектакля — очень хороший пример того, как важно уметь находить «своих людей».
Команда, создающая общее уже не в первый раз, неизменна: режиссёр Лев Додин, художник Давид Боровский, выпускающий художник Александр Боровский, художник по свету Дамир Исмагилов. Очень яркое многолетнее сотворчество.
Дощатые кресты, которыми заколочено пространство, холщовые стулья, простая ночная рубашка короля. Точечный контрастный исключительно холодный свет, без полной световой заливки сценического пространства.
Отсутствие «порочности творца (команды спектакля)» — демонстрации антигероя в шикарных интерьерах и костюмах, где антигерой становится для публики не таким однозначным, оставляя в воздухе мысль — «он плохой, но хочется также».
Здесь всё честно и чисто — публику не ставят перед неприятным внутренним нравственным выбором — «также» не хочется. Антигерой остаётся антигероем. И вызывает лишь то, что заслужил — жалость, не синонимичную состраданию.
Питерская театральная школа — отличная от московской, более строгая, самобытная. Безусловно, яркие и очень сильные актёрские работы на сцене. В особенности интересно сказать про «свежую кровь» — 26 летнего Никиту Каратаева, подающего надежды стать большим артистом. Попав в руки к безоговорочно великому Льву Додину в 2020 году, он сыграл Треплева в «Чайке» (постановка 2022 года) — роль трансформационную, на мой взгляд. В новом «Короле Лире» его можно увидеть в роли шута. Шут здесь — олицетворение остатков человечности Лира, олицетворение за счёт жизни. Молодой, с бешеной энергетикой, очень живой — он дурачится, болтает, остро и едко отвечает героям, играет на фортепиано — он живёт. Ощущение, что из всех, кого выводят на сцену, он единственный по-настоящему живой. Отличия от остальных есть и в его образе — красные перчатки, носок — лишь только потому ли, что он шут?
Любопытно понаблюдать за его дальнейшими сценическими работами и карьерой в кино.
«Король Лир» на сцене МДТ — Театра Европы — постановка, созданная людьми, любящими и бережно сохранившими искусство в себе, а не себя в искусстве. Такие встречи с искусством значимы.
#спектакль
#recommendation
#театральныевыходные
В 2023 году на сцене МДТ состоялась премьера «Короля Лира» Льва Додина. Ранее, в сезоне 2005//2006, режиссёр уже обращался к этому шекспировскому тексту. Тот спектакль получил две «золотые маски»
В 2023 году писали о «второй редакции «Короля Лира» Льва Додина».
Но это, скорее, не вторая редакция, а совершенно новое прочтение. Переосмысление материала, трансляция других собственных взглядов и посылов. Пересмотр акцентов. И другие мотивы режиссёрского обращения к конкретному тексту.
Первая постановка «Короля Лира» Додиным родилась из профессионального предательства, пережитого режиссёром
Сегодня, в постановке 2023 года, тема предательства далеко не основная — это лишь предлагаемые обстоятельства. Спектакль есть изучение, анализ трансформаций, происходящих с человеком, вкусившим власть. Отстраненное повествование-исследование о вечном и важном. И текст Шекспира здесь всего лишь инструмент для высказывания.
Это история монарха, причём не конкретного — Лира, преданного и лишившегося рассудка, а героя-монарха, целого типа людей. Человека, получившего средства, и забывшего о целях. Плоти, существующей в собственной оболочке в мире вседозволенности, с каждой минутой утрачивающей человеческое — смысл жизни, саму жизнь в себе. Власть — это средство, ресурс, нередко становящийся, к сожалению, самоцелью.
Художественное оформление спектакля — очень хороший пример того, как важно уметь находить «своих людей».
Команда, создающая общее уже не в первый раз, неизменна: режиссёр Лев Додин, художник Давид Боровский, выпускающий художник Александр Боровский, художник по свету Дамир Исмагилов. Очень яркое многолетнее сотворчество.
Дощатые кресты, которыми заколочено пространство, холщовые стулья, простая ночная рубашка короля. Точечный контрастный исключительно холодный свет, без полной световой заливки сценического пространства.
Отсутствие «порочности творца (команды спектакля)» — демонстрации антигероя в шикарных интерьерах и костюмах, где антигерой становится для публики не таким однозначным, оставляя в воздухе мысль — «он плохой, но хочется также».
Здесь всё честно и чисто — публику не ставят перед неприятным внутренним нравственным выбором — «также» не хочется. Антигерой остаётся антигероем. И вызывает лишь то, что заслужил — жалость, не синонимичную состраданию.
Питерская театральная школа — отличная от московской, более строгая, самобытная. Безусловно, яркие и очень сильные актёрские работы на сцене. В особенности интересно сказать про «свежую кровь» — 26 летнего Никиту Каратаева, подающего надежды стать большим артистом. Попав в руки к безоговорочно великому Льву Додину в 2020 году, он сыграл Треплева в «Чайке»
Любопытно понаблюдать за его дальнейшими сценическими работами и карьерой в кино.
«Король Лир» на сцене МДТ — Театра Европы — постановка, созданная людьми, любящими и бережно сохранившими искусство в себе, а не себя в искусстве. Такие встречи с искусством значимы.
#спектакль
#recommendation
«Джульетта» на сцене БДТ им. Товстоногова — художественное осмысление театрального закулисья.
#театральныевыходные
Уникальное в своём роде прочтение Шекспировского текста «Ромео и Джульетты». Постановка «по мотивам» — от авторского текста на сцене осталось мало. Спекаткль в поле эксперимента — современность в академическом театре, дебют на российской сцене звездного тандема эстонских режиссёров Тийта Оясоо и Эне-Лийс Семпер, абсолютно европейское искусство в закрытом Питере.
На сцене история создания одной постановки — приоткрытие завесы тайны — актёры репетируют «Ромео и Джульетту». Есть такое понятие как «раскачка» — именно этому процессу посвящено 60% времени спектакля — зритель наблюдает за созданием спектакля с момента пробуждения актрисы и её пути на репетицию до творческого хаоса, в котором рождается искусство.
Любопытный подход к динамике — в начале энергетики нет, все тихо, размеренно, можно сказать мертво — много реплик, мало действия. И действие развивается довольно непривычно — около 40 минут актёры «раскачиваются» на сцене, дурачась «в закулисье», и становясь ансамблем, единым организмом. И вот, раскачавшись на глазах публики, появляется посыл энергии в зал — на сцене очень живые актёры, начинается динамичное развитие действия.
Линия Ромео и Джульетты раскрывается через призму острой профессиональной проблемы — актёрского умения или неумения абстрагироваться, разделяя то и тех, кто на сцене, себя в роли и реальность, человеческую жизнь и любовь. Актёр — это живой человек, личность, по-человечески влюбляющаяся и живущая «в миру». Но актёр все тот же человек в работе, играющий любовь с тем, с кем решит режиссёр. Искусство есть самоотдача. В данном случае, сопровождающаяся частичным расщеплением личности — актёр — не просто человек в миру, но и его роли, в большей или меньшей степени.
И вот, на сцене мы видим, как юная Джульетта (Мария Мацель) запуталась в своих чувствах к своим «мирскому» и сценическому Ромео.
Далее действие развивается через пластические и хореографические зарисовки — потрясающий красоты номер «crave» - страсть. Синхронный, яркий, завораживающий. Пластическая партитура главной героини.
В конце странный реверанс в виде песни группы «Ленинград», исполняемой артистами со сцены— непонятен адресат — питерской публике такое чуждо, московская едет за петербургским искусством. Здесь, скорее, реверанс стереотипной культуре этого города со стороны иностранных режиссёров.
Постановка очень неоднозначная, и всё же очень любопытная. Экспериментальным спектаклям сложно получить преимущественно положительный или отрицательный отклик у публики. И это тот случай, когда спектакль на спектакль не приходится, а реакции в зале полярные.
смотреть стоит.
#recommendation
#спектакль
#театральныевыходные
Уникальное в своём роде прочтение Шекспировского текста «Ромео и Джульетты». Постановка «по мотивам» — от авторского текста на сцене осталось мало. Спекаткль в поле эксперимента — современность в академическом театре, дебют на российской сцене звездного тандема эстонских режиссёров Тийта Оясоо и Эне-Лийс Семпер, абсолютно европейское искусство в закрытом Питере.
На сцене история создания одной постановки — приоткрытие завесы тайны — актёры репетируют «Ромео и Джульетту». Есть такое понятие как «раскачка» — именно этому процессу посвящено 60% времени спектакля — зритель наблюдает за созданием спектакля с момента пробуждения актрисы и её пути на репетицию до творческого хаоса, в котором рождается искусство.
Любопытный подход к динамике — в начале энергетики нет, все тихо, размеренно, можно сказать мертво — много реплик, мало действия. И действие развивается довольно непривычно — около 40 минут актёры «раскачиваются» на сцене, дурачась «в закулисье», и становясь ансамблем, единым организмом. И вот, раскачавшись на глазах публики, появляется посыл энергии в зал — на сцене очень живые актёры, начинается динамичное развитие действия.
Линия Ромео и Джульетты раскрывается через призму острой профессиональной проблемы — актёрского умения или неумения абстрагироваться, разделяя то и тех, кто на сцене, себя в роли и реальность, человеческую жизнь и любовь. Актёр — это живой человек, личность, по-человечески влюбляющаяся и живущая «в миру». Но актёр все тот же человек в работе, играющий любовь с тем, с кем решит режиссёр. Искусство есть самоотдача. В данном случае, сопровождающаяся частичным расщеплением личности — актёр — не просто человек в миру, но и его роли, в большей или меньшей степени.
И вот, на сцене мы видим, как юная Джульетта (Мария Мацель) запуталась в своих чувствах к своим «мирскому» и сценическому Ромео.
Далее действие развивается через пластические и хореографические зарисовки — потрясающий красоты номер «crave» - страсть. Синхронный, яркий, завораживающий. Пластическая партитура главной героини.
В конце странный реверанс в виде песни группы «Ленинград», исполняемой артистами со сцены— непонятен адресат — питерской публике такое чуждо, московская едет за петербургским искусством. Здесь, скорее, реверанс стереотипной культуре этого города со стороны иностранных режиссёров.
Постановка очень неоднозначная, и всё же очень любопытная. Экспериментальным спектаклям сложно получить преимущественно положительный или отрицательный отклик у публики. И это тот случай, когда спектакль на спектакль не приходится, а реакции в зале полярные.
смотреть стоит.
#recommendation
#спектакль
«Чайка» — то ли комедия, то ли трагедия, то ли исследование природы мечты…
Режиссёрская работа студента мастерской Ю. Н. Бутусова Ильи Зайцева выпорхнула на сцену легендарной 39 аудитории режиссёрского факультета ГИТИСа.
Рассуждая об этой постановке, важно понимать, что это учебная работа. Критерии оценки спектакля, увиденного в репертуаре театра здесь применять не стоит. Здесь важно другое — именно в стенах 39 аудитории начинается множество самостоятельных творческих путей. Ученики делают свои первые шаги. Критики, рассуждая о постановках именитых режиссёров, часто ссылаются на их первые студенческие и дипломные работы, говоря о формировании авторского почерка, о характерных чертах творчества и уникальности художественных образов.
Эта «Чайка», пожалуй, самая «милая» из всех, что я видела в жизни (а видела я порядка 8 «Чаек», в том числе в постановке Льва Додина). Милая не с точки зрения отсутствия драматизма или смягчения конфликта. Милая она по причине того, что характерно учебная, с пародиями на педагогов, с яркими чертами мастерской, со смыслами, без которых не существует ни одна работа нынешних бутусовцев, с отпечатками, которые на них на всех разом наложили определённые события.
На сцене минимум декораций, всё то же пространство пустой чёрной кирпичной комнаты. На сцене рождаются образы. Моментами, узнаваемые, а моментами совершенно не похожие на привычное восприятие героев Чеховской «Чайки».
Сам режиссёр использует не только сценический язык для общения со зрителем, но и вполне обычный — вещает в микрофон.
Начинается всё с рассказа: спектакль — исследование природы мечты:
«Когда я поступал в ГИТИС, я делал отрывки по Чехову. Юрий Николаевич (Бутусов) спросил меня, как я сам оцениваю свою работу. И я ответил, что я доволен. Далее, у нас было ещё несколько вступительных испытаний, и на финальном собеседовании с мастером, Юрий Николаевич спросил, как я оцениваю весь свой путь к поступлению. И я ответил, что кажется, что у меня ничего не получается. Он ответил: «слава богу, потому что после прошлого ответа я не спал ночи».
На сцене появляются чеховские персонажи. Дальше всё отрывками, с нарушением авторской линии повествования и очень значительным сокращением оригинального текста. Говорят, «Чайка» Чехова про любовь, здесь показывают только линию про мечту. На мой взгляд «Чайка» несколько сложнее, нежели любое из вышеупомянутых суждений и решений, и «Чайка» про переплетение этих линий и их взаимосвязь. Но режиссёр на то и режиссёр, чтобы иметь собственный уникальный художественный взгляд, и выделять то, про что «Чайка» для него.
В какой-то момент черная кирпичная стена становится главной декорацией: там есть разделение на почерк и образ, там же появляется надпись: «моя жизнь —> если тебе понадобится моя жизнь, то приди и возьми —> её».
Аркадина здесь очень характерная, действительно состарившаяся, но всё ещё стремящаяся жить в молодости актриса. А Нина очень наивная, юная и не побоюсь, пустая. С самого начала разбившаяся мечта. И тем не менее, в отличии от множества других Нин, здесь она не нависает над Тригориным, размахивая крыльями, а расправляет крылья ему.
В этот момент начинаешь задумываться об ещё одной линии в Чеховской «Чайке» — что, если некоторые события и некоторые главные герои нужны исключительно для того, чтобы повлиять на судьбу других. Что, если их развитие не столь важно и интересно, сколько их влияние на других персонажей. Но было ли про это у Чехова, и про это ли?…
Не менее любопытно, что финальный монолог остаётся за режиссёром, выходящим на сцену. И финальная точка — пятно крови в области сердца на рубашке. Всё же эта «Чайка» о природе мечты. И она полностью его — режиссёра, и полностью про него.
#театральныевыходные
#закулисье
#спектакль
#recommendation
Режиссёрская работа студента мастерской Ю. Н. Бутусова Ильи Зайцева выпорхнула на сцену легендарной 39 аудитории режиссёрского факультета ГИТИСа.
Рассуждая об этой постановке, важно понимать, что это учебная работа. Критерии оценки спектакля, увиденного в репертуаре театра здесь применять не стоит. Здесь важно другое — именно в стенах 39 аудитории начинается множество самостоятельных творческих путей. Ученики делают свои первые шаги. Критики, рассуждая о постановках именитых режиссёров, часто ссылаются на их первые студенческие и дипломные работы, говоря о формировании авторского почерка, о характерных чертах творчества и уникальности художественных образов.
Эта «Чайка», пожалуй, самая «милая» из всех, что я видела в жизни (а видела я порядка 8 «Чаек», в том числе в постановке Льва Додина). Милая не с точки зрения отсутствия драматизма или смягчения конфликта. Милая она по причине того, что характерно учебная, с пародиями на педагогов, с яркими чертами мастерской, со смыслами, без которых не существует ни одна работа нынешних бутусовцев, с отпечатками, которые на них на всех разом наложили определённые события.
На сцене минимум декораций, всё то же пространство пустой чёрной кирпичной комнаты. На сцене рождаются образы. Моментами, узнаваемые, а моментами совершенно не похожие на привычное восприятие героев Чеховской «Чайки».
Сам режиссёр использует не только сценический язык для общения со зрителем, но и вполне обычный — вещает в микрофон.
Начинается всё с рассказа: спектакль — исследование природы мечты:
«Когда я поступал в ГИТИС, я делал отрывки по Чехову. Юрий Николаевич (Бутусов) спросил меня, как я сам оцениваю свою работу. И я ответил, что я доволен. Далее, у нас было ещё несколько вступительных испытаний, и на финальном собеседовании с мастером, Юрий Николаевич спросил, как я оцениваю весь свой путь к поступлению. И я ответил, что кажется, что у меня ничего не получается. Он ответил: «слава богу, потому что после прошлого ответа я не спал ночи».
На сцене появляются чеховские персонажи. Дальше всё отрывками, с нарушением авторской линии повествования и очень значительным сокращением оригинального текста. Говорят, «Чайка» Чехова про любовь, здесь показывают только линию про мечту. На мой взгляд «Чайка» несколько сложнее, нежели любое из вышеупомянутых суждений и решений, и «Чайка» про переплетение этих линий и их взаимосвязь. Но режиссёр на то и режиссёр, чтобы иметь собственный уникальный художественный взгляд, и выделять то, про что «Чайка» для него.
В какой-то момент черная кирпичная стена становится главной декорацией: там есть разделение на почерк и образ, там же появляется надпись: «моя жизнь —> если тебе понадобится моя жизнь, то приди и возьми —> её».
Аркадина здесь очень характерная, действительно состарившаяся, но всё ещё стремящаяся жить в молодости актриса. А Нина очень наивная, юная и не побоюсь, пустая. С самого начала разбившаяся мечта. И тем не менее, в отличии от множества других Нин, здесь она не нависает над Тригориным, размахивая крыльями, а расправляет крылья ему.
В этот момент начинаешь задумываться об ещё одной линии в Чеховской «Чайке» — что, если некоторые события и некоторые главные герои нужны исключительно для того, чтобы повлиять на судьбу других. Что, если их развитие не столь важно и интересно, сколько их влияние на других персонажей. Но было ли про это у Чехова, и про это ли?…
Не менее любопытно, что финальный монолог остаётся за режиссёром, выходящим на сцену. И финальная точка — пятно крови в области сердца на рубашке. Всё же эта «Чайка» о природе мечты. И она полностью его — режиссёра, и полностью про него.
#театральныевыходные
#закулисье
#спектакль
#recommendation
«Когда в молодости люди танцуют, в старости они не чувствуют боли»
«Молодость» Галины Зальцман в Новом пространстве Театра Наций.
#театральныевыходные
В основе постановки одноименный роман и киносценарий китайской писательницы. Действие происходит в Китае, начиная периодом «культурной революции» и заканчивая уже 1990-ми.
На сцене очень живая, актуальная(да простят меня все театроведы, я продюсер) история. «Не о любви, но про любовь». Про то, что любовь — это чувство, которое рождается внутри самого человека, и живёт вне зависимости от взаимности. Ещё, конечно же, про молодость: про энергию, про мечты, про идеи, в которые безоговорочно и свято веришь. Тема веры в идеи и идеалы здесь неразрывна ещё и с соответствующей идеологией и режимом, которые кроются в предлагаемых обстоятельствах и идеально передаются через язык сцены.
А вообще спектакль про жизнь, про сегодняшнюю. Отчасти, с чертами политического театра, но без пропаганды и 25-х кадров— на сцене очень честно, искренне и про людей.
К разговору о политическом театре в данном контексте, приведу ответ белорусского режиссёра и драматурга Николая Халезина на вопрос, что такое политический театр:
Театр молодого режиссёра, с молодыми актёрами, но уже не на уровне учебных работ. Стоит отметить, что Новое пространство Театра Наций — резиденция недавних выпускников и студентов. Пространство, где молодые артисты рождаются на сцене, или находятся в процессе рождения, ну или, по крайней мере, имеют для этого все возможности. При этом, это пространство, что уж там, пафосного театра, для которого важны репутация и бренд — это не территория для любых экспериментов.
Приятно видеть очень яркую работу Даши Болотовой, выпускницы мастерской Глушкова. Виден огромный прогресс и развитие тех зачатков, что были в дипломных спектаклях с её участием. Здесь и очень серьезная работа актрисы над ролью, и удачное использование органики артистки режиссёром — всё сошлось. Про остальные актёрские работы отдельно не напишешь.
Любопытная работа сценографа и художника Анастасии Юдиной: обращение к китайским маскам, образ вождя на сцене, костюмы — создается ощущение целостности художественного образа и его неразрывной связи со сценическим действием.
Отдельный язык повествования — хореография Ольги Васильевой. Фраза, повторяемая рассказчиком несколько раз: «когда в молодости люди танцуют, в старости они не чувствуют боли» обретает подтексты для зрителя, тоже обрастает рядом образов, созданных при помощи режиссерских решений и хореографии.
Премьера вечером. Премьера стоящего внимания спектакля.
#спектакль
#recommendation
«Молодость» Галины Зальцман в Новом пространстве Театра Наций.
#театральныевыходные
В основе постановки одноименный роман и киносценарий китайской писательницы. Действие происходит в Китае, начиная периодом «культурной революции» и заканчивая уже 1990-ми.
На сцене очень живая, актуальная
А вообще спектакль про жизнь, про сегодняшнюю. Отчасти, с чертами политического театра, но без пропаганды и 25-х кадров— на сцене очень честно, искренне и про людей.
К разговору о политическом театре в данном контексте, приведу ответ белорусского режиссёра и драматурга Николая Халезина на вопрос, что такое политический театр:
«Я практически не использую термин «политический театр» в жизни, поскольку он сегодня не несет того смысла, который в него вкладывался в первой половине XX века. Термин «актуальный театр» мне ближе и понятнее — это театр, не останавливающийся лишь на развлекательной функции; театр, который в состоянии рефлексировать и резонировать в поле социума».
Итак, остановимся, пожалуй, на том, что «Молодость» Галины Зальцман — это «актуальный театр». Театр молодого режиссёра, с молодыми актёрами, но уже не на уровне учебных работ. Стоит отметить, что Новое пространство Театра Наций — резиденция недавних выпускников и студентов. Пространство, где молодые артисты рождаются на сцене, или находятся в процессе рождения, ну или, по крайней мере, имеют для этого все возможности. При этом, это пространство, что уж там, пафосного театра, для которого важны репутация и бренд — это не территория для любых экспериментов.
Приятно видеть очень яркую работу Даши Болотовой, выпускницы мастерской Глушкова. Виден огромный прогресс и развитие тех зачатков, что были в дипломных спектаклях с её участием. Здесь и очень серьезная работа актрисы над ролью, и удачное использование органики артистки режиссёром — всё сошлось. Про остальные актёрские работы отдельно не напишешь.
Любопытная работа сценографа и художника Анастасии Юдиной: обращение к китайским маскам, образ вождя на сцене, костюмы — создается ощущение целостности художественного образа и его неразрывной связи со сценическим действием.
Отдельный язык повествования — хореография Ольги Васильевой. Фраза, повторяемая рассказчиком несколько раз: «когда в молодости люди танцуют, в старости они не чувствуют боли» обретает подтексты для зрителя, тоже обрастает рядом образов, созданных при помощи режиссерских решений и хореографии.
Премьера вечером. Премьера стоящего внимания спектакля.
#спектакль
#recommendation
#театральныевыходные
«Занавес» Юрия Квятковского — постановка в жанре документального фильма на сцене.
📍 Малая сцена МХТ
Спектакль «о жизни за знаменитым занавесом с чайкой» в монологах и зарисовках. Сценическое действие оживляет документальную пьесу Андрея Стадникова, основанную на разговорах с женщинами МХТ. Это возможность для обычного зрителя увидеть артистов в театральном быту: в гримерке, за разговорами. Послушать истории о том, как они попали в театр, как поступали в институт. Это знакомство зрителя с людьми театра, с теми, которые всегда остаются за сценой — костюмерами, ключниками, вахтерами, заведующими постановочной частью.
Ликбез — «театр как организация есть не только артист на сцене».
И занавес как художественный образ, что разделяет людей театра и публику.
Несмотря на то, что это театр, и это сценическое действие, жанр документального кино, пусть даже на сцене, захлестнул. Актёры работают не на зал, а в камеру, что направлена на них, а их изображение транслируется на большой экран в камерном зале на 150 мест. Моментами любопытно наблюдать за динамичными перевоплощениями из одного персонажа в другого, смены одного рассказа другим.
Не комедия, не трагедия, 10 женских персонажей, 0 мужских, один акт, много разговоров о жизни в театре, мало действия, и никаких вам пяти пудов любви.
#спектакль
«Занавес» Юрия Квятковского — постановка в жанре документального фильма на сцене.
Спектакль «о жизни за знаменитым занавесом с чайкой» в монологах и зарисовках. Сценическое действие оживляет документальную пьесу Андрея Стадникова, основанную на разговорах с женщинами МХТ. Это возможность для обычного зрителя увидеть артистов в театральном быту: в гримерке, за разговорами. Послушать истории о том, как они попали в театр, как поступали в институт. Это знакомство зрителя с людьми театра, с теми, которые всегда остаются за сценой — костюмерами, ключниками, вахтерами, заведующими постановочной частью.
Ликбез — «театр как организация есть не только артист на сцене».
И занавес как художественный образ, что разделяет людей театра и публику.
Несмотря на то, что это театр, и это сценическое действие, жанр документального кино, пусть даже на сцене, захлестнул. Актёры работают не на зал, а в камеру, что направлена на них, а их изображение транслируется на большой экран в камерном зале на 150 мест. Моментами любопытно наблюдать за динамичными перевоплощениями из одного персонажа в другого, смены одного рассказа другим.
Не комедия, не трагедия, 10 женских персонажей, 0 мужских, один акт, много разговоров о жизни в театре, мало действия, и никаких вам пяти пудов любви.
#спектакль
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
«Соня—9»
Спектакль-концерт молодого режиссёра Саши Золотовицкого на Новой сцене МХТ им. Чехова.
Постановка, основанная на комиксах Алексея Олейникова.
В режиссерских работах Саши Золотовицкого очень органично сочетается школа (режфак ГИТИСа, мастерская Олега Львовича Кудряшова) и наивность, честность юношеской режиссуры. Темы, смыслы, решения — всё это без излишней серьезности и глубоких философских проблем. Его работы о простом и живом. При этом предельно честно и грамотно простроенные, без дилетантства.
Даже на сайте театра и в программке режиссёр указан как Саша, а не как Александр, что тоже о многом говорит.
Этот спектакль про девочку Соню, про девочку, которая учится в 9 классе, готовится сдавать ОГЭ.
Про её мысли, про её розовый дневник, про её увлечения — комиксы.
Динамичная, яркая форма — спектакль-концерт. Ярко, энергично.
На сцене вполне понятные, органичные персонажи. Они подыгрывают в истории про жизнь той самой Сони. Есть органичные вставки-интервью подростков, которые рассказывали участникам спектакля о своей юношеской жизни — частичная интеграция вербатима.
Интересная задумка:
«Мне кажется, что театр в силу своей мнимой архаичности тяжело идет на диалог с современным подростком…Хочется сделать работу, в которой подросткам был бы дан голос со сцены, поговорить с ними на нормальном языке, не делая скидок и не уходя в сюсюканье».
— Саша Золотовицкий, режиссёр спектакля.
Задумка успешно реализованная, что важно — в зале хоть и около 100 мест, но билеты раскуплены до середины июня…а в зале подростки-школьники, с билетами, а не с пригласительными.
На что современный школьник готов потратить карманные деньги — неужели на театр?
Да, на театр. И да, им действительно интересно.
Удивительная картина: школьники, пусть 1,5 часа, но смотрят на сцену, а не в телефон. Они приходят в театр компаниями друзей или парочками, а не со школьным учителем или родителями.
Это, на самом деле, дорогого стоит.
#театральныевыходные
#recommendation
#спектакль
Спектакль-концерт молодого режиссёра Саши Золотовицкого на Новой сцене МХТ им. Чехова.
Постановка, основанная на комиксах Алексея Олейникова.
В режиссерских работах Саши Золотовицкого очень органично сочетается школа (режфак ГИТИСа, мастерская Олега Львовича Кудряшова) и наивность, честность юношеской режиссуры. Темы, смыслы, решения — всё это без излишней серьезности и глубоких философских проблем. Его работы о простом и живом. При этом предельно честно и грамотно простроенные, без дилетантства.
Даже на сайте театра и в программке режиссёр указан как Саша, а не как Александр, что тоже о многом говорит.
Этот спектакль про девочку Соню, про девочку, которая учится в 9 классе, готовится сдавать ОГЭ.
Про её мысли, про её розовый дневник, про её увлечения — комиксы.
Динамичная, яркая форма — спектакль-концерт. Ярко, энергично.
На сцене вполне понятные, органичные персонажи. Они подыгрывают в истории про жизнь той самой Сони. Есть органичные вставки-интервью подростков, которые рассказывали участникам спектакля о своей юношеской жизни — частичная интеграция вербатима.
Интересная задумка:
«Мне кажется, что театр в силу своей мнимой архаичности тяжело идет на диалог с современным подростком…Хочется сделать работу, в которой подросткам был бы дан голос со сцены, поговорить с ними на нормальном языке, не делая скидок и не уходя в сюсюканье».
— Саша Золотовицкий, режиссёр спектакля.
Задумка успешно реализованная, что важно — в зале хоть и около 100 мест, но билеты раскуплены до середины июня…а в зале подростки-школьники, с билетами, а не с пригласительными.
На что современный школьник готов потратить карманные деньги — неужели на театр?
Да, на театр. И да, им действительно интересно.
Удивительная картина: школьники, пусть 1,5 часа, но смотрят на сцену, а не в телефон. Они приходят в театр компаниями друзей или парочками, а не со школьным учителем или родителями.
Это, на самом деле, дорогого стоит.
#театральныевыходные
#recommendation
#спектакль
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
территория эксперимента…
Галерея Si19 — уютное пространство в районе Сретенского бульвара, которое открывает свои двери людям искусства. Сегодня это место, где можно творить: экспериментировать, менять, пробовать и показывать публике.
Интересен и симбиоз пространства галереи и театрального искусства.
Один из ярких примеров подобного сочетания: авторский проект-спектакль студента актёрского факультета ГИТИСа Артёма Шаромова под названием «Вентиляция».
Этот проект попадает под моё любимое определение «это очередная авантюра». Удачная авантюра.
Спектакль, сложившийся из рассказов и зарисовок. Молодая команда, которая создаёт от того, что загорелась идеей, а не от того, что «так надо», «об этом надо», «сегодня надо». В искусстве идея первична. И из этой самой идеи родился проект.
Играют уже завтра, в том самом пространстве экспериментов под названием Si19, поэтому, если вы озадачены планами на праздничный день, welcome)
#театральныевыходные
#recommendation
#спектакль
Галерея Si19 — уютное пространство в районе Сретенского бульвара, которое открывает свои двери людям искусства. Сегодня это место, где можно творить: экспериментировать, менять, пробовать и показывать публике.
Интересен и симбиоз пространства галереи и театрального искусства.
Один из ярких примеров подобного сочетания: авторский проект-спектакль студента актёрского факультета ГИТИСа Артёма Шаромова под названием «Вентиляция».
Этот проект попадает под моё любимое определение «это очередная авантюра». Удачная авантюра.
Спектакль, сложившийся из рассказов и зарисовок. Молодая команда, которая создаёт от того, что загорелась идеей, а не от того, что «так надо», «об этом надо», «сегодня надо». В искусстве идея первична. И из этой самой идеи родился проект.
Играют уже завтра, в том самом пространстве экспериментов под названием Si19, поэтому, если вы озадачены планами на праздничный день, welcome)
#театральныевыходные
#recommendation
#спектакль
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Сумасшествие в ГИТИСе.
«Вий. Домыслы» режиссёра Саши Церени.
Спектакль-ребус — попробуй разгадай. Сложная задумка. Многослойная.
Однозначно яркие актёрские работы. Здесь есть что играть, и играют. Пример того, как режиссёр умеет работать с артистами, и делает артистов главным способом воплощения задумки.
Существование на грани миров, где-то на пределе.
Час с небольшим сценического действия, где продумана каждая секунда, каждый жест, взгляд, интонация.
Не фольклорно-бытовой, а философский взгляд на Гоголя.
успейте увидеть, ибо судьба дипломных спектаклей доподлинно неизвестна…
детали у мастерской в канале
#спектакль
#recommendation
#закулисье
«Вий. Домыслы» режиссёра Саши Церени.
Спектакль-ребус — попробуй разгадай. Сложная задумка. Многослойная.
Однозначно яркие актёрские работы. Здесь есть что играть, и играют. Пример того, как режиссёр умеет работать с артистами, и делает артистов главным способом воплощения задумки.
Существование на грани миров, где-то на пределе.
Час с небольшим сценического действия, где продумана каждая секунда, каждый жест, взгляд, интонация.
Не фольклорно-бытовой, а философский взгляд на Гоголя.
успейте увидеть, ибо судьба дипломных спектаклей доподлинно неизвестна…
детали у мастерской в канале
#спектакль
#recommendation
#закулисье
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Время нового пафоса — «Кровавая свадьба» в Театре Ермоловой.
Премьера сезона.
Крайне любопытный спектакль родился в этом сезоне на сцене Театра Ермоловой у режиссёра Георгия Суркова.
Заявленный как начало времени нового пафоса, он превосходит ожидания.
Редкий материал «из личной лаборатории режиссёра» — трагедия испанского драматурга Федерико Гарсиа Лорки под названием «Кровавая свадьба». Задумка, явно долго ожидавшая своего часа, правильных актёров и команды. И вот, всё сложилось.
Сложные, но действительно оправданные и интересные решения: сочетание звучания редких музыкальных инструментов с яркими внешне и харАктерными персонажами.
Само по себе наличие двоемирия, что уже любопытно, и не менее интересное раскрытие при помощи музыкальной партитуры.
И страсть как основа всего: основа задумки, основа режиссерских решений, основа актёрского существования.
Конечно, не обошлось и без банальностей, вроде оммажа бутусовцам и появления плывущей фигуры коровы, живой курицы на сцене, без беспроигрышного приёма — ребёнка в спектакле…но всё сложилось, и получилась цельная постановка.
Очень точное и близкое мне высказывание режиссёра, о том что мир устал от сарказма — «пересмеялся» стало неким манифестом, нашедшим отражение в каждой секунде действия.
Получился очень зрелищный, и при этом очень честный спектакль.
А ещё в этом спектакле первая большая роль сразу у нескольких молодых артистов театра, принятых в труппу в этом сезоне. И это прекрасно.
#спектакль
#recommendation
Премьера сезона.
Крайне любопытный спектакль родился в этом сезоне на сцене Театра Ермоловой у режиссёра Георгия Суркова.
Заявленный как начало времени нового пафоса, он превосходит ожидания.
Редкий материал «из личной лаборатории режиссёра» — трагедия испанского драматурга Федерико Гарсиа Лорки под названием «Кровавая свадьба». Задумка, явно долго ожидавшая своего часа, правильных актёров и команды. И вот, всё сложилось.
Сложные, но действительно оправданные и интересные решения: сочетание звучания редких музыкальных инструментов с яркими внешне и харАктерными персонажами.
Само по себе наличие двоемирия, что уже любопытно, и не менее интересное раскрытие при помощи музыкальной партитуры.
И страсть как основа всего: основа задумки, основа режиссерских решений, основа актёрского существования.
Конечно, не обошлось и без банальностей, вроде оммажа бутусовцам и появления плывущей фигуры коровы, живой курицы на сцене, без беспроигрышного приёма — ребёнка в спектакле…но всё сложилось, и получилась цельная постановка.
Очень точное и близкое мне высказывание режиссёра, о том что мир устал от сарказма — «пересмеялся» стало неким манифестом, нашедшим отражение в каждой секунде действия.
Получился очень зрелищный, и при этом очень честный спектакль.
А ещё в этом спектакле первая большая роль сразу у нескольких молодых артистов театра, принятых в труппу в этом сезоне. И это прекрасно.
#спектакль
#recommendation
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
«САШАШИШИН» в Театре «Современник»
Нашумевшая постановка Гарика Сукачёва, широко известного в качестве рок-музыканта, на сцене одного из лучших столичных театров.
Добрая, честная и чистая история, родившаяся на основе романа Александры Николаенко с контрастным названием «Убить Бобрыкина» {автор сценической версии — Ольга Погодина-Кузьмина}.
Саша Шишин — главный герой с расстройством аутистического спектра. Кажется, история похожа на драму. И драма, безусловно, в этом присутствует, но очень глубоко.
Эта история о необычном мальчике, оставшемся наивным, светлым и верящим в чудеса и деда мороза даже с сединой на висках. О мальчике Саше, прожившем жизнь в волшебной вселенной детства. Он видел мир, людей, события через стекло разбитой бутылки. Это был его изумрудный город.
Андрей Шаров {автор сценографии и костюмов} создал уникальный мир на сцене. Нечто родное, знакомое каждому, возвращающее каждого взрослого в детство. Мыльные пузыри, снежные зимы, видеопроекции с детскими игрушками и настоящий игрушечный грузовик.
На сцене зритель видит несказочную сказку, которая так нужна каждому, вне зависимости от возраста, профессии и сферы интересов.
Сказку о мальчике Саше Шишине, жившем с деспотичной матерью, всю жизнь любившем соседскую девочку Таню, и мечтавшем убить одноклассника Бобрыкина.
О наивном, светлом человеке, который, кажется, был обречен на несчастную жизнь, но прожил её счастливее многих.
Спектакль состоит из воспоминаний детства героя и кошмарных сновидений. И это спектакль о его жизни. Просто его жизнь — это эти самые воспоминания, кошмары и изумрудный город.
Редко упоминаю такой критерий, как атмосфера спектакля. И тем не менее, это именно тот случай. Давным-давно, в моем детстве, когда я ещё жила в своём «изумрудном городе», я увидела на сцене «Современника» прогон спектакля «С наступающим». Тот спектакль был, безусловно, другим и о другом. Но атмосфера, энергетика, захлестывающая зал схожа.
Сегодня во время поклонов весь зал аплодировал стоя. Это та сказка, которая нужна была каждому.
#recommendation
#спектакль
Нашумевшая постановка Гарика Сукачёва, широко известного в качестве рок-музыканта, на сцене одного из лучших столичных театров.
Добрая, честная и чистая история, родившаяся на основе романа Александры Николаенко с контрастным названием «Убить Бобрыкина» {автор сценической версии — Ольга Погодина-Кузьмина}.
Саша Шишин — главный герой с расстройством аутистического спектра. Кажется, история похожа на драму. И драма, безусловно, в этом присутствует, но очень глубоко.
Эта история о необычном мальчике, оставшемся наивным, светлым и верящим в чудеса и деда мороза даже с сединой на висках. О мальчике Саше, прожившем жизнь в волшебной вселенной детства. Он видел мир, людей, события через стекло разбитой бутылки. Это был его изумрудный город.
Андрей Шаров {автор сценографии и костюмов} создал уникальный мир на сцене. Нечто родное, знакомое каждому, возвращающее каждого взрослого в детство. Мыльные пузыри, снежные зимы, видеопроекции с детскими игрушками и настоящий игрушечный грузовик.
На сцене зритель видит несказочную сказку, которая так нужна каждому, вне зависимости от возраста, профессии и сферы интересов.
Сказку о мальчике Саше Шишине, жившем с деспотичной матерью, всю жизнь любившем соседскую девочку Таню, и мечтавшем убить одноклассника Бобрыкина.
О наивном, светлом человеке, который, кажется, был обречен на несчастную жизнь, но прожил её счастливее многих.
Спектакль состоит из воспоминаний детства героя и кошмарных сновидений. И это спектакль о его жизни. Просто его жизнь — это эти самые воспоминания, кошмары и изумрудный город.
Редко упоминаю такой критерий, как атмосфера спектакля. И тем не менее, это именно тот случай. Давным-давно, в моем детстве, когда я ещё жила в своём «изумрудном городе», я увидела на сцене «Современника» прогон спектакля «С наступающим». Тот спектакль был, безусловно, другим и о другом. Но атмосфера, энергетика, захлестывающая зал схожа.
Сегодня во время поклонов весь зал аплодировал стоя. Это та сказка, которая нужна была каждому.
#recommendation
#спектакль
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Продолжаю показывать театральное #закулисье
В Театре Ермоловой {к слову, в драматическом театре} готовим премьеру «Сильвы» {к слову, оперетты}.
Впервые «Сильва» Имре Кальмана увидела свет в ноябре 1915 года в Вене. С тех пор это произведение ставили в музыкальных театрах разных стран и континентов, но ни разу не представляли на сцене драматического театра.
Авантюра, или история о том, что мечты должны сбываться… 20 и 21 сентября на Основной сцене Театра Ермоловой состоится премьера уникальной постановки, представляющей из себя коллаборацию нескольких видов искусства.
Руководителем постановки выступает художественный руководитель Театра Ермоловой Олег Евгеньевич Меньшиков, а режиссерами: Василий Козарь {известный нашумевшими постановками в московском частном театре-кабаре CRAVE} и Василий Бутквич.
Потрясающие костюмы готовит театральный художник Виктория Севрюкова {эскизы, которые мне удалось увидеть — отдельные произведения искусства}. За художественное оформление спектакля отвечает Михаил Гербер {художник одного из ярчайших спектаклей в репертуаре Театра Ермоловой — «Комнаты Адлера»}.
В рамках подготовки к этой премьере в театре проводилось несколько кастингов — кастинг драматических артистов с музыкальными и танцевальными навыками, отдельный кастинг в оркестр, и отдельный хореографический кастинг {хореограф — Владимир Варнава}.
Осенью будет громкая премьера!
И, к вопросу о том, что в театре важен не только результат {сама премьера, готовый спектакль}, но и процесс {кастинги, читки, репетиции} — все эти моменты собираем в фильм о рождении «Сильвы» на сцене драматического Театра Ермоловой!
p.s. кусочек этого фильма прикреплю
#заденьдопремьеры
#recommendation
#спектакль
В Театре Ермоловой {к слову, в драматическом театре} готовим премьеру «Сильвы» {к слову, оперетты}.
Впервые «Сильва» Имре Кальмана увидела свет в ноябре 1915 года в Вене. С тех пор это произведение ставили в музыкальных театрах разных стран и континентов, но ни разу не представляли на сцене драматического театра.
Авантюра, или история о том, что мечты должны сбываться… 20 и 21 сентября на Основной сцене Театра Ермоловой состоится премьера уникальной постановки, представляющей из себя коллаборацию нескольких видов искусства.
Руководителем постановки выступает художественный руководитель Театра Ермоловой Олег Евгеньевич Меньшиков, а режиссерами: Василий Козарь {известный нашумевшими постановками в московском частном театре-кабаре CRAVE} и Василий Бутквич.
Потрясающие костюмы готовит театральный художник Виктория Севрюкова {эскизы, которые мне удалось увидеть — отдельные произведения искусства}. За художественное оформление спектакля отвечает Михаил Гербер {художник одного из ярчайших спектаклей в репертуаре Театра Ермоловой — «Комнаты Адлера»}.
В рамках подготовки к этой премьере в театре проводилось несколько кастингов — кастинг драматических артистов с музыкальными и танцевальными навыками, отдельный кастинг в оркестр, и отдельный хореографический кастинг {хореограф — Владимир Варнава}.
Осенью будет громкая премьера!
И, к вопросу о том, что в театре важен не только результат {сама премьера, готовый спектакль}, но и процесс {кастинги, читки, репетиции} — все эти моменты собираем в фильм о рождении «Сильвы» на сцене драматического Театра Ермоловой!
p.s. кусочек этого фильма прикреплю
#заденьдопремьеры
#recommendation
#спектакль
#заденьдопремьеры
«Белые ночи» Дениса Парамонова на Новой сцене театра Ермоловой
Вчера театр Ермоловой открыл 99-й сезон премьерой спектакля «Белые ночи» режиссёра Дениса Парамонова. Постановка по мотивам одноимённой повести русского классика Фёдора Михайловича Достоевского. Получилась легкая история, вдохновленная городом романтиков — Питером.
История вне времени, которая могла бы произойти как во времена Достоевского, так и сегодня, и непременно в Петербурге. История о мечтателе, рассуждение о том, кто такой мечтатель как тип, и о том, куда приводят мечты.
Не стану подробно писать про эту постановку, дабы не быть обвиненной в предвзятости…но она, правда, стоит внимания.
Подробнее почитать можно в заметках редактора «Театрального журнала» Екатерины Даниловой, или в рецензии Никиты Балашова для «Ревизора», а я покажу завораживающие кадры спектакля.
Премьера 13,14 сентября {спойлер, билетов уже давно нет, так что успевайте на показы в октябре}.
Люди, ходите в театр!
#спектакль
«Белые ночи» Дениса Парамонова на Новой сцене театра Ермоловой
Вчера театр Ермоловой открыл 99-й сезон премьерой спектакля «Белые ночи» режиссёра Дениса Парамонова. Постановка по мотивам одноимённой повести русского классика Фёдора Михайловича Достоевского. Получилась легкая история, вдохновленная городом романтиков — Питером.
История вне времени, которая могла бы произойти как во времена Достоевского, так и сегодня, и непременно в Петербурге. История о мечтателе, рассуждение о том, кто такой мечтатель как тип, и о том, куда приводят мечты.
Не стану подробно писать про эту постановку, дабы не быть обвиненной в предвзятости…но она, правда, стоит внимания.
Подробнее почитать можно в заметках редактора «Театрального журнала» Екатерины Даниловой, или в рецензии Никиты Балашова для «Ревизора», а я покажу завораживающие кадры спектакля.
Премьера 13,14 сентября {спойлер, билетов уже давно нет, так что успевайте на показы в октябре}.
Люди, ходите в театр!
#спектакль
Константин Хабенский поставил «Чайку» на сцене МХТ им. Чехова
#заденьдопремьеры
«Чайка» Антона Павловича Чехова — программное произведение Московского художественного театра.
Сегодня премьера «Чайки» нынешнего художественного руководителя МХТ им. Чехова — Константина Хабенского.
На сцене звучит чеховский текст, сохранены предлагаемые обстоятельства — герои собираются в усадьбе в эпоху, когда запрягали лощадей и посылали телеграммы. За счёт костюмов {художник по костюмам Мария Данилова} создается ощущение современности: стильные образы героинь из подборки нынешнего МAAG {известного как Zara}, имиджевые солнцезащитные очки. Ещё одна черта современности — звучащие песни группы Аукцион {существующей с конца 20 века}. Декорация {художник Николай Симонов} состоит из деревянных помостов и проекции со сменяющими день/ночь живописными картинками} — вневременной провинциальный антураж и пейзаж.
В совокупности претензия на «актуальную классику» при помощи сочетания несочетаемого.
Эта постановка про женщин чеховской «Чайки». Про Аркадину {Кристина Бабушкина}, про Нину {Софья Шидловская}, чуть меньше про Машу {Полина Романова} , про Полину Андреевну {Алёна Хованская}. Про то, как они любили, и про то, к чему их это привело. История не столь про драму Треплева {Илья Козырев} или Тригорина {Андрей Максимов}. Определено интересная призма восприятия текста А. П. Чехова, и тех смыслов, которые в этот текст заложены.
На мой взгляд, в качестве эпиграфа к спектаклю можно выделить цитату Нины Заречной:
«если тебе понадобится моя жизнь, то приди и возьми её».
Юная Нина с восторгом и поклонением смотрит на актрису Аркадину и писателя Тригорина, стремится быть ближе к ним, начинает мечтать о собственной карьере актрисы. Повзрослевшая Нина, ставшая актрисой, получившая {хоть и на время} известного писателя Тригорина в любовники крайне несчастна. Столь же несчастна, как и Аркадина.
Вторая изначально цинична и эгоистична.
Все они хотели любви, и все остались несчастны.
Любопытный режиссерский ход, повтореннный дважды за спектакль — в конце первого акта и в финале.
Аркадина, менявшая повязку сыну обматывает ему не только голову с раной, но и глаза, когда сын начинает говорить о её возлюбленном Тригорине. В финале же, Аркадиной завязывают глаза для игры {игрок стоит в центре с завязанными глазами, а вокруг люди издают хлопки, чтобы игрок нашел их по звуку}. Аркадина с закрытыми глазами декламирует текст из произведения сына, тем временем пытаясь обнаружить других участников по хлопкам в разных частях комнаты. После выстрела она пугается, но её уверяют, что всё в порядке и стоит продолжать играть. Она соглашается, продолжая слепо идти на звук — уже за хлопками одного Тригорина, пока остальные скрывают следы трагедии.
Продолжительность 3 часа 15 минут с антрактом.
#спектакль
#заденьдопремьеры
#recommendation
#заденьдопремьеры
«Чайка» Антона Павловича Чехова — программное произведение Московского художественного театра.
Сегодня премьера «Чайки» нынешнего художественного руководителя МХТ им. Чехова — Константина Хабенского.
На сцене звучит чеховский текст, сохранены предлагаемые обстоятельства — герои собираются в усадьбе в эпоху, когда запрягали лощадей и посылали телеграммы. За счёт костюмов {художник по костюмам Мария Данилова} создается ощущение современности: стильные образы героинь из подборки нынешнего МAAG {известного как Zara}, имиджевые солнцезащитные очки. Ещё одна черта современности — звучащие песни группы Аукцион {существующей с конца 20 века}. Декорация {художник Николай Симонов} состоит из деревянных помостов и проекции со сменяющими день/ночь живописными картинками} — вневременной провинциальный антураж и пейзаж.
В совокупности претензия на «актуальную классику» при помощи сочетания несочетаемого.
Эта постановка про женщин чеховской «Чайки». Про Аркадину {Кристина Бабушкина}, про Нину {Софья Шидловская}, чуть меньше про Машу {Полина Романова} , про Полину Андреевну {Алёна Хованская}. Про то, как они любили, и про то, к чему их это привело. История не столь про драму Треплева {Илья Козырев} или Тригорина {Андрей Максимов}. Определено интересная призма восприятия текста А. П. Чехова, и тех смыслов, которые в этот текст заложены.
На мой взгляд, в качестве эпиграфа к спектаклю можно выделить цитату Нины Заречной:
«если тебе понадобится моя жизнь, то приди и возьми её».
Юная Нина с восторгом и поклонением смотрит на актрису Аркадину и писателя Тригорина, стремится быть ближе к ним, начинает мечтать о собственной карьере актрисы. Повзрослевшая Нина, ставшая актрисой, получившая {хоть и на время} известного писателя Тригорина в любовники крайне несчастна. Столь же несчастна, как и Аркадина.
Вторая изначально цинична и эгоистична.
Все они хотели любви, и все остались несчастны.
Любопытный режиссерский ход, повтореннный дважды за спектакль — в конце первого акта и в финале.
Аркадина, менявшая повязку сыну обматывает ему не только голову с раной, но и глаза, когда сын начинает говорить о её возлюбленном Тригорине. В финале же, Аркадиной завязывают глаза для игры {игрок стоит в центре с завязанными глазами, а вокруг люди издают хлопки, чтобы игрок нашел их по звуку}. Аркадина с закрытыми глазами декламирует текст из произведения сына, тем временем пытаясь обнаружить других участников по хлопкам в разных частях комнаты. После выстрела она пугается, но её уверяют, что всё в порядке и стоит продолжать играть. Она соглашается, продолжая слепо идти на звук — уже за хлопками одного Тригорина, пока остальные скрывают следы трагедии.
Продолжительность 3 часа 15 минут с антрактом.
#спектакль
#заденьдопремьеры
#recommendation
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
«Комната Адлера» в Театре Ермоловой
#recommendation
Режиссёр Лера Суркова создала уникальную комнату профессора Адлера на Основной сцене Театра Ермоловой. Комната — иллюзия безопасности, защищённости от внешнего мира вполне осязаемыми и реальными стенами.
В основе постановки — пьеса Анастасии Букреевой, написанная по заказу театра на основе истории одного из наиболее известных психически больных людей в мире — Билли Миллигана, жившего в конце прошлого столетия. Примечательно, что реальная психиатрическая экспертиза доказала, что в сознании Миллигана одновременно сосуществовали 24 личности — ему был поставлен диагноз «множественная личность».
Эти самые личности, уживавшиеся в теле {плоти} одного человека были разного пола, возраста, национальности, с разными характерами, убеждениями и мировоззрением — не все из них знали о существовании друг друга, и, соответственно, не могли нести ответственность за действия других.
Героев двое. Психолог, психиатр, психотерапевт — профессор Адлер {в исполнении Олега Меньшикова} и некто Иван, в сознании которого умещается ещё несколько разносторонних личностей {в исполнении Евгения Ткачука}.
Крайне яркие и сложные актерские работы. 2 часа удержания внимания зрителя, множество диалогов, сменяющихся монологами — без суфлёров. В исполнении Евгения Ткачука на сцене появляются личности загадочного Ивана: маленький мальчик Давид, старик Матвей Борисович, кавказский гастарбайтер, манерная кокетка Вера, и психопатичный, возомнивший себя богом Пастор. Удивительно, как динамично артист перевоплощается, пробуждая в своем персонаже то одну, то другую личность.
Сцена побега героя из комнаты Адлера вовсе пугает зрителей и в прямом, и в переносном смысле слова — Евгений Ткачук проходит по спинкам кресел первых 8 рядов партера, пронося ногу между плечами сидящих, сохраняет равновесие, и, никого не задевая, удаляется из зала в фойе, куда через считанные секунды «выпустят» и зрителей — антракт.
Пастор — самая сильная личность, живущая в сознании и теле Ивана — она оберегает других от внешнего мира, от травмирующих событий. Одним из таких неприятных факторов внешнего мира становится появление профессора Адлера, жаждущего не только видеть тело Ивана, но и говорить с его истиной, первостепенной личностью. Пастор, стремясь нейтрализовать профессора, присваивает его личность себе, начиная делать самого Адлера безумцем. «Больные ходят лечиться к больным» или «уверены ли вы, что вы здоровы»?.
Кстати, несмотря на сложную тему спектакля, в нём достаточно комичного — начиная от реакций Адлера на встречи с новыми личностями и заканчивая забавной статистикой «в мире столько же шизофреников, сколько и театралов».
В спектакле присутствует несколько сцен гипноза: профессор пытается достучаться до Ивана, гипнотизируя его, но пробужденная личность Пастора стремится переиграть психотерапевта, ввести его в транс. В транс погружается и зритель.
Такая театральная постановка — прекрасный пример хорошего, качественного современного театра. Минималистичная декорация, современные костюмы, актуальная история, блестящие актерские работы «за гранью реальности» и сохранение неуловимой и не до конца объяснимой театральной магии, позволяющей зрителю ощутить эффект присутствия, стать причастным к действию.
Люди, ходите в театр! это #mustsee
#спектакль #обзор
p.s. и следите за открытием продаж — после премьеры «Комнаты Адлера» осенью 2023 года, билеты на каждый спектакль разлетаются в первые пару дней с момента начала продаж, а пригласительные достать практически невозможно…
#recommendation
Режиссёр Лера Суркова создала уникальную комнату профессора Адлера на Основной сцене Театра Ермоловой. Комната — иллюзия безопасности, защищённости от внешнего мира вполне осязаемыми и реальными стенами.
В основе постановки — пьеса Анастасии Букреевой, написанная по заказу театра на основе истории одного из наиболее известных психически больных людей в мире — Билли Миллигана, жившего в конце прошлого столетия. Примечательно, что реальная психиатрическая экспертиза доказала, что в сознании Миллигана одновременно сосуществовали 24 личности — ему был поставлен диагноз «множественная личность».
Эти самые личности, уживавшиеся в теле {плоти} одного человека были разного пола, возраста, национальности, с разными характерами, убеждениями и мировоззрением — не все из них знали о существовании друг друга, и, соответственно, не могли нести ответственность за действия других.
Героев двое. Психолог, психиатр, психотерапевт — профессор Адлер {в исполнении Олега Меньшикова} и некто Иван, в сознании которого умещается ещё несколько разносторонних личностей {в исполнении Евгения Ткачука}.
Крайне яркие и сложные актерские работы. 2 часа удержания внимания зрителя, множество диалогов, сменяющихся монологами — без суфлёров. В исполнении Евгения Ткачука на сцене появляются личности загадочного Ивана: маленький мальчик Давид, старик Матвей Борисович, кавказский гастарбайтер, манерная кокетка Вера, и психопатичный, возомнивший себя богом Пастор. Удивительно, как динамично артист перевоплощается, пробуждая в своем персонаже то одну, то другую личность.
Сцена побега героя из комнаты Адлера вовсе пугает зрителей и в прямом, и в переносном смысле слова — Евгений Ткачук проходит по спинкам кресел первых 8 рядов партера, пронося ногу между плечами сидящих, сохраняет равновесие, и, никого не задевая, удаляется из зала в фойе, куда через считанные секунды «выпустят» и зрителей — антракт.
Пастор — самая сильная личность, живущая в сознании и теле Ивана — она оберегает других от внешнего мира, от травмирующих событий. Одним из таких неприятных факторов внешнего мира становится появление профессора Адлера, жаждущего не только видеть тело Ивана, но и говорить с его истиной, первостепенной личностью. Пастор, стремясь нейтрализовать профессора, присваивает его личность себе, начиная делать самого Адлера безумцем. «Больные ходят лечиться к больным» или «уверены ли вы, что вы здоровы»?.
Кстати, несмотря на сложную тему спектакля, в нём достаточно комичного — начиная от реакций Адлера на встречи с новыми личностями и заканчивая забавной статистикой «в мире столько же шизофреников, сколько и театралов».
В спектакле присутствует несколько сцен гипноза: профессор пытается достучаться до Ивана, гипнотизируя его, но пробужденная личность Пастора стремится переиграть психотерапевта, ввести его в транс. В транс погружается и зритель.
Такая театральная постановка — прекрасный пример хорошего, качественного современного театра. Минималистичная декорация, современные костюмы, актуальная история, блестящие актерские работы «за гранью реальности» и сохранение неуловимой и не до конца объяснимой театральной магии, позволяющей зрителю ощутить эффект присутствия, стать причастным к действию.
Люди, ходите в театр! это #mustsee
#спектакль #обзор
p.s. и следите за открытием продаж — после премьеры «Комнаты Адлера» осенью 2023 года, билеты на каждый спектакль разлетаются в первые пару дней с момента начала продаж, а пригласительные достать практически невозможно…
Вика Люберецкая {Вероника Сафонова} изначально «другая». Её отец крупный руководитель, её не до конца понимают {или не стремятся понять} одноклассники, у неё есть швейцарские часы и заграничные наряды. Ещё у неё есть томик Есенина — «упаднического» по тем временам поэта. Вика комсомолка, отличница — пример для подражания. Злосчастный томик Есенина на Дне рождения одноклассника перестает быть причиной для беспокойства Валендры из-за принадлежности Вике. Но, как выяснилось, даже при коммунизме не бывает «безоговорочных истин». В одночасье всё меняется: отца Вики арестовывают, а Вика из категории «других» попадает в категорию «лишних» людей. Валендра настаивает на срочном собрании комсомола — дочери врага народа там не место.
Вика — олицетворение чистоты и «подлинной истины». Она верит своему папе, любит его несмотря ни на что. Она знает точно — страшнее предательства отца нет ничего, а режим бывает разным, да и все могут допускать ошибки. Эта юная девочка, только узнавшая что такое первый поцелуй делает отнюдь не юношеский выбор. Она умирает комсомолкой, преданной дочерью своего отца и человеком, у которого есть принципы.
Этот поворот событий заставляет и класс повзрослеть. Процесс взросления отражен на сцене: после пререкания с учителем весь класс выстраивается в протестную шеренгу — они стали взрослыми, и требуют относиться к ним как к взрослым.
Валендра понимает — теперь её перестали даже тихо ненавидеть. Она «теряет свою силу», осторожно выпуская указку из рук и боязливо оборачивается к классу: «мы сегодня почитаем…начинай-ТЕ, пожалуйста».
С взрослением дочери приходится смириться и непримиримой комиссару Поляковой. В порыве гнева мать угрожает дочери ремнем за ту самую «панихиду на кладбище». Искра покорно задирает юбку для ударов, но предупреждает: «мамочка, я тебя очень люблю, но если ты хоть раз ударишь меня, я уйду навсегда» — свои принципы нужно отстаивать, особенно когда принципы касаются недетских событий. Материнское в комиссаре Поляковой побеждает — она отходит от дочери, сопровождая поражение резким «ты вся мокрая — переодеться, ПОЖАЛУЙСТА».
Искре {Екатерина Рогачкова}пришлось повзрослеть «сильнее всех». Её героиня проходит путь от преданной дочери своей мамы до той, что первой усомнится в существовании безоговорочной истины. Она впоследствии возразит боязливому Сашке: «Как удобно, когда все вокруг старики! Все будут держаться за свои больные печёнки, все будут стремиться лишь бы дожить, а о том, чтобы просто жить, никому в голову не придет. Не-ет, все тихонечко доживать будут, аккуратненько доживать, послушно: как бы чего не вышло. Так это все - не для нас! Мы - самая молодая страна в мире, и не смей становиться стариком никогда!»…Монолог из ХХ столетия, крайне остро звучащий сегодня.
В этом конфликте отцов и детей вторые одерживают победу — их признали взрослыми, только цена была слишком велика. И ведь никто не хотел умирать, правда. Но каждому из них была предначертана такая судьба.
Что есть театр? — отражение жизни. Хороший театр не есть актуализация чего-то ради чего-то. Жизнь циклична. И сегодня этот советский текст — отражение жизни.
#recommendation
#спектакль
#театральныевыходные
Вика — олицетворение чистоты и «подлинной истины». Она верит своему папе, любит его несмотря ни на что. Она знает точно — страшнее предательства отца нет ничего, а режим бывает разным, да и все могут допускать ошибки. Эта юная девочка, только узнавшая что такое первый поцелуй делает отнюдь не юношеский выбор. Она умирает комсомолкой, преданной дочерью своего отца и человеком, у которого есть принципы.
Этот поворот событий заставляет и класс повзрослеть. Процесс взросления отражен на сцене: после пререкания с учителем весь класс выстраивается в протестную шеренгу — они стали взрослыми, и требуют относиться к ним как к взрослым.
Валендра понимает — теперь её перестали даже тихо ненавидеть. Она «теряет свою силу», осторожно выпуская указку из рук и боязливо оборачивается к классу: «мы сегодня почитаем…начинай-ТЕ, пожалуйста».
С взрослением дочери приходится смириться и непримиримой комиссару Поляковой. В порыве гнева мать угрожает дочери ремнем за ту самую «панихиду на кладбище». Искра покорно задирает юбку для ударов, но предупреждает: «мамочка, я тебя очень люблю, но если ты хоть раз ударишь меня, я уйду навсегда» — свои принципы нужно отстаивать, особенно когда принципы касаются недетских событий. Материнское в комиссаре Поляковой побеждает — она отходит от дочери, сопровождая поражение резким «ты вся мокрая — переодеться, ПОЖАЛУЙСТА».
Искре {Екатерина Рогачкова}пришлось повзрослеть «сильнее всех». Её героиня проходит путь от преданной дочери своей мамы до той, что первой усомнится в существовании безоговорочной истины. Она впоследствии возразит боязливому Сашке: «Как удобно, когда все вокруг старики! Все будут держаться за свои больные печёнки, все будут стремиться лишь бы дожить, а о том, чтобы просто жить, никому в голову не придет. Не-ет, все тихонечко доживать будут, аккуратненько доживать, послушно: как бы чего не вышло. Так это все - не для нас! Мы - самая молодая страна в мире, и не смей становиться стариком никогда!»…Монолог из ХХ столетия, крайне остро звучащий сегодня.
В этом конфликте отцов и детей вторые одерживают победу — их признали взрослыми, только цена была слишком велика. И ведь никто не хотел умирать, правда. Но каждому из них была предначертана такая судьба.
Что есть театр? — отражение жизни. Хороший театр не есть актуализация чего-то ради чего-то. Жизнь циклична. И сегодня этот советский текст — отражение жизни.
#recommendation
#спектакль
#театральныевыходные
«Человек среднестатистический»
Вчера в рамках третьего сезона проекта [1,5] в Театре Ермоловой представили премьеру спектакля «Человек среднестатистический» режиссёра Дмитрия Мулькова.
Напомню, что проект представляет из себя программу режиссерских дебютов на большой сцене. Театр даёт постановочной команде 1,5 млн рублей, 1,5 месяца репетиций, труппу и цеха театра в распоряжение, и шанс представить свою первую режиссерскую работу большой формы на Основной сцене Театра Ермоловой.
Далее спектакль будет прокатываться в течение 1,5 месяцев {так что февральские даты этой премьеры могут оказаться единственными}, а цена на билеты в 1,5 месяца конкурсного проката не превышает
1 500 рублей. В случае успеха спектакль будет принят в репертуар {с увеличением цен на билеты в соответствии с ценовой политикой театра}, и обретет долгую жизнь.
Вчера помимо спектакля большой формы представили и «новую форму».
Герои практически лишены реплик, 1,5 часа {такой хронометраж— ограничение проекта} они существуют в различных мизансценах в сопровождении зачитывания {не театрального прочтения, а именно зачитывания в микрофон} статистики.
Во сколько просыпается среднестатистический человек, где он работает, сколько времени тратит на утренние сборы, из чего состоит его продуктовая корзина, что он читает, и главное — о чем он думает.
Наша героиня — Екатерина {Наталья Сычёва} — обычная, то есть среднестатистическая женщина, живущая в Новосибирске с мужем {Александр Замураев}, сыном-старшеклассником {Вячеслав Харитонов} и, конечно же, котом {Михаил Попов}. Она просыпается утром, приводит себя в порядок, готовит завтрак, гладит одежду, собирается на работу, уходит на работу, выходит с работы, заходит в магазин, возвращается домой, убирает дома, уделяет немного времени себе {выполняет несколько спортивных упражнений и читает книгу}, готовит ужин, ужинает с семьей, ложится спать, видит сны.
На фоне декорации её квартиры {художник Марина Моторная} при помощи видеопроекции выведен текст: «Екатерина думает о том, что …», а за 1,5 часа действия множество мыслей сменяется. Екатерина думает о том, что ей нужно сделать за сегодня, о том, любит ли её муж, о том, любит ли она его, о том, почему кот всё время пытается сбежать из квартиры, о том, чем занят её сын и не прогуливает ли он школу, о том, как грязно на улице, о том, счастлива ли она.
Екатерина {как среднестическая женщина по данным статистики} уделяет себе {своим хобби и увлечениям} примерно 2 часа времени день.
В эти два часа она читает книгу Ольги Примаченко «К себе нежно», которую читает значительный процент женщин в России.
Это вовсе не проблематика «маленького человека», это интерес к обычному человеку, живущему обычную жизнь. К многочисленным персонажам на просторах нашей страны, которые не становятся как таковыми героями, но о них тоже может быть интересно рассуждать в поле искусства.
Использование данных Росстата, Яндекс. Аналитики, других источников статистики в качестве сценического материала — эксперимент.
Такая форма непривычна и сложно воспринимаема людьми, которые имеют свои представления о театре, однако судя по публикациям, спектакль {хоть он и не был наделен такой задачей и на него не было возложено подобных ожиданий} стал своего рода спецпроектом, который ведёт новую аудиторию в театр. Люди «из другого мира» — разработчики приложений аналитики, сами аналитики посетили премьеру и написали об этом в свои каналы и блоги {в нескольких случаях с довольно большой аудиторией}.
И, наверное, «если вы хотите увидеть то, чего вы никогда не видели» — успевайте на февральские показы.
#театральныевыходные
#спектакль
Вчера в рамках третьего сезона проекта [1,5] в Театре Ермоловой представили премьеру спектакля «Человек среднестатистический» режиссёра Дмитрия Мулькова.
Напомню, что проект представляет из себя программу режиссерских дебютов на большой сцене. Театр даёт постановочной команде 1,5 млн рублей, 1,5 месяца репетиций, труппу и цеха театра в распоряжение, и шанс представить свою первую режиссерскую работу большой формы на Основной сцене Театра Ермоловой.
Далее спектакль будет прокатываться в течение 1,5 месяцев {так что февральские даты этой премьеры могут оказаться единственными}, а цена на билеты в 1,5 месяца конкурсного проката не превышает
1 500 рублей. В случае успеха спектакль будет принят в репертуар {с увеличением цен на билеты в соответствии с ценовой политикой театра}, и обретет долгую жизнь.
Вчера помимо спектакля большой формы представили и «новую форму».
Герои практически лишены реплик, 1,5 часа {такой хронометраж— ограничение проекта} они существуют в различных мизансценах в сопровождении зачитывания {не театрального прочтения, а именно зачитывания в микрофон} статистики.
Во сколько просыпается среднестатистический человек, где он работает, сколько времени тратит на утренние сборы, из чего состоит его продуктовая корзина, что он читает, и главное — о чем он думает.
Наша героиня — Екатерина {Наталья Сычёва} — обычная, то есть среднестатистическая женщина, живущая в Новосибирске с мужем {Александр Замураев}, сыном-старшеклассником {Вячеслав Харитонов} и, конечно же, котом {Михаил Попов}. Она просыпается утром, приводит себя в порядок, готовит завтрак, гладит одежду, собирается на работу, уходит на работу, выходит с работы, заходит в магазин, возвращается домой, убирает дома, уделяет немного времени себе {выполняет несколько спортивных упражнений и читает книгу}, готовит ужин, ужинает с семьей, ложится спать, видит сны.
На фоне декорации её квартиры {художник Марина Моторная} при помощи видеопроекции выведен текст: «Екатерина думает о том, что …», а за 1,5 часа действия множество мыслей сменяется. Екатерина думает о том, что ей нужно сделать за сегодня, о том, любит ли её муж, о том, любит ли она его, о том, почему кот всё время пытается сбежать из квартиры, о том, чем занят её сын и не прогуливает ли он школу, о том, как грязно на улице, о том, счастлива ли она.
Екатерина {как среднестическая женщина по данным статистики} уделяет себе {своим хобби и увлечениям} примерно 2 часа времени день.
В эти два часа она читает книгу Ольги Примаченко «К себе нежно», которую читает значительный процент женщин в России.
Это вовсе не проблематика «маленького человека», это интерес к обычному человеку, живущему обычную жизнь. К многочисленным персонажам на просторах нашей страны, которые не становятся как таковыми героями, но о них тоже может быть интересно рассуждать в поле искусства.
Использование данных Росстата, Яндекс. Аналитики, других источников статистики в качестве сценического материала — эксперимент.
Такая форма непривычна и сложно воспринимаема людьми, которые имеют свои представления о театре, однако судя по публикациям, спектакль {хоть он и не был наделен такой задачей и на него не было возложено подобных ожиданий} стал своего рода спецпроектом, который ведёт новую аудиторию в театр. Люди «из другого мира» — разработчики приложений аналитики, сами аналитики посетили премьеру и написали об этом в свои каналы и блоги {в нескольких случаях с довольно большой аудиторией}.
И, наверное, «если вы хотите увидеть то, чего вы никогда не видели» — успевайте на февральские показы.
#театральныевыходные
#спектакль