Карельские активисты заговорили о геноциде и репарациях. Пока моральных

Однажды армянскому радио задали вопрос: почему Хрущёв упразднил Карело-Финскую ССР? Ответ: потому что стали искать там финнов и нашлись только двое – фин(н-)инспектор и Фин(н-)кельштейн, а потом выяснилось, что это один и тот же человек. Некогда такого рода анекдоты в Карелии циркулировали там и сям, и это было лучшим подтверждением межнационального мира в республике.

Сегодня всё совсем по-другому.

Теперь за невинную шутку вы подвергнетесь травле и лишитесь профессии. На вас заведут уголовное дело и пожелают пожизненного кошмара. И даже если вы публично покаетесь, то не поможет. Толпа потребует крови, и кровь прольётся – на алтарь межнациональной фикции местечковое Оно принесёт сакральную жертву. Театрально заламывая руки и имитируя праведный гнев, оно скормит грешницу толпе.

И пример Валерии Ломакиной, актрисы из Карелии, служит убедительным тому подтверждением. Невинно пошутив в стендапе на ТНТ, она испытала на себе всё межнациональное миролюбие тех, кто всерьёз почитает себя за «титульных». Испугавшись, актриса всенародно покаялась – и ошибка раскаяния теперь наверняка уже станет фатальной. Дав палец, стоит ли удивляться тому, что оттяпают руку, и не только оттяпают, но и сожрут целиком.

Колено она преклонила, но толпе этого предсказуемо оказалось мало – и теперь она требует пожизненных репараций. Придётся пострадать, с профессией расстаться, просто извиниться уже не удастся – такую перспективу актрисе рисует официоз. Какую перспективу рисуют добродушные жители, я сказать не могу – в силу законодательства. Сами прочтите три тысячи семьсот комментариев в соцсети.

Раскаяние Ломакиной больше похоже на недоумение – она действительно не понимает, чем обновлённая версия старой шутки могла задеть тех, кто ещё недавно не обратил бы на неё никакого внимания. Не понимает, потому что не видит, что зачатие национального сознания состоялось именно в минувшее пятнадцатилетие. Подросток в период пубертата превращается в недотрогу, национальное сознание в период активного созревания тоже требует исключительных прав.

Кто вырос среди хювя-пявя-петроской, уже не может отделить себя от милого национального своеобразия, творимого ex nihilo. Семиотика сделала свое жуткое дело, и на ещё одной русской территории русские люди перестали быть русскими. Поэтому-то шутливое прикосновение к национальному телу вызывает столь болезненную реакцию. Символы теперь плоть от плоти.

Когда я говорю – нет дела, я лукавлю. Дело есть. Но только у тех, кто от слов уже перешел к делу. Одни отправляют ребенка-переростка в финский вуз, другие записывают на курсы карельского языка. Или: те, кто уезжал в Финляндию, отыскивали финскую прабабушку. Те, кто желает отчалить всем регионом, отыскивают карельскую прабабушку, на останках которой строят собственную идентичность.

Когда начальство говорит, что карельский язык живой и развивается, оно говорит правду. Курсы карельского языка сегодня неимоверно популярны, и они – хороший способ вербовки. Внедряется: Россия – тяжёлая ноша для ума и для сердца, еврорегион Карелия – компактное и уютное пространство для проживания, фактически нормальная страна, как на Западе. Какой выбор сделает юноша с курсов языка – не вопрос.

История всегда драматична, и в недрах её вечно зреет трагедия, говорит Ортега-и-Гассет. Но трагедия не зреет – она наливается, как яблоки в обильно подкормленном саду. Русские массово переквалифицируются в карел.

Полностью текст Антона Соловьёва, журналиста, живущего в Карелии - на сайте "Родина на Неве":
https://rodinananeve.ru/karelskie-aktivisty-zagovorili-o-genoczide-i-reparacziyah-poka-moralnyh/

Движение – это жизнь

«Движение – это жизнь» – эту фразу каждый из нас слышит сотни раз за жизнь. Но никто не задумывается о том, что каждый наш шаг, каждый поворот головой и просто глубокий вдох сопровождается колоссальной работой тела: задействуется множество суставов, нервных окончаний и, в конце концов, мышц.

Цена каждого нашего движения начинает ощущаться, когда приходит ОН: убийца, шутник или спаситель.

«К чему меня жизнь не готовила. <…> Паркинсон». Неизлечимое заболевание. О таком не принято говорить в театрах. Даже на современных постановках.

Заболевание головного мозга, которое затрудняет двигательную активность и вызывает множество других нарушений в теле человека. Исследование движения – большая сложность, а тем более ответственность. Всё становится еще труднее, когда дело касается танца.

Для нас танец – это про плавность и мелодичность движений. Это про связь тела, ощущений, эмоций и мыслей. Это про свободу действия. Это про счастье. Паркинсон становится антитезой подобному описанию, забирая то, что некогда было привычным.

Спектакль «К чему меня жизнь не готовила. Пункт 64. Паркинсон», показанный 12 ноября на новой сцене Александринского театра – это не только про заболевание, что может сломить, это и про жажду к жизни, к движению, к любви.

Проводником в мысли человека, в его стремления и желания в столь страшный период стал хореограф Александр Челидзе. Он – единственный актёр на сцене. Он – единственный проводник нас в мир, где каждый шаг – большая победа.

Но этот спектакль не только о страхе и ужасе, он о любви к жизни и всему, что есть вокруг нас. Он о безумном стремлении и движении через боль.

Сцена встречает зрителя неназойливыми декорациями, что лишь слегка привлекают внимания. Ведь именно там – на третьем плане – в начале действия зритель видит героя. Он не напуган, он не говорит о горести своей судьбы или сложности, что он испытывает при каждом движении. Герой предстает обычным человеком – актёром – он шутит, взаимодействует со зрителем и обращается к каждому, разряжая атмосферу и создавая позитив в зале.

Но вот потухает свет. Звучит гнетущая музыка. Появляется лишь один фонарик. А на фоне больше не звучит задорной речи, лишь тяжёлое дыхание и звон посуды.

«Не напрягай руку. Так сказал мне… сказал мне… мне… Травматолог» – страх и непонимание звучат в последний фразах за спектакль, звучащих в самом начале постановки. Дальше лишь дыхание героя и музыкальное сопровождение, нагоняющие тревогу и панику у зрителей.

Диагноз. Свободные, ничем не отягощённые движения актёра и непонимание: «Зачем я здесь?» Сопровождение каждого шага героя тем, что видит врач: схема тела; красные, синие и зелёные лучи. Жизнь делится на «до» и «после» страшной новости. Шум звучит не только в ушах пациента, но и вокруг. Гул человеческих голосов сливается воедино.

Обследование. Полная темнота в зале и звуки аппарата МРТ. Музыкальное сопровождение в этом спектакле – это то, на чём стоит заострить внимание. Зрители будто сами проходят обследование: всё максимально правдоподобно, ведь каждый звук записывался в реальных условиях. Лампы вокруг танцора заставляют его сгибаться в неживых и ломаных позах.

Депрессия. Одна из стадий принятия – неотъемлемая часть работы над болезнью. Красный цвет фонарика и ломанные движения, попытки убежать от самого себя и снова ломанные движения: залипания, кувырки и рывки.

Осознание. Музыка затихает, становится спокойной, как и мысли героя и зрителя. Движения становятся плавными, они не сопровождаются паникой. Это полное принятие и равновесие в душе героя. Это размышления о значимости жизни. Это слова о любви к близким, родным и к жизни.

Спектакль заканчивается тем же, с чего начался: герой сидит в кресле, а рядом стоит лампа. Кольцевая композиция указывает на то самое принятие и возвращение к жизни: «Мы съездили в отпуск с женой, которую я так сильно люблю».

Полностью текст рецензии - на сайте "Родина на Неве":

https://rodinananeve.ru/dvizhenie-eto-zhizn/

Воспоминание о «ласковой кобре» с изумрудными глазами и её спутниках

Русская опера – это не только Михаил Глинка и Пётр Чайковский, Модест Мусоргский и Николай Римский-Корсаков, но и великие композиторы ХХ века: Сергей Прокофьев, Игорь Стравинский, Дмитрий Шостакович, Родион Щедрин. Именно во многом благодаря русским композиторам, как советским, так и тем, кто выбрал эмиграцию, развивалось оперное искусство в ХХ веке. Участвовал в этом процессе и советский композитор Леонид Клиничев, чья опера «Зинаида» есть в репертуаре Мариинского театра. И она будет представлена 20 ноября.

«Лёгкость восприятия, ощущение глубокой традиционности, “русского духа” – и вместе с тем удивительная свежесть интонаций… такое сочетание качеств отличает музыку русского композитора Леонида Павловича Клиничева», – читаем мы на сайте «Бельканто».

«Зинаида» – одноактная опера, поставленная признанным мастером оперной режиссуры Алексеем Степанюком. В ней три персонажа. Всего три или целых три? Если исходить из арифметики, то всего три. А если учесть их вклад в поэзию, прозу, критику и философию, то целых три. Это – Дмитрий Мережковский, Дмитрий Философов и Зинаида Гиппиус. Деятели Серебряного века. Люди, которых связывали странные, только им понятные отношения: с житейской точки зрения – типичный l’amour de trois, но сами они называли свой союз «триумвиратом», где доминировала «безумная гордячка», «рыжеволосая наяда» (цитаты из Александра Блока) Зинаида Гиппиус. Сама себя Гиппиус называла «ласковой коброй» (стихотворение «Боль»).

1920 год. Варшава. С Вислы дует промозглый ветер. 50-летняя Зинаида Гиппиус не ощущает столицу Польши местом, где ей бы хотелось жить. Все её мысли о Петербурге, о том времени, когда она, по словам издателя Петра Перцова, «бросалась в глаза своей наружностью», будучи высокой, стройной блондинкой «с длинными золотистыми волосами и изумрудными глазами русалки» и «весь Петербург её знал, благодаря этой внешности и благодаря частым её выступлениям на литературных вечерах, где она читала свои столь преступные стихи с явной бравадой».

С этого начинается рассказ о триумвирате.

Критик Татьяна Мамаева назвала постановку Степанюка «спектаклем-воспоминанием». По её мнению, режиссёр Степанюк «один из тех, кто мыслит и творит категориями “серебряного века” и мог бы встать вровень со многими его титанами».

«Леонид Клиничев, он же и автор либретто, создал тревожную, с драматическим началом музыку, где даже лирические арии вносят ощущение надвигающейся катастрофы», – делится с нами своими впечатлениями Татьяна Мамаева. Алексей Степанюк – не только режиссёр-постановщик «Зинаиды», но сценограф спектакля. Всё действие разворачивается в гостиной Гиппиус, воссозданной минимальными средствами. «Здесь нет ни одного случайного предмета – стопки книг, чемодан с черновиками, зелёная лампа (в Петербурге, а потом в Париже у Гиппиус и Мережковского было общество под таким названием), несколько парчовых подушек на полу – капризный излом эпохи модерна. И — игрушечный паровозик, который остался от железной дороги. Самый точный предмет — осколок счастливого детства», — рассказывает Мамаева.

Проект с оперой Клиничева «Зинаида», которая завершает трилогию о русских поэтессах XX века: Анне Ахматовой, Марине Цветаевой и Зинаиде Гиппиус, был придуман Ларисой Гергиевой. Она увлекала этой идеей и своих учеников из Академии молодых певцов Мариинского театра, и маститого режиссёра.

Итак, 20 ноября, Новая сцена Мариинского театра, зал Стравинского.

Начало в 19:30

Подробности - на сайте "Родина на Неве":
https://rodinananeve.ru/vospominanie-o-laskovoj-kobre-s-izumrudnymi-glazami-i-eyo-sputnikah/

Вадим ГРИГОРЬЕВ: «Современная российская живопись убивает: тотальная импотенция»

Петербургский художник-авангардист Вадим Григорьев больше известен на Западе, чем в своём родном городе. И не потому, что он эмигрант или диссидент. Григорьев — художник признанный. И — профессиональный. В 1984 году Григорьев закончил Институт живописи имени И. Е. Репина с отличием и красным дипломом. С 1983 года — участвует в художественных выставках в России и за рубежом (в основном — за рубежом).

В беседе с журналистом Дмитрием Жвания художник рассказал о своём видении современной русской живописи и своём месте в ней, а также о мистических озарениях, которые он испытывает, создавая полотна.

— Вы с отличием закончили Академию художеств — цитадель реалистического искусства. Но сегодня работаете в авангардной стилистике. Что за такое чудное превращение: из реалиста в авангардиста?

— Настоящий авангард — поиск нового слова в искусстве — зиждется на классической основе. Чтобы экспериментировать, например, в музыке, нужно знать хотя бы ноты. То же и в живописи: чтобы искать какие-то новые формы выражения, нужно прежде всего уметь хотя бы грамотно владеть кистью и цветом. Непрофессионализм — он губит даже интересные, острые идеи. Так что я вовсе не жалею, что закончил академию. Наоборот — я горжусь этим.

— И когда вы почувствовали желание перейти к нефигуративной живописи?

— Я стремился к тому, чтобы найти в живописи себя. Ощутить свой нерв. Добиться того, чтобы полотно звучало. Сейчас — я чувствую резонанс от картины. Если на полотне что-то не доделано, если в картине есть энергетическая дыра, я ощущаю это нутром и кожей. Переделываю, переписываю, перерабатываю. Магия картины, её таинство — в цвете, фактуре и композиции. Хотя для того, кто знаком с сакральной индоевропейской традицией, моя живопись нечто большее, чем просто нефигуративные композиции. Такой человек мою живопись нефигуративной и не назовёт. Он прочитает на моих полотнах древние руны, увидит сакральные знаки.

— Вот вы ругаете непрофессионалов на чём свет стоит. Но ведь среди гениальных художников прошлого было немало непрофессионалов.

— У всех на устах Ван Гог, Нико Пиросмани. Это гениальные художники. Безусловно. Но кто знает: откуда у них художественный дар? На этот вопрос можно ответить только с помощью теории реинкарнации, может быть, они были профессиональными художниками в прошлой жизни. А в целом самодеятельные художники приносят большой вред. Они портят вкус зрителя. Живопись в этом смысле очень уязвима. В музыке, после того как человек возьмёт один аккорд, понятно: профи он или нет. Профессионализм легко проверить и в спорте. В живописи ситуация иная. Тут широкое поле для шарлатанства. Человек помахал кистью, как осёл хвостом. Намалевал что- то. И говорит: «Я так чувствую!» Обычно у таких горе-художников хорошо подвешен язык. Критики и искусствоведы слушают их. Делают умные лица. Бурчат: «Что-то в этом есть». Но профессионал сразу понимает: короли-то голые. Авангард — искусство элитарное. И посвящённым сразу всё ясно. Но тем не менее шарлатанство процветает. Как здесь, так и на Западе.

— В рыночной экономике не только спрос рождает предложение, но и, наоборот, предложение рождает спрос. Были бы произведения искусства — покупатели найдутся.

— Что верно — то верно: современная российская живопись часто просто убивает. Тотальная импотенция: не картины, а картиночки, не сюжеты, а сюжетики, не темы, а темочки. Или попросту непрофессионализм. Анатоль Франс говорил: «Искусству угрожают два чудовища: художник, который не является мастером, и мастер, который не является художником». Сегодня именно эти два чудовища искусство и пожирают. Несколько лет назад я побывал на выставке эротического искусства в Манеже. Некоторые произведения настраивают на мысль: не импотенты ли их создатели? На полотнах какие-то уродцы, кривляющиеся совокупляющиеся страшилочки. Вырождение! Живопись, конечно же, не должна быть красивенькой, слащавой. Но её задача — спровоцировать человека на переживания прекрасного.

Полностью текст интервью - на сайте «Родина на Неве»

Сначала слово надо купить

23 ноября «Театр у Нарвских выворот» представляет спектакль «Фабрика слов». Эта антиутопия про страну, в которой слова имеют цену. Буквальную цену. Сначала их нужно купить, затем принять как пилюлю и только потом произнести. Слова производятся на специальной фабрике.

Спектакль поставлен по рассказу современно французской писательницы Аньес де Лестрад. Спектакль (как и книга) – для детей. Но, по сути, это – притча. Она очень актуальная в наше время, когда производится очень много информационного и словесного мусора. Так что спектакль, поставленный в «Театре у Нарвских выворот» Алексеем Шульгачом и Дианой Разживайкиной на языке метафор, интересен и взрослым. Постановка балансирует на стыке драматического и кукольного театров.

Премьера спектакля прошла два года назад. За это время он участвовал во многих престижных театральных фестивалях. Те, кто его ещё не посмотрел, смогут сделать это в субботу 23 ноября. В этот день «Театр у Нарвских выворот» показывает его дважды. В 11 и 13 часов.

https://rodinananeve.ru/snachala-slovo-nado-kupit/

«Продавец воздуха» подарил парадокс предсказания

В петербургском «Доме кино» проходит авторская программа киноведа Михаила Трофименкова и искусствоведа Марины Кронидовой «Это фантастика!». Посвящена она советским фантастическим и антиутопическим фильмам. По словам Трофименкова и Кронидовой, «это фильмы незаслуженно забытые, но заключающие в себе главную тайну того, что, вообще, такое есть фантастика». 20 ноября в рамках это программы был показан фильм «Продавец Воздуха» Владимира Рябцева по одноимённому роману русского Жюля Верна – Александра Беляева.

Сам сюжет романа Беляева пересказывать смысла нет, ведь кинокартина проявила незаурядную смелость трансформации и не стала повторять путь большинства советских экранизаций – с дотошностью учителя литературы следовать букве оригинала. Сценарист Александр Петровский и Владимир Рябцев перенесли действие сюжета из Якутии на острова Тихого Океана, куда приплывает скромная экспедиция из двух человек с целью разгадать тайну изменения воздушных течений на планете Земля.

Трудолюбивые интеллигенты в перерывах между купаниями в местных заливах и игрой в шахматы исследуют местность, в какой-то момент случайно наткнувшись на остров, где попадают в плен к злодею-коммерсанту, который намеревается «перекрыть воздух» всей планете, чтобы потом продавать его же в сжатом виде.

Многие отмечают сложность экранизации романов Беляева: мешают грубая поэтичность его текстов и лаконичность описаний. Но роман «Продавец воздуха» обладает очень киногеничными и кинематографическими сценами внутри текста, которые умело были перенесены на экран. Местами нетривиальные движения оператора выводят из автоматизма восприятия; специфическая работа со светом и неожиданный джаз периодически отсылают к нуару; акробатические трюки добавляют динамики, а аутентичные костюмы и декорации, добротные спецэффекты погружают в атмосферу фантастики (со скидкой на наивность той эпохи в представлении о будущем).

Перенесение из Якутии в Тихий Океан тоже неслучайно – действие фильма перенесено в 60-е годы, именно тогда холодная война подходила к своей наивысшей точки «кипения». Главный антагонист из предприимчивого дельца превращается в олицетворение алчности империалистического Запада, а картина – в антикапиталистическую антиутопию. Ясно, что в советской системе координат художественное пространство большинства кинофильмов было окрашено идеологически. Но здесь, на удивление, это выглядит не натянуто, а вполне оправдано и актуально.

Трофименков и Кронидова рассматривали фильм с точки зрения парадокса предсказания. Бывшее «завтра» порой беспощадно узнаётся в, увы, реальном «сегодня». Беляев предсказал и озоновые дыры, и глобальное изменение климата за сотню лет до их появления. Но не только это читается в кинокартине – случайно ли, намеренно ли, но эхо режимов, эксплуатирующих науку, их антигуманные эксперименты во имя «лучшего будущего» ощущаются в «воздухе» фильма отлично.

Полностью текст рецензии - на сайте "Родина на Неве":

https://rodinananeve.ru/prodavecz-vozduha-podaril-paradoks-predskazaniya/

Глиняного поросёнка тоже можно любить

В репертуаре «Театра у Нарвских ворот» есть спектакль «Поросёнок Кнок», поставленный по пьесе известного советского драматурга Михаила Ворфоломеева. Недавно мне довелось познакомиться с этой постановкой. В зале – это большое количество маленьких зрителей. Представление ребята смотрели заинтересованно и бурно реагировали на происходящие события, и уже только одно это – замечательно.

Если говорить про декорации и костюмы, то они выглядели вполне достойно. Все эти яркие, немного, в хорошем смысле, аляповатые наряды отлично вписывались в общую атмосферу сказки и прямо-таки цепляли глаз.

Но не только костюмеры хорошо справились со своей работой. Игра актёров была порой немного карикатурной, но от этого она становилась более комичной, что в спектакле для детей вполне уместно. Особенно я бы выделил артиста, который исполнил роль кота – она ему действительно удалась на славу. Классические кошачьи ужимки, комичная надменность, постоянное ощущение какого-то подвоха – всё это актёр смог достойно показать на сцене, ему взаправду веришь.

Нельзя не упомянуть и главного героя – Поросёнка Кнока. Прописать столь драматичного персонажа для детского спектакля непросто. Глиняный поросёнок с самого начала даёт понять, что он очень закомплексованный, стесняется своей глупости, своей истиной натуры. Он искренне верит в то, что такого, как он, нельзя полюбить, хотя его возлюбленная, кукла по имени Мальвина, на протяжении всей истории старается доказать ему обратное.

Впору заглянуть в финал. Для детского спектакля написать такую концовку – это достаточно смело. Видно, что авторы хотели сделать что-то необычное, немного поломать уже устоявшийся канон и у них это получилось. По реакции детей было видно, что им интересно за этим наблюдать.

Кстати, нельзя не отметить, что удачные интерактивные ходы, придуманные, по всей видимости, постановщиками спектакля (режиссёр – заслуженный деятель искусств России Владимир Голуб). Когда актёры посреди истории обращались к зрителю, это выглядело очень уместно и даже немного необычно. Зрители всегда давали положительную реакцию на подобное. Такой ход отлично захватывает детское внимание.

Спектакль идёт недолго, около часа, история трогательная, а декорации и костюмы яркие. А главное – неподдельные эмоции маленьких зрителей. «Поросёнок Кнок» – по сути, это спектакль-притча. Смыслы, заложенные в нём, дети, может быть, не расшифруют, но они их почувствуют, и это очень важно.

Артём Матюшин

Фото автора
Читать на "Родине на Неве"

https://rodinananeve.ru/glinyanogo-porosyonka-tozhe-mozhno-lyubit/

Константин Хабенский: «Играю героев поневоле»

Увидев афишу, извещающую о том, что 14 декабря на сцене БКЗ «Октябрьский» группа Ундервуд и Константин Хабенский исполнят песни Булата Окуджавы в новых аранжировках, я вспомнил, как 22 года назад, осенью 2002 года, я брал интервью у молодого и набирающего популярность актёра Хабенского для женского глянцевого журнала “Marie Claire”.

Редактор журнала дала мне телефон артиста. Я позвонил. Он мне назначил встречу… в отделе милиции недалеко от станции метро «Нарвская», где шла съёмка очередной серии «Убойной силы». Я приехал – Хабенского не застал. Съёмки уже закончились. Я вновь позвонил. Константин, извинившись, сказал, что может встретиться со мной уже на Первой линии Васильевского острова, где продолжались съёмки.

Мне очень хотелось поговорить с Константином. Я тогда был очень вовлечён в тему войны в Чечне, а незадолго до этого вышла серия «Убойной силы» о командировке её героев в зону боевых действий (снял режиссёр Сергей Снежкин). Я приехал на Васильевский. Накрапывал дождик. И Константин предложил побеседовать в его автомобиле (кажется, это была наша то ли «восьмёрка», то ли «десятка»), припаркованном во дворе-колодце.

Редакция “Marie Claire” интервью не приняла: я им послал текст по электронной почте – ответа не получил. Я, наверное, и вправду не раскрутил Константина на материал для женского журнала, хотя и задал несколько вопросов о женщинах и любви. Кстати, через несколько лет в жизни Хабенского произойдёт трагедия сродни той, что пережил его герой в фильме «Женская собственность» (режиссёр Дмитрий Месхиев). В общем я отдал интервью с Хабенским в родную «Смену», где его с радостью напечатали.

Сейчас я был бы рад обсудить с Константином то, как он вживался в образ Льва Троцкого, чтобы снять в сериале об этом революционере.

Дмитрий Жвания

Вот, собственно, оно — то интервью

Юноша и смерть. Или Рождение автора

Дмитрий Жвания:

– Наконец он вернулся с фронта, и мы встретились в рюмочной «Дружба» (есть такое заведение на Звенигородской). Кто он для меня? Как обозначить наши отношения? Будучи учеником советской школы, в которой изучали немецкий язык, я, как и другие ученики этой школы, под наблюдением преподавателей переписывался со сверстниками из ГДРовской организации Telman Pionier. Мы их называли brieffreunde – «друзья по переписке». Наверное, до недавнего времени и он был моим «другом по переписке».

В сентябре 2022 года этот парень прислал мне текст, озаглавленный «Чему учат маркиз де Сад и Лимонов». Когда тебе глубоко за 50, ты многого не ждёшь от текста, написанного двадцатилетним. Честно! Но он был занятный – текст этот. Вот пассажи о скандальном французе: «Добродетель в книгах Де Сада существует, пожалуй, лишь для того, чтобы всегда уступать злу, быть неубедительной и слабой. В то время как зло существует именно для того, чтобы хотелось его уничтожить»; «Маркиз де Сад делает своим противником всё общество. Не только господина, но и его раба, гнущего шею под ударами плетей». Эдуарда Лимонова мой корреспондент охарактеризовал как «самого талантливого, едкого и маститого писателя, обнажающего все покровы нашего общества», которого «ненавидели за то, что он видел вещи такими, какие они есть – то есть срывал вуаль с мещанской повседневности».

Так началось наше сотрудничество. Чувствовалось, что автор находится под впечатлением от «литературы потока сознания». А в журналистике поток сознания требует правки. Его надо вводить в русло. И я правил. Некоторые тексты просил его переработать. Он не обижался. Принимал критику, перерабатывал.

Он знал, как выгляжу я (по фотографиям в соцсетях), а я знал, как он (тоже по фотографиям в соцсетях). Он – среднего роста, худой, с резко очерченными чертами лица. Он мне напоминал кого-то из культовых фигур середины XX века. Но не знаю, кого именно. Может, молодого Альбера Камю? Так или иначе его фото были будто сделаны в те годы, когда о литературе рассуждали в парижском Cafe de Flore.

Набирала обороты Спецоперация. Мой brieffreund отправился в ДНР как волонтёр. Прислал оттуда путевой очерк, в котором честно пересказал свои впечатления от увиденного. Я кое-что вымарал из него: когда страна воюет, кое о чём следует умалчивать. В Донбассе что-то его зацепило – заставило повысить ставки: он, не зная, что такое служба в армии (на срочной не был – студент), подписывает полугодовой контракт и становится бойцом 7-й Добровольческой бригады имени Святого Георгия.

По окончанию первого контракта парень возвращается в Петербург, но ненадолго (мы не успели встретиться), и подписывает второй контракт. Попадает в Бахмут – в город-призрак.

Иногда он выходил в Сеть, мы изредка переписывались. И вот я жду его, своего «друга по переписке», в рюмочной «Дружба», потягивая красное вино. За соседним столиком веселится компания молодых людей: девушки oversize, парни с длинными, выкрашенными в зелёное волосами – тоже не худые. Я почему-то был уверен, что он придёт не в камуфляже, что на его одежде не будет патчей (шевронов) с надписями типа «Мама велела надеть». Так и есть. Если бы он прошёл мимо вас на улице, вы никогда бы не подумали, что он – участник боевых действий. Интеллигентного вида парень. Такой, как на фото: среднего роста, худой, с резко очерченными чертами лица. Модные усики. В курточке из кожзаменителя. Он даже вроде смущался немного вначале разговора.

Придя, он протянул мне сборник его стихов «Король в изгнании», изданный, когда он находился в Бахмуте. Открываю – дарственная надпись: «Дмитрию Жвании, наставнику и другу от автора». Значит, всё-таки я для него друг. И уже не по переписке. Автора зовут Дмитрий Каляев. Да вот такая революционная фамилия. Да и в самом Дмитрии есть что-то не только от завсегдатая Cafe de Flore, но и от революционера-разночинца, эсера.

Полностью очерк о ветеране СВО Дмитрии Каляеве - на сайте "Родина на Неве":
https://rodinananeve.ru/yunosha-i-smert-ili-rozhdenie-avtora/

У вас в запасе всего 14 слов. Что вы скажете?

Инновации, искусственный интеллект, роботы, короткие видео в ленте, тысячи телеграмм каналов, говорящие колонки дома, личные бренды, бесконечные билборды с рекламой и непрекращающиеся моря информации…

Слова двоятся, теряются, находятся и рождаются. Мы находимся в эфемерной надежде «схватить» полезную информацию, книгу или подкаст. Однако в итоге всё равно уезжаем на природу и слушаем по выходным тишину. Произносим только самое ценное и важное. Так сколько же стоит слово?

Переместимся в зал «Театра у Нарвских ворот», где идёт спектакль «Фабрика слов», поставленный по пьесе Аньес де Лестрад режиссёрами Алексеем Шульгачом и Дианой Разживайкиной. Тишина. Вот-вот мы узнаем необычную и непривычную цену. В креслах только дети, а значит ответная реакция обещает быть алмазно-честной.

На сцене – новый мир! Мир, в котором слова производит фабрика и действует закон: «купи- проглоти-произнеси». У богатых много изящных и красивых слов, а бедным приходится иметь в арсенале лишь много надежды, чуткости и изредка говорить.

Однажды рождается маленький Филеас (актёр Антон Хатеев). Для его имени мама (актриса Марина Петромаева) пожертвовала слово «фейхоа», папа (актёр Роман Сидоренко) вытащил «хорошо», а дедушка (актёр Павел Москалёв) отдал «канделябр».

И теперь его могли использовать все!

«Филеас!», «Ф-и-и-л-е-ас», «Филеас….»

Летели дни, будни, вечера, года и Филеас вырос. Он готов изучать, дружить и жить! В его голове только 14 слов и одна большая любовь – Сибелла!

Внутри зарождается искра, случается химия, дрожь от волнения и эмоций передаётся по рукам, губам и голове. Сердце складывает невнятное бормотание, полёт мыслей не успевает отобрать нужное, а свобода расцветает! Хочется кричать и бесконечно говорить! Говорить? А как говорить?

Полностью текст рецензии - на сайте "Родина на Неве":

https://rodinananeve.ru/u-vas-v-zapase-vsego-14-slov-chto-vy-skazhete/

Детская ёлка в центре онкологии имени Н.Н. Петрова

Город постепенно погружается в предновогоднюю суету. Улицы украшают множеством гирлянд, во внутренних дворах прячутся от лишних глаз камерные ярмарки, а люди… а люди подводят итоги уходящего года.

В 2024 году мне хотелось сделать что-то очень хорошее, не для себя — для людей. Когда в мире так много всего сложного и угнетающего, хочется самому стать источником света. Ведь только мы сами можем создать то, чем будем гордиться.

В начале года я решилась организовать благотворительный сбор среди соседей, друзей, коллег, чтобы подарить частичку новогоднего чуда тем, кому оно особенно нужно. Собрав нужную сумму и купив подарки, я в компании своего друга отправилась в Национальный медицинский исследовательский центр онкологии имени Н. Н. Петрова. Переодевшись в костюмы Деда Мороза и Снегурочки, мы приехали провести небольшую интерактивную программу.

Я думала, что готова ко всему, но всё оказалось совсем иначе.

Едва переступив порог холла, в котором собралась немногочисленная группа детей, сердце пропустило несколько ударов. Побритые головы, переносные капельницы и потухшие глаза… Можно сколько угодно смотреть на это в фильмах, но ощущения, испытанные в жизни, не сравнятся ни с чем. Быстро взяв себя в руки, мы поиграли с ребятами, попутно узнавая, какое же новогоднее чудо каждый из них ждёт. Дети называли разные вещи: кто-то говорил про новую игрушку, кто-то — про новый телефон, а в тихом взгляде каждого родителя читалось лишь одно — желание, чтобы их ребёнок был здоров.

Не всем был разрешён выход из палаты, поэтому нами было принято решение зайти к каждому в гости. Как же было приятно видеть ту небольшую надежду, ту зарождающуюся искру в глазах детей, когда Дедушка Мороз дарил им подарки, попутно рассказывая про свою северную жизнь. В голове до сих пор крутятся слова одного мальчика:

— А я очень сильно хочу, чтобы мы с вами ещё раз увиделись! Но не здесь. Я вам обещаю: в следующем году я выздоровею, и вы приедете ко мне в гости. Вы ведь придёте?

И мы ответили, что обязательно навестим, что его родители уже гордятся им, о чём важно помнить.

У каждого ребёнка в том центре своя история, но объединяет эти маленькие сердца надежда на обычную жизнь, не зависящую от капельниц и таблеток.

Мы сами можем стать для кого-то новогодним чудом, той сказкой, тем подарком, который хочется получить. Только в наших руках и силах сделать этот мир лучше и добрее.

С наступающим 2025 годом!

Ксения Матуняк

Текст на сайте "Родина на Неве":
https://rodinananeve.ru/detskaya-yolka-v-czentre-onkologii-imeni-n-n-petrova/

«Мёртвые души» Щедрина и «дар неба» Гергиева

Родион Щедрин – один из тех композиторов, которые развивали оперное искусство во второй половине ХХ века. В репертуаре Мариинского театра есть несколько его опер. Так, 5 декабря на новой сцене театра будут представлены его «Мёртвые души».

Якобы Родион Щедрин писал оперу «Мёртвые души» если не «в стол», то без особой надежды на её постановку, так как в то время не имел ни заказов, ни контрактов. Однако весть о работе известного композитора над таким значимым произведением разнеслась в театральных кругах. В итоге за её постановку взялся Борис Покровский, и в декабре 1977 года «Мёртвые души» представили в Московском Большом театре (режиссёр Борис Покровский), а через полгода и в ленинградском Кировском.

Опера «Мёртвые души» занимает особое место в творчестве Родиона Щедрина: композитор впервые отважился самостоятельно составить либретто на основе поэмы Николая Васильевича Гоголя. Главные сюжетные линии либретто строятся согласно событиям, описанным в первом томе гоголевской поэмы, но в уста персонажей вложены некоторые стоки из второго тома.

«Идейным центром его оперы стал образ дороги, образ России. Он сообщает произведению подлинно лирический характер, контрастный всему, что связано с похождениями Чичикова, – объясняет советский музыковед Абрам Гозенпуд. – В опере, как и у Гоголя, два плана – поэтический и сатирический. Композитору в равной мере удалось передать и поэзию русской природы, и низменный, лишенный поэзии мир “мёртвых душ”».

Сам композитор в пояснительной записке к своей опере писал, что «замысел автора был направлен на вокальное переосмысление гоголевской прозы». Музыковед Христина Батюшина, напоминая, что писатель Владимир Набоков назвал «Мёртвые души» грандиозным сновидением, сквозь которое прорисовывается мысль о России, утверждает, что именно так и построена опера Щедрина: «Её лирические ноты сосредоточены в “дорожных” сценах, которые рефреном перемежаются с эпизодами-карикатурами. Мёртвому композитор противопоставил живое; живыми сделал лица из народа – горюющую солдатку, бородатого мужика на обочине. В этих сценах поют не по оперному, а по-крестьянски; автору помогал слуховой опыт его детства, проведённого на берегу Оки, где будущий композитор слышал и пастухов, и плакальщиц, и пьяные песни».

«Безмолвным лейтмотивом оперы явился сценический образ телеги в два огромных колеса (тоже своеобразный “механизм”), ставший символом нелёгкого пути, по которому движется Россия. В стране этой, как известно, живут персонажи Николая Васильевича, за которыми так легко угадать перипетии дня сегодняшнего», – сообщает критик Елена Верещагина.

После появления и премьер опера «Мёртвые души» пропала на долгое время из афиш ведущих театров страны. И только в 2011-м по инициативе художественного руководителя Мариинского театра Валерия Гергиева опера вновь появилась в репертуаре. Поставили её режиссёры Василий Бархатов и Зиновий Марголин. «Режиссёр спектакля Василий Бархатов разыгрывает историю неудачной аферы Чичикова, не привязывая её к конкретной эпохе: зритель узнаёт реалии и крепостнической, и советской, и постсоветской России», – рассказывает Христина Батюшина.

На премьерном показе спектакля в марте 2011 года был Родион Щедрин. «Я рад безмерно, потому что партитура пролежала… в России “без движения” более 30 лет. Если бы не инициатива Гергиева, то так бы это продолжалось ещё неизвестно сколько лет. Если был какой-то ещё интерес за границами нашей родной страны, то здесь (в России) его не было. Для меня это огромное событие», – заявил композитор после премьеры. В постановке Бархатова-Марголина он обнаружил «гармонию всех компонентов». По мнению создателя оперы, «в этом заслуга прежде всего Валерия Гергиева, который имеет гипнотическую мощь, силу, дар неба, умение собирать единомышленников рядом».

Начало спектакля в 19 часов
Подготовил Дмитрий Жвания

Петербург Стравинского и «Пульчинелла»

«Петербург Пушкина», «Петербург Гоголя», «Петербург Достоевского» – всем известные словосочетания и понятия, а также туристические маршруты. В последние годы появились «Петербург Бродского» и «Петербург Довлатова». Но почему-то никак не войдёт в обиход понятие «Петербург Стравинского». И это при том, что великий композитор-экспериментатор – уроженец столицы Российской империи. Именно в городе на Неве он делал первые шаги в жизни и искусстве.

Непосредственно Игорь Фёдорович, сын известного певца Мариинского театра, появился на свет 17 июня 1882 года на Швейцарской улице в Ораниенбауме. Сейчас это – часть Петербурга, но до революции (да и долгие годы после) это было место дачного отдыха петербуржцев/ленинградцев. Стравинский на даче и родился. «1882-го года, 5 июня [по старому стилю – прим. ред.], в 12 часов дня, в Ораниенбауме, по Швейцарской улице, на даче Худынцевой номер 137 родился сын Игорь», – записал в «главбухе» и обвёл запись красной рамочкой счастливый отец.

Дача эта обветшала и её снесли в 1935 году, сейчас на её месте находится трансформаторная подстанция. От дачи сохранился лишь фундамент и ступени входа. Сын Игоря Стравинского, Фёдор, летом 1974 года гостил в Ленинграде у родственников. 1 июля он посетил Ораниенбаум и взял земли у фундамента дачи, где родился его отец, чтобы высыпать её на его могилу на кладбище Сан-Микеле в Венеции.

До 1908 года Игорь Стравинский, его родители и младший брат Гурий жили в восьмикомнатной (или в девятикомнатной) квартире в доходном доме номер 27 по Офицерской улице (ныне улица Декабристов), на углу с Крюковым каналом. Это совсем рядом с Мариинским театром, фактически – напротив него. На другой стороне Крюкова канала, напротив дома №27, мрачнела тюрьма – Литовский замок, а наискосок, на том месте, где сейчас Мариинский-2, располагался Литовский рынок.

На доме №27 установлена памятная доска, которая оповещает, что в нём жил Стравинский. Причём это – второй вариант доски. Первый, выполненный из бронзы, провисел с 1991-го по 1999-й, а затем исчез. Второй вариант мемориальной доски уже сделали из норвежского лабрадорита и установили 27 июня 2003 года.

Игорь Стравинский окончил гимназию в 1901 году и по настоянию родителей поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Однако юриспруденция не стала его профессией. Игорь Фёдорович занимался музыкой, ещё будучи учеником гимназии. В университете он познакомился с сыном композитора Николая Андреевича Римского-Корсакова – Владимиром. Тот свёл его с отцом. Стравинский начал посещать еженедельный музыкальные вечера Римского-Корсакова, которые тот устраивал в своей квартире на Загородном проспекте (дом 28), а потом и брать уроки композиции и инструментовки под руководством великого мастера.

Под руководством Римского-Корсакова Стравинский написал свои первые серьёзные сочинения. Прозвучали они 22 января 1908 года в концерте Придворного оркестра под управлением Гуго Ивановича Варлиха. Вскоре о молодом и своеобразном ученике Н.А. Римского-Корсакова узнаёт известный импресарио Сергей Дягилев. Он поверил в молодой талант. «У него было какое-то исключительное чутьё, необыкновенный дар мгновенно распознавать всё, что свежо и ново, и, не вдаваясь в рассуждения, увлекаться этою новизною», – отозвался о Дягилеве Стравинский. Дягилев попросил Стравинского написать музыку к балету «Жар-птица». Так мир узнал о великом экспериментаторе.

В Петербурге пока нет специальной экскурсии по «местам Стравинского». Но зато есть место, где исполняют многие его произведения из разных периодов его творчества. Это – Мариинский театр. Отрадно, что театр не чурается обращаться к экспериментальным произведениям композитора, которые его современники приняли не сразу.

Больше информации и подробностей о жизни великого композитора ХХ века в Петербурге - на сайте "Родина на Неве":

https://rodinananeve.ru/peterburg-stravinskogo-i-pulchinella/

Закрой глаза и загадай желание

Дорогой читатель, какое бы желание ты загадал джинну из волшебной лампы? Я попросила джинна снова превратить меня в ребёнка, чтобы я могла пойти в детский «Театр у Нарвских ворот» в Санкт-Петербурге и насладиться волшебным представлением о приключениях Аладдина, полным музыки и веселья.

Добраться сюда совсем несложно – главное, приходи с открытым сердцем. Театр небольшой, но если закрыть на это глаза, твоя фантазия и музыка перенесут тебя в сказочный мир Аладдина.

Подожди, дорогой читатель! Не думай, что эта постановка будет похожа на экранизации «Аладдина» от компании Disney. Это спектакль, основанный на сказках из «Тысячи и одной ночи».

Ну что, ты уже загадал своё первое желание?

Спектакль «Аладдин и волшебная лампа», поставленный режиссёром Романом Камхеном по инсценировке Олесей Емельяновой, начинается с истории бедного юноши Аладдина и его матери. Однажды к ним приходит волшебник, выдающий себя за дядю Аладдина. Он просит его помочь найти волшебную лампу – дом для таинственного существа. Волшебник обещает богатство для Аладдина и его матери, но на самом деле просто использует юношу.

Попав в пещеру, Аладдин сталкивается с необычными существами, которые пытаются помешать ему найти лампу. Но он всё-таки находит её, хоть и остаётся в пещере – волшебник его бросает. В ярости Аладдин трёт лампу, и из неё вырывается синий дым, из которого появляется джинн.

Джинн говорит Аладдину, что теперь он его хозяин и может загадать три желания. Сначала Аладдин думает, что он сошёл с ума, но джинн доказывает свою реальность с помощью магии и музыки.

Жизнь Аладдина кардинально меняется – он становится богатым и влиятельным человеком. Он влюбляется в дочь Султана – прекрасную принцессу. Но злой волшебник, раздобыв лампу, начинает мстить. Аладдину предстоит пройти множество испытаний, но на этот раз он не один – его поддержат Джинн, мать и принцесса.

В итоге, с помощью ума и юмора, Аладдин возвращает лампу, побеждает волшебника и загадывает своё последнее желание – освобождает Джинна.

Честно говоря, я была поражена! Я не ожидала, что спектакль окажется таким волшебным. Детский театр смог разбудить моё воображение, и я почувствовала себя ребёнком.

Больше всего мне понравилась игра Джинна (Андрей Кролевец). Его голос с эхо по всему театру, будто уменьшал меня до размеров куклы. А его голубая кожа излучала силу. Выражение лица, когда он исполнял желания Аладдина, – просто восхитительно!

Театр хоть и маленький, но актёры сделали всё, чтобы зритель стал частью их мира. Не знала, откуда появятся персонажи, а световые эффекты злого волшебника казались настоящим заклинанием.

Детский смех, взгляды и испуганные крики вокруг доказывали, что дети искренне переживали за героев. И это самое сложное – удержать их внимание.

Дорогой читатель, сходи в театр, насладись этим спектаклем, почувствуй магию и забудь о своих заботах хотя бы на время. Искусство – для всех, оно не знает возраста!

Мария Фернанда Руис

Философская драма таинственной стены

Фильм «Таинственная стена», снятый режиссёрами Ириной Поволоцкой и Михаилом Садковичем в 1967 году, можно было посмотреть в рамках авторской программы киноведа Михаила Трофименкова и искусствоведа Марины Кронидовой «Это фантастика», идущей по средам в петербургском Доме кино. Это фантастическая история, сюжет которой разворачивается вокруг группы ученых, обнаруживших загадочную стену где-то в тайге. Эта стена обладает удивительным свойством: она способна вызывать у смотрящего видения из прошлого.

Сразу стоит отметить, что фильм отличается неторопливым темпом повествования, который может показаться непривычным для современного зрителя. Однако именно этот подход позволяет глубже погрузиться в атмосферу картины и прочувствовать всю её философскую глубину. В центре внимания находятся вопросы о природе сознания, взаимосвязи между человеком и окружающим миром, а также о том, насколько далеко может зайти наука в своих поисках истины.

Одно из главных достоинств фильма – его визуальная составляющая. Операторская работа поражает своей выразительностью. Кадры природы, снятые с любовью и вниманием к деталям, создают ощущение настоящего погружения в мир, где возможно всё. Особенно впечатляют сцены, в которых герои пытаются понять природу таинственной стены, пытаясь проникнуть в её тайны.

Актёрский состав тоже заслуживает отдельного упоминания. Хотя фильм не изобилует яркими эмоциональными сценами, каждый актёр справляется со своей задачей на отлично (в одной из главных ролей, старшего сержанта Карпухина снялся Андрей Миронов). Их игра передаёт внутренний конфликт героев, их сомнения и страхи перед неизвестным.

В целом, «Таинственная стена» – это не просто фантастический фильм, но и глубокая философская драма, которая заставляет задуматься о месте человека в мире и о границах познания. Это кино для тех, кто ценит неспешность и глубину размышлений, а не динамичные спецэффекты и экшен-сцены.


Арина Абрамова

Ветеран СВО Георгий Журавлёв: «Война – это, прежде всего, крепкий тыл»

Ветеран СВО Георгий Журавлёв удостоен государственной награды – Ордена мужества. Но и сейчас Георгий помогает фронту, участвует в различных мероприятиях и передает свой боевой опыт.

– Какие эмоции и переживания сподвигли вас пойти добровольцем на СВО?

– Незадолго до событий, о которых я рассказываю, мы взяли щенка и провели с ним месяц. Рано утром в тот день я проснулся и вспомнил, что смотрел обращение президента. В 2021 году, годом ранее, когда проходили масштабные учения, тоже чувствовалось, что что-то может начаться, и обстановка накалялась. После 2021 года, особенно с учетом многих факторов, включая западную прессу, было очевидно, что возможен конфликт с Украиной. Я, как и многие, ожидал, что специальная военная операция довольно быстро закончится победой, за два-три месяца. Но всё сложилось не так, как мы надеялись.

Когда я вышел на утреннюю прогулку с собакой, оказалось, что ракеты уже летят на Украину, а под Харьковом идут обстрелы. Я со стороны наблюдал за ситуацией, которая постепенно ухудшалась. Я читал, как наши войска отошли из-под Киева, а противник призывал убивать русских детей и женщин. Также в медиа появлялись видео с издевательствами и пытками над нашими бойцами и меня это глубоко задело.

Я решил, что должен самостоятельно участвовать в боевых действиях, чтобы помочь нашей стране. В тот момент я не знал, направят ли меня на Украину, если я подпишу контракт, или окажусь в каком-то другом гарнизоне. Я решил обратиться в военкомат. Когда я приехал в центр отбора на контрактную службу, мне сказали, что отправляют только на Украину.

– Было ли вам страшно перед отъездом? Как вы справлялись со стрессом в зоне СВО?

– Когда я ехал, скорее, страха не было – был интерес. Я наблюдал за товарищами, которые имели опыт ведения боевых действий, и старался учиться у них. Поначалу от первых обстрелов страха не испытывал. Страх начал появляться постепенно, особенно когда мне приходилось вытаскивать своих раненых и погибших товарищей – тогда осознавал, что и со мной может случиться что-то подобное.

Как я справлялся со страхом? Конечно, было страшно в бою, но я старался действовать, выполнять свои задачи и удерживать свои позиции.

– Удавалось ли вам пообщаться с местными жителями на освобожденных территориях?

– Жители были разными, это зависело от региона. В Харьковской области в начале многие поддерживали нас, говорили, что «Путин молодец». Но были и те, кто смотрел со злобой или наводил артиллерию на наши позиции. Люди действительно были совершенно разными.

Некоторые жители считали это гражданской войной и относились к происходящему как к внутреннему конфликту. Редкие люди высказывали что-то негативное, хотя иногда среди местных находились такие, кто высказывал свои чувства. Например, в Луганской области я встречал людей, которые говорили, что им всё равно, как это закончится. Они устали от восьми лет обстрелов и боевых действий и просто хотели, чтобы всё это прекратилось.

– Сколько времени вы провели в зоне специальной военной операции? Планируете ли вы вернутся туда?

– Я провёл около семи месяцев в зоне специальной военной операции, пока не получил тяжёлое ранение и не был комиссован. Восстановление идёт медленно: у меня был перебит седалищный нерв. Тем не менее, после полного восстановления я готов продолжать служить своей стране, в том числе и на фронте.

Полностью текст интервью - на сайте "Родина на Неве":

https://rodinananeve.ru/veteran-svo-georgij-zhuravlyov-vojna-eto-prezhde-vsego-krepkij-tyl/

«Хуже всех»: как быть смелым в мире, полном предвзятости?

«Жируха» – такое прозвище закрепилось в школе за 16-летней Ксюшей. Домашняя атмосфера не добавляет девочке позитива: у папы – «новые отношения», мама в постоянной истерике и не прочь снять стресс с помощью рюмки. Это – завязка фильма «Хуже всех», снятого выпускницей кафедры режиссуры игрового кино ВГИК Александрой Кармаевой (мастерская Владимира Меньшова) и показанного на втором этапе международного фестиваля студенческих фильмов «ПитерКИТ»

На репетиции концерта, посвящённого последнему звонку, навалившийся страх от нападок одноклассников не позволяет Ксюше (Римма Латышева) исполнить песню. Провал на сцене оборачивается ещё большими насмешками со стороны сверстников. И тогда Ксюша решает заявить о себе всему миру. Она создаёт блог, в котором, сама называя себя «Ксюхой-жирухой», выкладывает провокационный контент. Её блог получает невероятный отклик в сети.

Поведение Ксюши меняется: она начинает отдаляться от своей лучшей подруги Славы (Рина Назарова), совершает необдуманные поступки в школе и всё чаще конфликтует с матерью (Евгения Добровольская). У неё появляются поклонники, девушка начинает чувствовать себя ещё увереннее. Как результат: романтические отношения с Даней Погуляевым (Микита Воронов) – парнем, который давно нравится Ксюше.

На вечеринке у Погуляева новоявленная блогерша видит Даню рядом со своей антагонистской, признанной школьной красавицей Светланой Барановой (Софья Аржаных), и под воздействием алкоголя начинает провоцировать её на то, чтобы она разделась и искупалась в бассейне: девушка по какой-то причине всегда носит закрытую одежду и всем интересно – почему?

Света на провокацию не поддаётся, и Ксюша публикует видео, в котором утверждает, что её одноклассница страдает от «селфхарма» – сама наносит себе увечья. На утро блогерша осознаёт глупость своего поступка. Но извиниться перед Светой не успевает. Начинается школьный концерт. Баранова на сцене в роли ведущей. Школьники в зале требуют, чтобы она разделась и показала свои шрамы. Ксюша встаёт на защиту девушки, и они вместе обличают свои недостатки и призывают прекратить «буллинг». «Красота не в стандартах!» – заявляет Ксюша и ученики поддерживают её.

В фильме поднимаются острые, важные подростковые темы. Одна из них – «буллинг» и «кибербуллинг». Главную героиню оскорбляли не только в жизни, но и в сети. Подростки из-за своей неустойчивой психики бывают импульсивны в поступках и словах. Проблема массовой травли среди школьников была актуальна почти всегда (вспомним, например, «Чучело» Ролана Быкова, снятое в 1983-м), но с развитием сетевых технологий у детей появилась возможность оскорблять анонимно. В связи с этим уровень травли вырос в несколько раз. От проблемы нельзя отмахиваться, ибо она отражается на ментальном здоровье детей, грозит их жизни.

Слоган фильма – «От хейта до славы – один блог». Однако это ли главная идея фильма, если Ксюше приходит осознание того, что её образ в интернете никак не совместим с её настоящей личностью? Героиня не замечает того, как из человека, которого обижали, она сама становится обидчиком. Это отражает проблему популярности в интернете. Человек настолько поглощён своим образом в сети, что забывает самого себя. Ксюша не «жируха». Она не скандальная хулиганка, а умная нежная девушка, только теперь никто этого не видит. И так ли ей нужен блог?

Полностью текст рецензии - на сайте "Родина на Неве":

https://rodinananeve.ru/huzhe-vseh-kak-byt-smelym-v-mire-polnom-predvzyatosti/

Шаманки, природа и философия гармонии

Чем очаровывает Русский Север? Резким суровым климатом? Бескрайними пейзажами глухой тайги и ледяных морей? Может быть, историческими памятниками древности? Каждому по духу своя уникальная составляющая Русского Севера. Но как насчет мистики Севера? Ведь именно в северных частях нашей страны лучше всего сохранилось понятие о самобытности, народных верованиях и природной магии.

Христианство пришло в Заполярье в XVI-XVII веках, поэтому язычество и древние ритуалы просуществовали здесь довольно долго, оставив сильный отпечаток на всей территории. Ведьмы, колдуны, шаманы и ворожеи много веков занимались в этом крае магией, передавая знания и практические умения по наследству. Однако это было несколько тысячелетий назад. А что же сегодня? Может быть, и сейчас на севере остались представители ведовского мира…

Игровой фильм Марии Стрельцовой «Нойды: Северные ведьмы» погружает нас в реальность потаённых мест северной тайги, где живут три сестры-шаманки. Они уже много лет следуют своим ведьминским традициям и ритуалам. Однажды в их жизни появляется юноша (актёр Михаил Селиванов, которого много помнят по «Серебряным конькам»), который попал в бурю и серьёзно заболел. Сёстры принимают решение вылечить его. Но пуская в свой привычный уклад чужого, человека из другого, далёкого от них мира, ведьмы серьёзно рискуют. Их мир оказывается под угрозой. Время и испытания поставят перед шаманками серьёзный выбор, и они вынуждены будут раз и навсегда для себя решить, что им по-настоящему ценно.

Финал фильма «Нойды: Северные ведьмы» отсылает нас к последней сцене с лодкой в картине Джима Джармуша «Мертвец». Выбор ведьм в пользу своих традиций, верований и изгнания чужого очевиден. А чужое должно уйти туда, откуда пришло. Правда, не понятно, что конкретно случилось с юношей? Он убит или усыплён? Сёстры отправляют его в вечное плавание или обратно – в его мир?

Жаль, конечно, что фильм Стрельцовой – короткометражный (съёмочная команда и так запрыгнула в последний вагон хронометража короткого метра – кино идёт 30 минут). Из-за временного ограничения некоторые сцены получились скомканными и быстрыми, а хотелось бы подольше понаблюдать за жизнью представительниц северного народа, развитием взаимоотношений героев и погрузиться в их проблемы. Например, в романтические отношения пришельца и младшей сестры. Ведь именно они спровоцировали отторжение пришельца нойдами. Младшая сестра, кстати, в отличие от старших сестёр одевается не в традиционные для нойдов одежды, а на современный лад – в casual: свитер, джинсы, жилетку. Может быть, отойдя на шаг от традиции, она и стала слабым звеном?

В целом игровой фильм «Нойды: Северные ведьмы» снят очень гармонично. Визуальные решение сочетаются со звуковыми и работают на ключевую идею неспособности сделать человека из абсолютно другого мира частью своей жизни. Сюжет о самобытном народе, живущем в потаённых уголках северной тайги, сам по себе сложный и редкий, а потому притягательный и удачный. Если вы ищете сочетание колоритного духа древнего народа, чарующих пейзажей и размышлений о законах этого мира, то «Нойды: Северные ведьмы» точно ваш выбор!

Полностью текст рецензии - на сайте "Родина на Неве":

https://rodinananeve.ru/shamanki-priroda-i-filosofiya-garmonii/

«Тристан и Изольда» на Острове мёртвых

Похоже, из репертуара Мариинского театра медленно, но верно исчезают постановки Дмитрия Чернякова. Некоторые его называют смелым экспериментатором, другие – режиссёром-перелицовщиком. А ещё его можно называть режиссёром-троллем, заражённым эстетикой 90-х.

Так или иначе, в Мариинском театре грядёт премьера оперы Рихарда Вагнера «Тристан и Изольда», перелицованной в своё время Черняковым, в постановке Алексея Степанюка и Константина Балакина. Зная их стиль, их предыдущие художественные решения, мы должны быть уверены, что не увидим на сцене «братков» и старые компьютеры, как в спектакле Чернякова.

Первый премьерный показ постановки Степанюка и Балакина – 19 декабря. Интересно, что для спектакля режиссёры выбрали пространство Концертного зала театра, устроенного, как античный амфитеатр. Если Черняков загнал действие внутрь каких-то кубов, отчего те, кто купил билеты на третий ярус, могли только слушать произведение Вагнера, не видя ничего, что происходит на сцене (может, им и повезло), то Степанюк и Балакин добиваются того, чтобы их спектакль увидели все благодаря демократической конструкции амфитеатра.

Постановку оформляет Елена Вершинина – та самая художница, с которой Балакин работал над «Нюрнбергскими мейстерзингерами» Рихарда Вагнера и «Гегенотами» Джакомо Мейербера. И благодаря Вершининой зритель, как на машине времени, попадал в немецкий средневековый Нюрнберг и средневековый Париж. «В своих декорациях к “Тристану” художница варьирует известную картину Арнольда Бёклина “Остров мёртвых”, подчеркивая тем самым главную тему этой оперы – тайну любви и смерти», – подсказывает критик Христина Батюшина.

А если действие будет разворачиваться на острове, значит, его будет окружать море – одна из главных стихий оперы «Тристан и Изольда». «В “Тристане и Изольде”, этой поэме о любви, о лихорадочной страсти, детище слепой судьбы, высокой и неумолимой, главным среди фоновых персонажей является море, олицетворяющее сверхчеловеческие страсти и порывы. Море покрывает своими беспокойными волнами душу, до самых недр потрясённую неукротимыми страстями. Земля и не показывается, в то время как море страсти влечёт слушателя от одной бури к другой», – отмечает Густаво Маркези в книге «Опера: от истоков до наших дней». В поставке Чистякова моря вообще нет. Его Тристан, ожидая прибытия Изольды в какой-то комнате, всё время подбегает к окну, расположенному сбоку – и смотрит в некий брандмауер…

Алексей Степанюк – признанный мастер оперной режиссуры. И это особенно важно подчеркнуть сейчас, когда оперные спектакли порой ставят режиссёры киносериалов. Оперный режиссёр не просто придумывает что-то, что будет происходить на сцене, он укладывают сценографию в музыку, а для этого он должен слышать каждую ноту.

Некоторые строгие музыкальные критикессы, и одновременно – страстные поклонницы Дмитрия Чернякова (у этого режиссёра есть фан-клуб из числа критикесс), обвиняют Степанюка в излишней помпезности, разглядывая почему-то в этом желание режиссёра «угодить стремительно архаизирующимся вкусам непросвещённой части оперной публики» и подладиться «под искусственно задаваемые властью установки на архаизацию и ставить конъюнктурные спектакли». По мнению критикесс, хороший режиссёр ведёт диалог из современности с создателем произведения. Правильное мнение. Но почему-то эти критикессы за диалог принимают наряжание актёров в свитера с изображением оленей и длиннополые плащи, а также закручивание лампочек Ильича в позднем Средневековье. Это кривляние, а не диалог. И пусть дипломированные критикессы и дальше утверждают, что «с помощью иронии, метаиронии, комикования, отстранения» Черняков «добивается совершенно магического эффекта — ты понимаешь, что любовь есть и что с ней шутки плохи».

Степанюк – мастер, а поэтому он не кривляется, а ведёт настоящий диалог.
Дмитрий Жвания

«Театр у Нарвских ворот» подарит «Новогодний переполох» детям Мариуполя

Санкт-Петербургский государственный детский драматический «Театр у Нарвских ворот» подготовил подарок детям Мариуполя. 25 декабря в школах этого города будет показан интерактивный спектакль «Новогодний переполох».

Это не первая поездка театра в Мариуполь. В июне 2023 года труппа показывала в городе-побратиме Петербурга спектакль «Бременские музыканты».

Уже становится доброй традицией дарить мариупольской детворе театрализованные праздники. Коллектив театра с особым чувством дарит своё творчество и рад поддержать детей, детство которых выпало на такое не простое время.

https://rodinananeve.ru/teatr-u-narvskih-vorot-podarit-novogodnij-perepoloh-detyam-mariupolya/

Выезд из Шушар: дорога из преисподней

Посёлок Шушары, находящийся на юге Санкт-Петербурга, известен обывателю своей близостью к аэропорту Пулково. Поселение быстро развивается, стремительно растёт число его жителей. Только вот автовладельцы этому совсем не рады.

В мае 2024 года было открыто две новые полосы для выезда на КАД, но по каким-либо неизвестным причинам выезд постоянно перекрывали, попутно открывая старый. Все махинации приводили к усложнению ситуации на дорогах внутри самого посёлка, ведь не каждый житель знал, куда ему ехать.

В сентябре 2024 года состоялась церемония открытия новой школы, на которую приехал Александр Дмитриевич Беглов, губернатор Санкт-Петербурга. Именно к данному событию было приурочено открытие нового выезда, который должен был начать функционировать с 1 декабря. К сожалению, все это являлось лишь показной акцией. Выезд снова начали то закрывать, то открывать, что послужило началом апокалипсиса, который не может закончиться до сих пор.

Представьте себе, что вам нужно быть на работе к 8 утра. На сборы вы отводите примерно час, садитесь в машину и через 30-40 минут вы уже на месте. А теперь переместим ваше привычное утро в суровые реалии посёлка Шушары. Чтобы приехать на работу к 8 утра, вы должны будете встать не в 6 часов, а в 4, чтобы в 5 утра уже быть за рулём. Пробка может начаться от вашего дома, а закончиться лишь около станции Купчино, если вы едете на север – в центр города.

«Раньше до Купчино даже утром можно было доехать ну минут за 20. Сейчас я не могу совершенно спланировать выезд, если мне нужно в город, выхожу всегда с большим запасом времени, потому что выезжать из Шушар порой приходится и по часу. И это только из Шушар! Тогда как ранее на работу до Невского я добиралась максимум за 50 минут», – жалуется жительница Шушар Екатерина.

Посмотрев на карту в обычное утро, можно будет заметить бордовые полосы и отметку в «7-8» баллов, когда речь идёт о ситуации на дороге. Стоя в пробке около часа у кладбища, которое находится рядом с выездом на КАД, теряется вся магия утра. Местные жители уже шутят на эту тему: «Когда выезжаю из Шушар в час пик, думаю: как хорошо тем, кто отмучился уже» (отзыв на «Яндекс-Картах»).

Опоздания на работу, отмененные встречи, переполненные автобусы, истраченные нервы и потеря интереса к жизни в посёлке – всё это лишь часть последствий, которые получают жители от непростой ситуации. Несколько раз жители Шушар подавали обращения в ГАИ, МВД, в администрацию посёлка и города. К сожалению, ответы на них приходили однозначные, что такой большой проблемы нет, а строительные работы когда-нибудь закончатся. Из таких ответов следует, что все эти страдания были лишь выдумкой. Тогда остается вопрос; а что делать с фотографиями и видео, описывающими всё то, чего «нет». Вопрос, скорее, риторический.

Полностью текст о ситуации с выездом из Шушар - на сайте "Родина на Неве" + фото