«Тимоклея, убивающая своего насильника», Элизабетта Сирани
1659 г.
Elisabetta Sirani (1638-1665) - итальянская художница болонской школы эпохи барокко. Оставила около 200 живописных и графических работ, находящихся сегодня в различных музеях Европы и США. Героиня ее картины «Тимоклея, убивающая своего насильника» (второе название: «Тимоклея, сталкивающая в колодец своего насильника») не мстила врагам за разрушенные и разграбленные города. Она мстила за себя.
Плутарх рассказывает нам, что в 338 году до н.э. фракийские войска вторглись в Фивы. Капитан фракийских войск изнасиловал жительницу Фив Тимоклею в ее доме. После этого он спросил ее, знает ли она, где можно найти деньги. Она ответила, что да, отвела капитана к колодцу в своем саду и сказала, что в колодце есть деньги. Когда он заглянул в нее, она его толкнула.Затем бросала тяжелые камни, пока капитан не умер.
#НемолчиУз #женщинывискусстве
1659 г.
Elisabetta Sirani (1638-1665) - итальянская художница болонской школы эпохи барокко. Оставила около 200 живописных и графических работ, находящихся сегодня в различных музеях Европы и США. Героиня ее картины «Тимоклея, убивающая своего насильника» (второе название: «Тимоклея, сталкивающая в колодец своего насильника») не мстила врагам за разрушенные и разграбленные города. Она мстила за себя.
Плутарх рассказывает нам, что в 338 году до н.э. фракийские войска вторглись в Фивы. Капитан фракийских войск изнасиловал жительницу Фив Тимоклею в ее доме. После этого он спросил ее, знает ли она, где можно найти деньги. Она ответила, что да, отвела капитана к колодцу в своем саду и сказала, что в колодце есть деньги. Когда он заглянул в нее, она его толкнула.Затем бросала тяжелые камни, пока капитан не умер.
#НемолчиУз #женщинывискусстве
Любая, кто думает, что все великие классические художники были мужчинами, ошибается.
Вот Элизабетта Сирани, которая в 17 веке изображала женщин, бросающих своих насильников в колодцы, владеющих мечом справедливости, отрубающих мужским головам.
Это единственная женщина тех лет, удостоенная включения в книгу о художниках Болоньи.
Элизабетта Сирани была не по годам мудра. Она вела, в отличие от других мужчин- художниц, список картин и их заказчиков. Все свои картины она подписывала, чтобы не оставалось сомнений в ее авторстве. Иногда возникало недоверие в том, что действительно Элизабетта пишет картины. Ходили слухи, что за нее это делает отец или рабы, так как с момента заказа работы до момента ее получения проходило слишком мало времени. Тогда художница собирала людей и при них рисовала. Скоро, сомневающихся в том, что Элизабетта Сирани пишет сама, не стало.
Ей принадлежит создание в Болонье первой школы для женщин-художниц, где преподавали не мужчины, а женщины. Теперь талантливые художницы Европы могли изучать живопись не только за стенами монастыря.
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Вот Элизабетта Сирани, которая в 17 веке изображала женщин, бросающих своих насильников в колодцы, владеющих мечом справедливости, отрубающих мужским головам.
Это единственная женщина тех лет, удостоенная включения в книгу о художниках Болоньи.
Элизабетта Сирани была не по годам мудра. Она вела, в отличие от других мужчин- художниц, список картин и их заказчиков. Все свои картины она подписывала, чтобы не оставалось сомнений в ее авторстве. Иногда возникало недоверие в том, что действительно Элизабетта пишет картины. Ходили слухи, что за нее это делает отец или рабы, так как с момента заказа работы до момента ее получения проходило слишком мало времени. Тогда художница собирала людей и при них рисовала. Скоро, сомневающихся в том, что Элизабетта Сирани пишет сама, не стало.
Ей принадлежит создание в Болонье первой школы для женщин-художниц, где преподавали не мужчины, а женщины. Теперь талантливые художницы Европы могли изучать живопись не только за стенами монастыря.
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Артемизия Джантилески — одна из немногочисленных художниц Европы Нового времени. Первая женщина, избранная в члены Академии живописного искусства во Флоренции. Её отец был художником, мать умерла, когда дочери было двенадцать.
Она была обесчещена флорентийским художником Агостино Тасси, работавшим вместе с её отцом. После семимесячного судебного разбирательства, унизительного и мучительного для Артемизии, Тасси был признан виновным и приговорён к году тюрьмы.
⠀
Не удивительно, что излюбленной темой Артимизии стало социальное положение женщины. Картина «Сусанна и старцы»представляет эпизод из книги втохозаветного пророка Даниила. Благочестивая замужняя дама Сусанна не по своей вине становится объектом вожделения двух уважаемых в обществе старцев. Застав Сусанну одну в саду во время омовения, они шантажируют ее, а не добившись успеха, обвиняют ее в супружеской измене. Суд и народ верят старцам и готовятся казнить Сусанну. В последнюю минуту благодаря пророку Даниилу, который допросил старцев раздельно, Сусанна была спасена. Уличенных во лжи старейшин казнили.
⠀
Средневековое искусство возлагает вину на похотливых и лживых старцев, Сусанна же предстает героиней пассивной и праведной, иногда даже убирается эротический элемент и Сусанна изображается полностью одетой. В эпоху Ренессанса и барокко вина перекладывается на Сусанну — она изображается не просто обнаженной, но и в развратных позах, с вызовом глядящей на зрителя или — тщеславно — в зеркало, старцы же зачастую отходят на второй план — они просто прячутся и подглядывают.
⠀
Артимизия возвращается к средневековой трактовке сюжета. Ее картина была написана во время судебного процесса, на котором художница смело, со всеми подробностями описала действия насильника и свои.
В 1998 году художница-феминистка Катлин Гилье соединила эти два сюжета, сделав как бы рентген полотна 1610 года, где под известным нам изображением проступает якобы существовавший подмалевок, отражающий подлинную историю юной Артемизии.
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Она была обесчещена флорентийским художником Агостино Тасси, работавшим вместе с её отцом. После семимесячного судебного разбирательства, унизительного и мучительного для Артемизии, Тасси был признан виновным и приговорён к году тюрьмы.
⠀
Не удивительно, что излюбленной темой Артимизии стало социальное положение женщины. Картина «Сусанна и старцы»представляет эпизод из книги втохозаветного пророка Даниила. Благочестивая замужняя дама Сусанна не по своей вине становится объектом вожделения двух уважаемых в обществе старцев. Застав Сусанну одну в саду во время омовения, они шантажируют ее, а не добившись успеха, обвиняют ее в супружеской измене. Суд и народ верят старцам и готовятся казнить Сусанну. В последнюю минуту благодаря пророку Даниилу, который допросил старцев раздельно, Сусанна была спасена. Уличенных во лжи старейшин казнили.
⠀
Средневековое искусство возлагает вину на похотливых и лживых старцев, Сусанна же предстает героиней пассивной и праведной, иногда даже убирается эротический элемент и Сусанна изображается полностью одетой. В эпоху Ренессанса и барокко вина перекладывается на Сусанну — она изображается не просто обнаженной, но и в развратных позах, с вызовом глядящей на зрителя или — тщеславно — в зеркало, старцы же зачастую отходят на второй план — они просто прячутся и подглядывают.
⠀
Артимизия возвращается к средневековой трактовке сюжета. Ее картина была написана во время судебного процесса, на котором художница смело, со всеми подробностями описала действия насильника и свои.
В 1998 году художница-феминистка Катлин Гилье соединила эти два сюжета, сделав как бы рентген полотна 1610 года, где под известным нам изображением проступает якобы существовавший подмалевок, отражающий подлинную историю юной Артемизии.
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Ее картины продавались в несколько раз дороже, чем полотна Рембрандта и очень высоко ценились критиками.
3 июня 1664 годa родилась Рашель РЮЙШ Rachel Ruysch нидерландская художница эпохи барокко, мастер натюрморта, первая женщина-живописец, принятая в гильдию художников Гааги.
Рашель была первой из 12 детей Фредерика Рюйша, анатома, ученого, неугомонного человека, который стал автором многих научных открытий и прожил 92 года, чтобы уж точно сделать все, что он запланировал.
Рашель родилась в Гааге. Когда ей было 3 года, семья переехала в Амстердам. Ее отцу предложили преподавать анатомию студентам и стать директором недавно основанного ботанического сада - Ортус Ботаникус.
Художественный талант своей дочери Рашель Фредерик Рюйш заметил, когда она помогала ему в оформлении гербариев - делала зарисовки. Быстро стало понятно, что Рашель очень хорошо удаются изображения цветочков, растений, всяких мелких гадов и насекомых.
Ей было 14 лет, она была набожна, богата, призрак замужества не тревожил ее светлую голову, и было решено - талант развивать!
В то время это выглядело немного странно и, возможно, скандально, но в семье, где полдома занимает музей с «анатомическими натюрмортами», действовали другие правила. И снова свет путеводной звезды — семья жила на Цветочном канале, а соседом им приходился знаменитый художник, мастер натюрморта Виллем ван Алст.
Рашель была очень внимательной и настойчивой. Ван Алст обучал ее придавать цветам на картине объем и живость, располагать их так, чтобы создавалось впечатление легкости и творческого беспорядка.
До самой смерти учителя в 1683 году Рашель оттачивала свой талант и находила новые методы изображения растений.
В 18 лет она стала подписывать свои картины, ее сразу стали называть «вундеркиндом из Голландии» и «нашей тонкой героиней искусства».
В то время в Голландии царило «устремление к природе»: жители городов разводили огородики, сажали растения, разбивали сады и парки. Страна стала крупнейшим импортером новых и экзотических растений со всего мира. Рюйш с ее знаниями ботаники и скрупулезным подходом к живописи соответствовала общим настроениями страны, и это сделало ее популярной.
В 29 лет Рашель вышла замуж за художника-портретиста Юридана Пола.
В семье Рюйш-Пол родилось 10 детей, трое умерли сразу, а еще четверо - в подростковом и молодом возрасте.
Рашель продолжала писать всегда, даже в самые тяжелые периоды жизни.
В 1701 году Рашель стала первой женщиной-живописцем, принятой в братство художников Гааги.
Следующий шаг в творческой карьере - должность придворного художника курфюрста Пфальцского Иоганна Вильгельма - с 1708 по 1716 год.
Он был страстным почитателем искусства и заботливым работодателем - освободил Рашель от нахождения при дворе в Дюссельдорфе, и она по-прежнему жила в Амстердаме.
Ей платили стипендию и по условиям сотрудничества она писала одну картину в год для коллекции курфюрста.
Помимо дистанционной придворной работы у Рашель был свой агент, и она получала заказы на картины от иностранных коллекционеров.
А в 1723 в жизнь Рашель вмешался счастливый случай.
Она выиграла в Лотерею Северных Нидерландов 75 000 гульденов - огромная сумма, коротая решила все финансовые проблемы семьи.
Последняя картина Рашель подписана 1747 годом.
Художнице было 83, она овдовела, в живых остались только трое ее сыновей.
И вот тогда она перестала писать, спустя 65 лет после первых опытов. В год ее смерти ей преподнесли подарок - сборник стихов о ее творчестве «Стихи для прекрасной художницы-мастерицы Рашель Рюйш».
Она стала первым живописцем в Голландии, удостоенным такой чести.
Из 250 известных полотен Рюйш до нашего времени уцелели лишь около сотни картин.
Как и работы ее отца, они поражают даже спустя несколько веков.
Источник: https://artchive.ru/rachelruysch
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
3 июня 1664 годa родилась Рашель РЮЙШ Rachel Ruysch нидерландская художница эпохи барокко, мастер натюрморта, первая женщина-живописец, принятая в гильдию художников Гааги.
Рашель была первой из 12 детей Фредерика Рюйша, анатома, ученого, неугомонного человека, который стал автором многих научных открытий и прожил 92 года, чтобы уж точно сделать все, что он запланировал.
Рашель родилась в Гааге. Когда ей было 3 года, семья переехала в Амстердам. Ее отцу предложили преподавать анатомию студентам и стать директором недавно основанного ботанического сада - Ортус Ботаникус.
Художественный талант своей дочери Рашель Фредерик Рюйш заметил, когда она помогала ему в оформлении гербариев - делала зарисовки. Быстро стало понятно, что Рашель очень хорошо удаются изображения цветочков, растений, всяких мелких гадов и насекомых.
Ей было 14 лет, она была набожна, богата, призрак замужества не тревожил ее светлую голову, и было решено - талант развивать!
В то время это выглядело немного странно и, возможно, скандально, но в семье, где полдома занимает музей с «анатомическими натюрмортами», действовали другие правила. И снова свет путеводной звезды — семья жила на Цветочном канале, а соседом им приходился знаменитый художник, мастер натюрморта Виллем ван Алст.
Рашель была очень внимательной и настойчивой. Ван Алст обучал ее придавать цветам на картине объем и живость, располагать их так, чтобы создавалось впечатление легкости и творческого беспорядка.
До самой смерти учителя в 1683 году Рашель оттачивала свой талант и находила новые методы изображения растений.
В 18 лет она стала подписывать свои картины, ее сразу стали называть «вундеркиндом из Голландии» и «нашей тонкой героиней искусства».
В то время в Голландии царило «устремление к природе»: жители городов разводили огородики, сажали растения, разбивали сады и парки. Страна стала крупнейшим импортером новых и экзотических растений со всего мира. Рюйш с ее знаниями ботаники и скрупулезным подходом к живописи соответствовала общим настроениями страны, и это сделало ее популярной.
В 29 лет Рашель вышла замуж за художника-портретиста Юридана Пола.
В семье Рюйш-Пол родилось 10 детей, трое умерли сразу, а еще четверо - в подростковом и молодом возрасте.
Рашель продолжала писать всегда, даже в самые тяжелые периоды жизни.
В 1701 году Рашель стала первой женщиной-живописцем, принятой в братство художников Гааги.
Следующий шаг в творческой карьере - должность придворного художника курфюрста Пфальцского Иоганна Вильгельма - с 1708 по 1716 год.
Он был страстным почитателем искусства и заботливым работодателем - освободил Рашель от нахождения при дворе в Дюссельдорфе, и она по-прежнему жила в Амстердаме.
Ей платили стипендию и по условиям сотрудничества она писала одну картину в год для коллекции курфюрста.
Помимо дистанционной придворной работы у Рашель был свой агент, и она получала заказы на картины от иностранных коллекционеров.
А в 1723 в жизнь Рашель вмешался счастливый случай.
Она выиграла в Лотерею Северных Нидерландов 75 000 гульденов - огромная сумма, коротая решила все финансовые проблемы семьи.
Последняя картина Рашель подписана 1747 годом.
Художнице было 83, она овдовела, в живых остались только трое ее сыновей.
И вот тогда она перестала писать, спустя 65 лет после первых опытов. В год ее смерти ей преподнесли подарок - сборник стихов о ее творчестве «Стихи для прекрасной художницы-мастерицы Рашель Рюйш».
Она стала первым живописцем в Голландии, удостоенным такой чести.
Из 250 известных полотен Рюйш до нашего времени уцелели лишь около сотни картин.
Как и работы ее отца, они поражают даже спустя несколько веков.
Источник: https://artchive.ru/rachelruysch
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Сюзанна Валадон трижды вошла в историю искусства – как модель, запечатленная на множестве известных полотен и рисунков, как одаренная художница, и наконец, как одна из тех ярких, дерзких, очаровательных женщин, без которых невозможно представить себе жизнь парижской богемы рубежа 19-20 веков.
Мaри Клементина Валадон, внебрачная дочь прачки, родилась в 1865 году, приехала с матерью в Париж пятилетней девочкой, сколько-нибудь приличного образования не получила, с детства любила рисовать и с детства же подрабатывала, как могла, - служила нянькой, швеей, официанткой в бистро, торговала на рынке. Начала карьеру цирковой акробатки, но после падения с высоты о цирке пришлось забыть.
Ее знакомству с парижскими художниками помогла профессия матери: та открыла на Монмартре прачечную, и обязанностью Мари стала доставка белья на дом. Одним из клиентов прачечной оказался известный художник из Лиона Пьер Пюви де Шаванн. Он по достоинству оценил классические формы и выразительное лицо девушки и пригласил ее позировать. Почти все фигуры монументального панно Пюви де Шаванна "Священная роща" (1884), которое ныне украшает вестибюль Музея изящных искусств в Лионе, рисованы с юной Мари Клементины.
Вскоре девушка начала позировать и другим художникам - Анри де Тулуз-Лотреку, Огюсту Ренуару, Эдгару Дега, Теофилю Стейнлену. Это она, прелестная и соблазнительная, танцует на полотнах Ренуара "Танец в Буживале" (1883) и "Танец в городе" (1883), стоит с корзиной в руках на фоне черных зонтов ("Зонтики", 1883). Это она, миловидная, свежая, с правильными чертами лица и скульптурным телом, смотрит с портрета Ренуара ("Девушка, расчесывающая косу", 1885). Это она – гибкая обнаженная купальщица Дега ("Купание в тазу", 1886).
Художники, которые рисовали и писали Сюзанну (это имя с годами полностью вытеснило ее собственное) и не догадывались о том, что натурщица не только позирует, но и прилежно учится у каждого из них. Сюзанна внимательно наблюдала за тем, как создаются рисунки и картины, а дома, втайне от всех, работала над собственными произведениями. Она долго не решалась показать кому-либо свои творения, а осмелившись, пустилась на хитрость: ее наброски "как бы случайно" попались на глаза Тулуз-Лотреку. Лишь увидев, как он поражен и восхищен, Сюзанна призналась, что занимается живописью. Лотрек повесил работы Сюзанны в своей мастерской и удивлял ими гостей, которые и мысли не допускали, что уверенная рука автора принадлежит самоучке, да к тому же женщине!
В 1890 году Сюзанна показала свои произведения строгому мэтру Эдгару Дега, который без колебаний заявил "Вы наша!", купил у нее несколько работ и впоследствии оказывал молодой художнице покровительство. Валадон довольно быстро добилась успеха и признания. В 1894 году она стала первой женщиной, принятой в Национальное общество изящных искусств, участвовала во многих групповых выставках, однако ее первая персональная экспозиция состоялась лишь в 1911 году.
Валадон очень серьезно относилась к работе, годами совершенствовала свои полотна и утверждала – вполне в ее стиле – что держит дома козу, которой "поручает" поедать неудачные холсты. Несмотря на такую требовательность художницы к себе, ее наследие довольно внушительно - 475 картин, 275 рисунков, 31 офорт.
"Не приводите ко мне женщин, которые ждут, что я изображу их обаятельными или приукрашенными, я их немедленно разочарую", - говорила художница.
Валадон – истинная находка для феминисток: в ее работах ощущаются неженская мощь и внутренняя монументальность, все ее творчество отрицает облегченное "женское искусство".
В честь Сюзанны Валадон названа небольшая площадь у подножия Монмартра, ее имя носит небесное тело – астероид 6937 Valadon.
Авторка: marinagra
#НемолчиУз #женщинывискусстве
Мaри Клементина Валадон, внебрачная дочь прачки, родилась в 1865 году, приехала с матерью в Париж пятилетней девочкой, сколько-нибудь приличного образования не получила, с детства любила рисовать и с детства же подрабатывала, как могла, - служила нянькой, швеей, официанткой в бистро, торговала на рынке. Начала карьеру цирковой акробатки, но после падения с высоты о цирке пришлось забыть.
Ее знакомству с парижскими художниками помогла профессия матери: та открыла на Монмартре прачечную, и обязанностью Мари стала доставка белья на дом. Одним из клиентов прачечной оказался известный художник из Лиона Пьер Пюви де Шаванн. Он по достоинству оценил классические формы и выразительное лицо девушки и пригласил ее позировать. Почти все фигуры монументального панно Пюви де Шаванна "Священная роща" (1884), которое ныне украшает вестибюль Музея изящных искусств в Лионе, рисованы с юной Мари Клементины.
Вскоре девушка начала позировать и другим художникам - Анри де Тулуз-Лотреку, Огюсту Ренуару, Эдгару Дега, Теофилю Стейнлену. Это она, прелестная и соблазнительная, танцует на полотнах Ренуара "Танец в Буживале" (1883) и "Танец в городе" (1883), стоит с корзиной в руках на фоне черных зонтов ("Зонтики", 1883). Это она, миловидная, свежая, с правильными чертами лица и скульптурным телом, смотрит с портрета Ренуара ("Девушка, расчесывающая косу", 1885). Это она – гибкая обнаженная купальщица Дега ("Купание в тазу", 1886).
Художники, которые рисовали и писали Сюзанну (это имя с годами полностью вытеснило ее собственное) и не догадывались о том, что натурщица не только позирует, но и прилежно учится у каждого из них. Сюзанна внимательно наблюдала за тем, как создаются рисунки и картины, а дома, втайне от всех, работала над собственными произведениями. Она долго не решалась показать кому-либо свои творения, а осмелившись, пустилась на хитрость: ее наброски "как бы случайно" попались на глаза Тулуз-Лотреку. Лишь увидев, как он поражен и восхищен, Сюзанна призналась, что занимается живописью. Лотрек повесил работы Сюзанны в своей мастерской и удивлял ими гостей, которые и мысли не допускали, что уверенная рука автора принадлежит самоучке, да к тому же женщине!
В 1890 году Сюзанна показала свои произведения строгому мэтру Эдгару Дега, который без колебаний заявил "Вы наша!", купил у нее несколько работ и впоследствии оказывал молодой художнице покровительство. Валадон довольно быстро добилась успеха и признания. В 1894 году она стала первой женщиной, принятой в Национальное общество изящных искусств, участвовала во многих групповых выставках, однако ее первая персональная экспозиция состоялась лишь в 1911 году.
Валадон очень серьезно относилась к работе, годами совершенствовала свои полотна и утверждала – вполне в ее стиле – что держит дома козу, которой "поручает" поедать неудачные холсты. Несмотря на такую требовательность художницы к себе, ее наследие довольно внушительно - 475 картин, 275 рисунков, 31 офорт.
"Не приводите ко мне женщин, которые ждут, что я изображу их обаятельными или приукрашенными, я их немедленно разочарую", - говорила художница.
Валадон – истинная находка для феминисток: в ее работах ощущаются неженская мощь и внутренняя монументальность, все ее творчество отрицает облегченное "женское искусство".
В честь Сюзанны Валадон названа небольшая площадь у подножия Монмартра, ее имя носит небесное тело – астероид 6937 Valadon.
Авторка: marinagra
#НемолчиУз #женщинывискусстве
«Мои эмоции несоразмерны моим физическим габаритам. Не сами эмоции, а их сила — она просто непереносима для меня. Поэтому я отдаю их энергию скульптурам». Тревожные, шокирующе откровенные работы Луизы Буржуа — один из самых ярких примеров арт-терапии в истории искусства XX века.
⠀
Все начиналось как донельзя банальная история: ребенком Буржуа стала свидетельницей систематических отцовских измен матери с английской гувернанткой Сэди, которая жила у них дома. По воспоминаниям художницы, мать, терпеливая и разумная женщина, знала о похождениях мужа, но предпочитала закрывать на это глаза. Однако маленькую Буржуа эта ситуация непоправимо покалечила и стала импульсом к началу художественной практики.
⠀
Кульминацией этого травмирующего лейтмотива в творчестве Буржуа станут две работы, посвященные ее родителям. Первая и, пожалуй, одна из самых одиозных ее работ, — знаменитое «Разрушение отца» (Destruction of father, 1974), а по сути, инсценировка каннибалистического пира, «тотемной трапезы», во время которой семья разделывает, а затем поглощает деспотичного отца.
⠀
Вторая — «Мама», серия огромных, отлитых из бронзы и стали фигур паучих с телом-корзиной, в которой лежат массивные мраморные яйца. Вызывающие прилив хтонического ужаса скульптуры, в которых Буржуа воплотила образ матери, одновременно боготворимой и презираемой, разбросаны по всем миру. Самая знаменитая охраняет вход в Музей Гуггенхайма в Бильбао. «Почему паук? Моя мать была такой же умной, терпеливой, проницательной и полезной. И она умела защитить себя», — утверждала Буржуа. Ее одержимость мифологией окончательно закольцевалась с ее семейной историей. Мать Луизы занималась ткачеством (семья держала маленькую фабрику ковров и мастерскую по реставрации шпалер), и потому легенда о древней гречанке Арахне, уличившей богов в прелюбодеяниях и в наказание за святотатство обреченной вечно плести паучьи сети, оказалась для Луизы почти ее собственной историей.
⠀
Одна из самых известных ее работ «Слепой, ведущий слепого» (1947) — отсылка к шедевру Питера Брейгеля Старшего «Притча о слепых». Конструкция из 20 длинных розовых сужающихся книзу деревянных подпорок, соединенных наверху непрочной стяжкой буквально излучает неустойчивость и ненадежность. Луиза заявляет, что скульптура — просто реминисценция ее жгучего детского желания спрятаться под столом во время семейных скандалов.
⠀
Мятущийся творческий дух и мучительная избранность художника удивительным образом ничуть не противоречили благополучию и состоятельности Луизы в качестве счастливой жены и матери троих детей. В 1938 году она вышла замуж за выпускника Гарварда, американского искусствоведа Роберта Голдуотера и переехала вместе с ним в Нью-Йорк. Любимого мужа Луиза пережила почти на 40 лет, но после его смерти не впала в депрессию, а, напротив, зажила еще более насыщенной творческой жизнью, к ней пришел успех, в том числе и коммерческий. Поразительно, но в буквальном смысле душераздирающее творческое наследие Буржуа совершенно не отражает реалий ее взрослой жизни: никаких трагедий и потрясений в сознательном возрасте с Луизой не произошло.
⠀
Уйдя из жизни в возрасте 98 лет, Луиза Буржуа осталась в истории искусства одним из самых влиятельных художников современности, ярой феминисткой и просто удивительно красивой старухой.
⠀
Источник: the blue print
⠀
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
⠀
Все начиналось как донельзя банальная история: ребенком Буржуа стала свидетельницей систематических отцовских измен матери с английской гувернанткой Сэди, которая жила у них дома. По воспоминаниям художницы, мать, терпеливая и разумная женщина, знала о похождениях мужа, но предпочитала закрывать на это глаза. Однако маленькую Буржуа эта ситуация непоправимо покалечила и стала импульсом к началу художественной практики.
⠀
Кульминацией этого травмирующего лейтмотива в творчестве Буржуа станут две работы, посвященные ее родителям. Первая и, пожалуй, одна из самых одиозных ее работ, — знаменитое «Разрушение отца» (Destruction of father, 1974), а по сути, инсценировка каннибалистического пира, «тотемной трапезы», во время которой семья разделывает, а затем поглощает деспотичного отца.
⠀
Вторая — «Мама», серия огромных, отлитых из бронзы и стали фигур паучих с телом-корзиной, в которой лежат массивные мраморные яйца. Вызывающие прилив хтонического ужаса скульптуры, в которых Буржуа воплотила образ матери, одновременно боготворимой и презираемой, разбросаны по всем миру. Самая знаменитая охраняет вход в Музей Гуггенхайма в Бильбао. «Почему паук? Моя мать была такой же умной, терпеливой, проницательной и полезной. И она умела защитить себя», — утверждала Буржуа. Ее одержимость мифологией окончательно закольцевалась с ее семейной историей. Мать Луизы занималась ткачеством (семья держала маленькую фабрику ковров и мастерскую по реставрации шпалер), и потому легенда о древней гречанке Арахне, уличившей богов в прелюбодеяниях и в наказание за святотатство обреченной вечно плести паучьи сети, оказалась для Луизы почти ее собственной историей.
⠀
Одна из самых известных ее работ «Слепой, ведущий слепого» (1947) — отсылка к шедевру Питера Брейгеля Старшего «Притча о слепых». Конструкция из 20 длинных розовых сужающихся книзу деревянных подпорок, соединенных наверху непрочной стяжкой буквально излучает неустойчивость и ненадежность. Луиза заявляет, что скульптура — просто реминисценция ее жгучего детского желания спрятаться под столом во время семейных скандалов.
⠀
Мятущийся творческий дух и мучительная избранность художника удивительным образом ничуть не противоречили благополучию и состоятельности Луизы в качестве счастливой жены и матери троих детей. В 1938 году она вышла замуж за выпускника Гарварда, американского искусствоведа Роберта Голдуотера и переехала вместе с ним в Нью-Йорк. Любимого мужа Луиза пережила почти на 40 лет, но после его смерти не впала в депрессию, а, напротив, зажила еще более насыщенной творческой жизнью, к ней пришел успех, в том числе и коммерческий. Поразительно, но в буквальном смысле душераздирающее творческое наследие Буржуа совершенно не отражает реалий ее взрослой жизни: никаких трагедий и потрясений в сознательном возрасте с Луизой не произошло.
⠀
Уйдя из жизни в возрасте 98 лет, Луиза Буржуа осталась в истории искусства одним из самых влиятельных художников современности, ярой феминисткой и просто удивительно красивой старухой.
⠀
Источник: the blue print
⠀
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Художница родилась в штате Огайо, США, в 1950 году — в центре страны, в середине столетия. Безусловно, время и место отпечатались на личности Хольцер и на ее искусстве.
⠀
Она органично вписала себя в контекст американской художественной сцены, заняв свой особый вагон в мощном поезде поп-арта. Сам поп-арт — продукт воистину американский, родившийся именно там не случайно, а как логичная реакция на культурные особенности страны.
Вслед за Уорхолом, говорящим на языке рекламы со зрителем, которого назовут массовым потребителем, за Джозефом Кошутом, создающим работы, основанные на тексте, Дженни Хольцер кристаллизует оба подхода, доводя их до чистого апогея.
Она выводит свои словесные послания туда, откуда обычно транслируют рекламу, — на огромные экраны Таймс-сквер, на билборды и вывески, футболки и кепки.
⠀
Выбор художницей таких непривычных для концептуального искусства носителей — безусловно, не случаен. Дженни Хольцер, как и многие, использует свое творчество как язык, при помощи которого можно изменить мир. Но, в отличие от тех же многих, она не надеется лишь на горстку привилегированных искусствоведов и посетителей модных галерей.
Ее цель — достучаться до как можно большего числа людей. Для этого она и вступает во взаимосвязь с популярной культурой, для этого делает свое искусство максимально простым и понятным, для этого она отбрасывает тщеславие и выносит свои произведения на улицы, где прохожие зачастую даже не знают, что это искусство вообще.
⠀
Такой была самая первая серия работ Дженни Хольцер, которая стала и одной из наиболее известных в ее практике. Серия называлась «Трюизмы» (прописные истины) и представляла собой множество бумажных плакатов с емкими фразами, расклеенных по улицам Нью-Йорка.
Неожиданно даже для самой художницы проект стал интерактивным — прохожие дописывали на плакатах свои мысли и идеи, выражали свою поддержку или, наоборот, несогласие. Партисипативная составляющая в искусстве Хольцер будет присутствовать и в дальнейшем.
Среди художников Дженни Хольцер считается активисткой, так как она часто отстаивает свою гражданскую позицию, старается защищать равенство и права человека и все время критикует власть, не какое-то конкретное правительство, а сам институт давления и контроля. С 2004 года художница работает с рассекреченными архивами американских спецслужб, используя фрагменты документов в своих работах.
⠀
К примеру, Lustmord table — произведение, от одного названия которого мурашки по коже. Lustmord — это специфическое немецкое слово, означающее убийство на сексуальной почве.
Дженни Хольцер, как борец за справедливость и просто как неравнодушный человек, была в ужасе от зверств, происходящих во время военных конфликтов в странах бывшей Югославии, особенно от чудовищного количества изнасилований местных женщин.
Чувствуя необходимость высказаться об этом, художница раскладывает человеческие кости, к некоторым из которых прикрепляет серебряные полосы с выгравированными текстами. Текст описывает убийство с изнасилованием с трех разных точек зрения: потерпевший, преступник и наблюдатель [2].
Любопытно, что американка Хольцер впервые презентует эту свою работу в 1994 году, а звездная балканская художница Марина Абрамович свой перформанс, посвященный жертвам югославских войн, в котором она перемывала гору костей, представила только в 1997-м.
⠀
С течением времени искусство Дженни Хольцер трансформировалось. Художница прошла путь от абстрактной живописи и минимализма до стрит-арта и концептуальных инсталляций, однако ее главным козырем всегда оставалось слово. Стоит отметить, что и принцип подбора текстов менялся: поначалу Хольцер использовала в работе только те изречения, которые придумала сама.
⠀
Позже ее фокус сместился, и вместе с социальной критикой политических и насильственных явлений и потрясений автор предоставила право жертвам и участникам критикуемых ею событий говорить самим через ее искусство. Менялись интересы и темы, с которыми работает художница, но это всегда была и остается борьба за справедливость, доброту и любовь.
⠀
Источник: huxley media
⠀
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
⠀
Она органично вписала себя в контекст американской художественной сцены, заняв свой особый вагон в мощном поезде поп-арта. Сам поп-арт — продукт воистину американский, родившийся именно там не случайно, а как логичная реакция на культурные особенности страны.
Вслед за Уорхолом, говорящим на языке рекламы со зрителем, которого назовут массовым потребителем, за Джозефом Кошутом, создающим работы, основанные на тексте, Дженни Хольцер кристаллизует оба подхода, доводя их до чистого апогея.
Она выводит свои словесные послания туда, откуда обычно транслируют рекламу, — на огромные экраны Таймс-сквер, на билборды и вывески, футболки и кепки.
⠀
Выбор художницей таких непривычных для концептуального искусства носителей — безусловно, не случаен. Дженни Хольцер, как и многие, использует свое творчество как язык, при помощи которого можно изменить мир. Но, в отличие от тех же многих, она не надеется лишь на горстку привилегированных искусствоведов и посетителей модных галерей.
Ее цель — достучаться до как можно большего числа людей. Для этого она и вступает во взаимосвязь с популярной культурой, для этого делает свое искусство максимально простым и понятным, для этого она отбрасывает тщеславие и выносит свои произведения на улицы, где прохожие зачастую даже не знают, что это искусство вообще.
⠀
Такой была самая первая серия работ Дженни Хольцер, которая стала и одной из наиболее известных в ее практике. Серия называлась «Трюизмы» (прописные истины) и представляла собой множество бумажных плакатов с емкими фразами, расклеенных по улицам Нью-Йорка.
Неожиданно даже для самой художницы проект стал интерактивным — прохожие дописывали на плакатах свои мысли и идеи, выражали свою поддержку или, наоборот, несогласие. Партисипативная составляющая в искусстве Хольцер будет присутствовать и в дальнейшем.
Среди художников Дженни Хольцер считается активисткой, так как она часто отстаивает свою гражданскую позицию, старается защищать равенство и права человека и все время критикует власть, не какое-то конкретное правительство, а сам институт давления и контроля. С 2004 года художница работает с рассекреченными архивами американских спецслужб, используя фрагменты документов в своих работах.
⠀
К примеру, Lustmord table — произведение, от одного названия которого мурашки по коже. Lustmord — это специфическое немецкое слово, означающее убийство на сексуальной почве.
Дженни Хольцер, как борец за справедливость и просто как неравнодушный человек, была в ужасе от зверств, происходящих во время военных конфликтов в странах бывшей Югославии, особенно от чудовищного количества изнасилований местных женщин.
Чувствуя необходимость высказаться об этом, художница раскладывает человеческие кости, к некоторым из которых прикрепляет серебряные полосы с выгравированными текстами. Текст описывает убийство с изнасилованием с трех разных точек зрения: потерпевший, преступник и наблюдатель [2].
Любопытно, что американка Хольцер впервые презентует эту свою работу в 1994 году, а звездная балканская художница Марина Абрамович свой перформанс, посвященный жертвам югославских войн, в котором она перемывала гору костей, представила только в 1997-м.
⠀
С течением времени искусство Дженни Хольцер трансформировалось. Художница прошла путь от абстрактной живописи и минимализма до стрит-арта и концептуальных инсталляций, однако ее главным козырем всегда оставалось слово. Стоит отметить, что и принцип подбора текстов менялся: поначалу Хольцер использовала в работе только те изречения, которые придумала сама.
⠀
Позже ее фокус сместился, и вместе с социальной критикой политических и насильственных явлений и потрясений автор предоставила право жертвам и участникам критикуемых ею событий говорить самим через ее искусство. Менялись интересы и темы, с которыми работает художница, но это всегда была и остается борьба за справедливость, доброту и любовь.
⠀
Источник: huxley media
⠀
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
В мире комедии и клоунады, где всегда доминировали мужчины, женщинам, которые тоже хотели заниматься юмором, всегда было нелегко: женщина, которая была смешной, шутила и перевоплощалась в мужчин вызывала недоумение. Forbes Woman рассказывает истории нескольких выдающихся женщин-комиков и клоунесс, которые благодаря своему таланту, смелости и упорству преуспели в разных комедийных жанрах и проложили путь для будущих поколений юмористок.
Амелия Батлер считается первой упоминаемой профессиональной клоунессой в истории США, хотя информации о ней сохранилось немного. По данным редких газетных очерков 1853-1859 годов, известно, что она выступала в цирковых шоу, гастролируя по Канаде.
Появление женщины-клоуна стало вызовом для консервативной публики того времени. Если раньше женщины в цирке, выступая в роли акробаток или танцовщиц, воспринимались как объект восхищения в первую очередь из-за их внешности и физических данных, то Батлер заставила зрителей искренне смеяться. Отзывы критиков о клоунессе — отражение взглядов эпохи на позицию женщины на цирковой арене: одни высоко оценивали ее артистизм, выходящий за рамки привычной «женской» актерской игры, где было непозволительно быть слишком смешной, другие упрекали в излишней женственности для амплуа клоуна.
Источник: Forbes
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Амелия Батлер считается первой упоминаемой профессиональной клоунессой в истории США, хотя информации о ней сохранилось немного. По данным редких газетных очерков 1853-1859 годов, известно, что она выступала в цирковых шоу, гастролируя по Канаде.
Появление женщины-клоуна стало вызовом для консервативной публики того времени. Если раньше женщины в цирке, выступая в роли акробаток или танцовщиц, воспринимались как объект восхищения в первую очередь из-за их внешности и физических данных, то Батлер заставила зрителей искренне смеяться. Отзывы критиков о клоунессе — отражение взглядов эпохи на позицию женщины на цирковой арене: одни высоко оценивали ее артистизм, выходящий за рамки привычной «женской» актерской игры, где было непозволительно быть слишком смешной, другие упрекали в излишней женственности для амплуа клоуна.
Источник: Forbes
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Лулу Адамс родилась в 1900 году в Бельгии, где гастролировали ее родители: известный английский клоун Джо Крастон и акробатка Марта Кэшмор, от которых она и унаследовала любовь к цирковому искусству.
Девочка начала выступать в 12 лет, дебютировав в России в музыкальном номере с сестрой, но вскоре присоединилась к клоунским номерам отца.
К 17 годам она уже была уже самостоятельной разносторонней артисткой. Лулу играла на волынке, трубе, кларнете, саксофоне, кларнете, барабанах, пианино и скрипке, прекрасно пела, танцевала и играла в постановках.
Помимо этого Адамс была полиглотом: владела французским и немецким, а также обладала базовыми знаниями еще пяти языков.
Лулу стала одной из первых женщин-клоунов, выступавших в самых известных британских цирках своего времени. Также она работала в знаменитом американском цирке братьев Ринглинг, Барнума и Бейли.
«Я родилась в цирке, мать была наездницей и канатоходкой. Отец был акробатом и много кем еще... Я буду клоуном до самой смерти, — сказала она репортеру в 1950 году. — Такова сила цирка, вы никогда не сможете его покинуть».
Источник: Forbes
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Девочка начала выступать в 12 лет, дебютировав в России в музыкальном номере с сестрой, но вскоре присоединилась к клоунским номерам отца.
К 17 годам она уже была уже самостоятельной разносторонней артисткой. Лулу играла на волынке, трубе, кларнете, саксофоне, кларнете, барабанах, пианино и скрипке, прекрасно пела, танцевала и играла в постановках.
Помимо этого Адамс была полиглотом: владела французским и немецким, а также обладала базовыми знаниями еще пяти языков.
Лулу стала одной из первых женщин-клоунов, выступавших в самых известных британских цирках своего времени. Также она работала в знаменитом американском цирке братьев Ринглинг, Барнума и Бейли.
«Я родилась в цирке, мать была наездницей и канатоходкой. Отец был акробатом и много кем еще... Я буду клоуном до самой смерти, — сказала она репортеру в 1950 году. — Такова сила цирка, вы никогда не сможете его покинуть».
Источник: Forbes
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Псевдоним Ша-Ю-Као образовался из комбинации слов chahut (название эротического танца, популярного в середине XIX века и напоминавшего канкан) и chaos (хаос), которая была адаптирована на японский манер.
Не известно ни настоящее имя Ша-Ю-Као, ни место ее рождения. Считается, что она начинала карьеру как гимнастка и модель для фото — в молодости ее запечатлел фотограф Морис Гибер. До работы в знаменитом парижском кабаре «Мулен Руж» она выступала с клоунадой во втором заведении его совладельца Жозефа Оллера — цирке Nouveau.
Эпатажные выступления Ша-Ю-Као и ее стремление выйти за рамки просто танцовщицы в костюме клоуна, не боясь выглядеть смешной, были революционными для своего времени. Художник Анри де Тулуз-Лотрек был восхищен Ша-Ю-Као и написал ее портрет, на котором она надевает свой костюм перед выходом на сцену.
В то время как большинство женщин-артисток ограничивались «женственными» амплуа, Ша-Ю-Као не боялась перевоплощаться в мужские образы в своих выступлениях.
Источник: Forbes
#НеМолчиУз #женщинывискусстве
Не известно ни настоящее имя Ша-Ю-Као, ни место ее рождения. Считается, что она начинала карьеру как гимнастка и модель для фото — в молодости ее запечатлел фотограф Морис Гибер. До работы в знаменитом парижском кабаре «Мулен Руж» она выступала с клоунадой во втором заведении его совладельца Жозефа Оллера — цирке Nouveau.
Эпатажные выступления Ша-Ю-Као и ее стремление выйти за рамки просто танцовщицы в костюме клоуна, не боясь выглядеть смешной, были революционными для своего времени. Художник Анри де Тулуз-Лотрек был восхищен Ша-Ю-Као и написал ее портрет, на котором она надевает свой костюм перед выходом на сцену.
В то время как большинство женщин-артисток ограничивались «женственными» амплуа, Ша-Ю-Као не боялась перевоплощаться в мужские образы в своих выступлениях.
Источник: Forbes
#НеМолчиУз #женщинывискусстве