"Полуночники"
1942 г.
Эдвард Хоппер
Картина стала культовым произведением искусства в США. Эдвард Хоппер написал полуночников как раз после нападения на Пёрл-Харбор. Позднее постмодернисты использовали картину для пародийных ремейков на основе литературы, кино, живописи. Том Вэйтс назвал один из своих альбомов «Полуночники в закусочной». Это полотно является одним из любимых произведений Дэвида Линча. Оно же повлияло на облик города в фильме Ридли Скотта «Бегущий по лезвию».
#СШ86 #историяоднойкартины
1942 г.
Эдвард Хоппер
Картина стала культовым произведением искусства в США. Эдвард Хоппер написал полуночников как раз после нападения на Пёрл-Харбор. Позднее постмодернисты использовали картину для пародийных ремейков на основе литературы, кино, живописи. Том Вэйтс назвал один из своих альбомов «Полуночники в закусочной». Это полотно является одним из любимых произведений Дэвида Линча. Оно же повлияло на облик города в фильме Ридли Скотта «Бегущий по лезвию».
#СШ86 #историяоднойкартины
"Христос святого Иоанна Креста"
1952 г.
Сальвадор Дали
Художественная галерея и музей Келвингроув, Глазго.
#СШ86 #историяоднойкартины
1952 г.
Сальвадор Дали
Художественная галерея и музей Келвингроув, Глазго.
#СШ86 #историяоднойкартины
Cамая известная религиозная картина Сальвадора Дали
Возможно, и самая знаменитая икона XX столетия. На ней изображён Иисус на кресте в тёмном небе, висящий над водоёмом и лодкой с рыбаками. Хотя это и образ распятия, на нём нет крови и тернового венца. По словам Дали, во сне к нему пришло убеждение, что эти атрибуты испортят его композицию. «Возможно, из-за испанской поговорки «мало Христа, слишком много крови»», – признался он.
Вдохновение, как утверждал художник, также явилось ему в видении: «в 1950 году я увидел «космический сон», в котором мне предстала эта картина в цвете и которая в моём сне являлась «ядром атома». Это ядро затем приобрело метафизический смысл, и я рассматривал это как основную составляющую Вселенной — Христа!».
Композиция основана на рисунке монаха-кармелита XVI века, святого Иоанна Креста. Примерно в 1574 – 1577 году во время молитвы он увидел распятого Иисуса сверху, «как бы с точки зрения Бога». Созданный им рисунок хранился в монастыре Воплощения в Авиле, где Дали увидел его по наставлению другого кармелита, отца Бруно. «Я разработал геометрические треугольник и круг, в которых «эстетически» кратко изложены все мои предыдущие опыты, и вписал мой рисунок Христа в этот треугольник», – пояснил художник.
Для фигуры Христа позировал голливудский каскадёр и гимнаст Рассел Сондерс. Дали подвесил его к специальной раме в своей студии, чтобы увидеть, как выглядит тело под нужным углом и как на него воздействует сила тяжести. Впоследствии спортсмен рассказывал, что художник был очень скрупулёзным и аккуратным в передаче всех деталей.
«Я даже не знал в то время, кто такой Дали, – вспоминал Сондерс в 1984 году. – Я работал на студии Warner Bros. и выполнил несколько заданий человека с тростью и вощеными усами. За позирование мне платили 35 долларов в день».
Дали рассказывал, что когда он заканчивал картину в конце осени 1951 года, в его доме в Порт-Льигате было так холодно, что Гала срочно решила установить центральное отопление. Он вспоминал, какой ужас пережил тогда, тревожась за холст, на котором ещё не высохла краска – а рабочие подняли тучи пыли. «Мы перенесли его из мастерской в спальню, чтобы я мог продолжить писать. Поверхность закрывали белым листом, чтобы ничто не могло коснуться масла. Я говорил, что вряд ли смогу воссоздать своего Христа, если с ним что-нибудь случится. Через десять дней центральное отопление было установлено, и я смог закончить картину», – делился художник.
Само полотно и права на интеллектуальную собственность приобрели в 1952 году Музеи Глазго. Организация заплатила 8 тыс. 200 фунтов стерлингов, что тогда было солидной суммой. Со временем авторские права многократно окупили музеям первоначальную стоимость. Однако в то время покупка вызвала споры – её противники считали, что деньги стоило потратить на выставочные площади для местных художников.
В 1961 году посетитель музея Келвингроув швырнул в картину камень, а затем разорвал холст руками. На восстановление работы ушло несколько месяцев, после чего она снова была выставлена на всеобщее обозрение. В 2006 году «Христос святого Иоанна Креста» был назван самой любимой картиной шотландцев, набрав в опросе 29% голосов. В мае 2013 года британский поэт Джон Купер Кларк сказал, что это изображение кардинально отличается от любого другого распятия, поскольку угол обзора передаёт всю боль этого метода казни, но при этом скрывает «клишеподобные» выражения лица, обычно встречающиеся в таких произведениях.
#СШ86 #историяоднойкартины
Возможно, и самая знаменитая икона XX столетия. На ней изображён Иисус на кресте в тёмном небе, висящий над водоёмом и лодкой с рыбаками. Хотя это и образ распятия, на нём нет крови и тернового венца. По словам Дали, во сне к нему пришло убеждение, что эти атрибуты испортят его композицию. «Возможно, из-за испанской поговорки «мало Христа, слишком много крови»», – признался он.
Вдохновение, как утверждал художник, также явилось ему в видении: «в 1950 году я увидел «космический сон», в котором мне предстала эта картина в цвете и которая в моём сне являлась «ядром атома». Это ядро затем приобрело метафизический смысл, и я рассматривал это как основную составляющую Вселенной — Христа!».
Композиция основана на рисунке монаха-кармелита XVI века, святого Иоанна Креста. Примерно в 1574 – 1577 году во время молитвы он увидел распятого Иисуса сверху, «как бы с точки зрения Бога». Созданный им рисунок хранился в монастыре Воплощения в Авиле, где Дали увидел его по наставлению другого кармелита, отца Бруно. «Я разработал геометрические треугольник и круг, в которых «эстетически» кратко изложены все мои предыдущие опыты, и вписал мой рисунок Христа в этот треугольник», – пояснил художник.
Для фигуры Христа позировал голливудский каскадёр и гимнаст Рассел Сондерс. Дали подвесил его к специальной раме в своей студии, чтобы увидеть, как выглядит тело под нужным углом и как на него воздействует сила тяжести. Впоследствии спортсмен рассказывал, что художник был очень скрупулёзным и аккуратным в передаче всех деталей.
«Я даже не знал в то время, кто такой Дали, – вспоминал Сондерс в 1984 году. – Я работал на студии Warner Bros. и выполнил несколько заданий человека с тростью и вощеными усами. За позирование мне платили 35 долларов в день».
Дали рассказывал, что когда он заканчивал картину в конце осени 1951 года, в его доме в Порт-Льигате было так холодно, что Гала срочно решила установить центральное отопление. Он вспоминал, какой ужас пережил тогда, тревожась за холст, на котором ещё не высохла краска – а рабочие подняли тучи пыли. «Мы перенесли его из мастерской в спальню, чтобы я мог продолжить писать. Поверхность закрывали белым листом, чтобы ничто не могло коснуться масла. Я говорил, что вряд ли смогу воссоздать своего Христа, если с ним что-нибудь случится. Через десять дней центральное отопление было установлено, и я смог закончить картину», – делился художник.
Само полотно и права на интеллектуальную собственность приобрели в 1952 году Музеи Глазго. Организация заплатила 8 тыс. 200 фунтов стерлингов, что тогда было солидной суммой. Со временем авторские права многократно окупили музеям первоначальную стоимость. Однако в то время покупка вызвала споры – её противники считали, что деньги стоило потратить на выставочные площади для местных художников.
В 1961 году посетитель музея Келвингроув швырнул в картину камень, а затем разорвал холст руками. На восстановление работы ушло несколько месяцев, после чего она снова была выставлена на всеобщее обозрение. В 2006 году «Христос святого Иоанна Креста» был назван самой любимой картиной шотландцев, набрав в опросе 29% голосов. В мае 2013 года британский поэт Джон Купер Кларк сказал, что это изображение кардинально отличается от любого другого распятия, поскольку угол обзора передаёт всю боль этого метода казни, но при этом скрывает «клишеподобные» выражения лица, обычно встречающиеся в таких произведениях.
#СШ86 #историяоднойкартины
"Гранд-канал, гондолы у причала. Венеция"
1907 г.
Джон Сингер Сарджент
Национальная галерея искусства.
#СШ86 #историяоднойкартины
1907 г.
Джон Сингер Сарджент
Национальная галерея искусства.
#СШ86 #историяоднойкартины
Большую часть сознательной жизни Сарджент провел в поездках по Европе и миру. Впрочем, путешествовать он начал еще даже до своего рождения. Фицуильям и Мэри Сарджент не оставались в одном месте подолгу: зимы они проводили во Флоренции, Риме или Ницце, а на лето перебирались в Альпы и другие прохладные регионы. С удовольствием и энтузиазмом перенявший кочевой образ жизни родителей, Джон Сингер Сарджент путешествовал не только и не столько ради собственного удовольствия, сколько ради жадного поглощения знаний и впечатлений, ради новых и новых открытий, и главное – непрерывной работы. Но если просмотреть все полотна художника, можно заметить, что в один город он возвращался снова и снова. В этом случае речь уже идет не о новизне, а об узнавании. Это была любовь.
Полотно «Гранд-канал, Венеция» было написано в тот период, когда художник наконец-то позволил себе отказаться от написания портретов на заказ и стал работать исключительно над тем, что представляло для него наибольший интерес. В начале XX века он пишет множество венецианских пейзажей: величественные палаццо, залитые солнцем каналы и, конечно же, гондолы (лодки и корабли были едва ли не самыми любимыми объектами Сарджента).
После смерти матери в 1906 году, Сарджент начинает путешествовать еще больше. Художник отправляется на Майорку, Корфу, в Итальянские Альпы, в Тироль… Но все равно возвращается в любимую Венецию. Он делится своим восхищением с сестрами, племянниками и друзьями. Эти семейные поездки напоминают ему о том времени, когда он был ребенком и узнавал мир благодаря родителям. Его венецианским пристанищем становится Палаццо Барбаро – дом его друга и дальнего родственника Ральфа Кертиса.
Последнее путешествие в Венецию художник совершил в 1913 году. Первая Мировая война стала непреодолимым препятствием между Сарджентом и его любимым городом. А в 1922 году умер Ральф Кертис, после чего художник уже не мог воспринимать Венецию так же, как раньше, и больше ни разу сюда не возвращался. Остались лишь воспоминания и сотни акварелей, многие из которых даже не были датированы и подписаны.
#СШ86 #историяоднойкартины
Полотно «Гранд-канал, Венеция» было написано в тот период, когда художник наконец-то позволил себе отказаться от написания портретов на заказ и стал работать исключительно над тем, что представляло для него наибольший интерес. В начале XX века он пишет множество венецианских пейзажей: величественные палаццо, залитые солнцем каналы и, конечно же, гондолы (лодки и корабли были едва ли не самыми любимыми объектами Сарджента).
После смерти матери в 1906 году, Сарджент начинает путешествовать еще больше. Художник отправляется на Майорку, Корфу, в Итальянские Альпы, в Тироль… Но все равно возвращается в любимую Венецию. Он делится своим восхищением с сестрами, племянниками и друзьями. Эти семейные поездки напоминают ему о том времени, когда он был ребенком и узнавал мир благодаря родителям. Его венецианским пристанищем становится Палаццо Барбаро – дом его друга и дальнего родственника Ральфа Кертиса.
Последнее путешествие в Венецию художник совершил в 1913 году. Первая Мировая война стала непреодолимым препятствием между Сарджентом и его любимым городом. А в 1922 году умер Ральф Кертис, после чего художник уже не мог воспринимать Венецию так же, как раньше, и больше ни разу сюда не возвращался. Остались лишь воспоминания и сотни акварелей, многие из которых даже не были датированы и подписаны.
#СШ86 #историяоднойкартины
"Корабельная роща"
1898 г.
Иван Иванович Шишкин
Государственный Русский музей.
#СШ86 #историяоднойкартины
1898 г.
Иван Иванович Шишкин
Государственный Русский музей.
#СШ86 #историяоднойкартины
Картина «Корабельная роща» считается художественным завещанием Ивана Шишкина. Он написал ее в год своей смерти, и это последняя серьезная работа художника. В работе над этой картиной Шишкин использовал пленэрные этюды, эскизы и наброски, созданные в его родной Елабуге.
Мы видим любимый объект Шишкина – мощный, вековечный лес. Корабельные сосны – это грандиозные деревья, достигающие 40 метров в высоту. Их век порядка ста лет, их упругая, легкая и прочная древесина идет на мачты кораблей. Именно эти мощные, стойкие деревья изобразил в своем «завещании» Шишкин. Колорит, традиционно для него, спокойный и сдержанный.
Верхушки деревьев «срезаны», что создает ощущение их бесконечной высоты. Как минимум, на холст не поместились! С присущей Шишкину тщательностью выписана каждая веточка и травинка, на коре деревьев видны чешуйки. О его пейзажах с восхищением говорили, что по ним можно изучать строение растений, впрочем, нередко это же ему ставили в вину.
Картина была показана на XXVI передвижной выставке и благосклонно принята. При этом нельзя не понимать, что эпоха передвижников уходила, настал черед ярких светлых красок русских пленэристов, загадочных образов символистов, на первый план выходил цвет, мерцание световоздушной среды, пришла новая живопись – светлая, яркая. Пейзаж стал очень востребованным жанром, но пейзажи Шишкина стояли особняком. Отличие его от тех, кто пришел следом, в первую очередь, в эпичности, монументальности, величии. Вот уж кто не «ловит мгновение», а запечатлевает вечность. Отказываясь от современных ему смелых экспериментов со светом и цветом, Шишкин при этом виртуозно играет светотенью, и вот итог – солнечный свет льется с его картины, солнечные блики играют на стволах деревьев, залитая солнцем прогалина на переднем плане манит, а тень непроходимого леса, сгущающая в глубине картины, обещает прохладу
#СШ86 #историяоднойкартины
Мы видим любимый объект Шишкина – мощный, вековечный лес. Корабельные сосны – это грандиозные деревья, достигающие 40 метров в высоту. Их век порядка ста лет, их упругая, легкая и прочная древесина идет на мачты кораблей. Именно эти мощные, стойкие деревья изобразил в своем «завещании» Шишкин. Колорит, традиционно для него, спокойный и сдержанный.
Верхушки деревьев «срезаны», что создает ощущение их бесконечной высоты. Как минимум, на холст не поместились! С присущей Шишкину тщательностью выписана каждая веточка и травинка, на коре деревьев видны чешуйки. О его пейзажах с восхищением говорили, что по ним можно изучать строение растений, впрочем, нередко это же ему ставили в вину.
Картина была показана на XXVI передвижной выставке и благосклонно принята. При этом нельзя не понимать, что эпоха передвижников уходила, настал черед ярких светлых красок русских пленэристов, загадочных образов символистов, на первый план выходил цвет, мерцание световоздушной среды, пришла новая живопись – светлая, яркая. Пейзаж стал очень востребованным жанром, но пейзажи Шишкина стояли особняком. Отличие его от тех, кто пришел следом, в первую очередь, в эпичности, монументальности, величии. Вот уж кто не «ловит мгновение», а запечатлевает вечность. Отказываясь от современных ему смелых экспериментов со светом и цветом, Шишкин при этом виртуозно играет светотенью, и вот итог – солнечный свет льется с его картины, солнечные блики играют на стволах деревьев, залитая солнцем прогалина на переднем плане манит, а тень непроходимого леса, сгущающая в глубине картины, обещает прохладу
#СШ86 #историяоднойкартины
"В Крымских горах"
1873 г.
Фёдор Александрович Васильев
Государственная Третьяковская галерея.
«В Крымских горах» – последняя работа Федора Васильева, «гениального юноши», одного из крупнейших русских пейзажистов XIX века. В том же 1873-м году, когда были положены последние штрихи, завершившие сумеречно клубящееся небо на картине, 23-летний художник умрёт.
#СШ86 #историяоднойкартины
1873 г.
Фёдор Александрович Васильев
Государственная Третьяковская галерея.
«В Крымских горах» – последняя работа Федора Васильева, «гениального юноши», одного из крупнейших русских пейзажистов XIX века. В том же 1873-м году, когда были положены последние штрихи, завершившие сумеречно клубящееся небо на картине, 23-летний художник умрёт.
#СШ86 #историяоднойкартины
В 1900-х годах в творчестве Пикассо отмечено два периода живописи — "голубой" и "розовый. "Голубой" период выделяется темой меланхолии и печали, "розовый" — более живой, хотя порой и не менее драматичный. Разумеется темы отражаются в палитре.
#СШ86 #историяоднойкартины
#СШ86 #историяоднойкартины
"Всадница" (Портрет Джованины и Амацилии Пачини, воспитанниц графини Ю. П. Самойловой)
1832 г.
Карл Павлович Брюллов
Государственная Третьяковская галерея.
Карл Брюллов – один самых знаменитых выпускников Академии художеств Российской империи. Яркий представитель позднего романтизма, Брюллов создал множество прекрасных картин, в том числе ряд портретов выдающихся людей своего времени. Его художественному стилю были присущи теплые сочные тона, резкие контрасты, порою – трогательная женская нагота; он умел отразить в своих полотнах человеческие настроения, страхи и чувства. В двадцать три года, с отличием закончив Академию художеств, он отправляется в Европу продолжить свое обучение. После недолгих путешествий он оседает в Италии, где проводит четырнадцать самых плодотворных творческих лет в своей жизни.
#СШ86 #историяоднойкартины
1832 г.
Карл Павлович Брюллов
Государственная Третьяковская галерея.
Карл Брюллов – один самых знаменитых выпускников Академии художеств Российской империи. Яркий представитель позднего романтизма, Брюллов создал множество прекрасных картин, в том числе ряд портретов выдающихся людей своего времени. Его художественному стилю были присущи теплые сочные тона, резкие контрасты, порою – трогательная женская нагота; он умел отразить в своих полотнах человеческие настроения, страхи и чувства. В двадцать три года, с отличием закончив Академию художеств, он отправляется в Европу продолжить свое обучение. После недолгих путешествий он оседает в Италии, где проводит четырнадцать самых плодотворных творческих лет в своей жизни.
#СШ86 #историяоднойкартины