27 февраля 2020 года в Третьяковской галерее открылась выставка «Русская сказка. От Васнецова до сих пор», над которой работали Алексей и Мария Трегубовы. Выставку составили 90 экспонатов. Помимо живописи и графики, экспозиция охватила и такие направления, как фотография, видео, кино, театр. Мы решили вспомнить, что кураторы говорили об этом проекте:
Татьяна Гетман: «Изначально у меня была идея сделать мультидисциплинарный выставочный проект о русских сказках. Я хотела обратить внимание на тему, которую можно сформулировать так: "Сказочные миры и герои, которых мы визуализируем и представляем благодаря художникам". Я старалась раскрыть простую, но важную мысль, что без художников, без их видения наши представления о том, как выглядят сказочные персонажи,были бы совершенно непредсказуемыми, очень разными — не было бы узнаваемых черт, характеров, форм, детских воспоминаний о книжках и фильмах».
Алексей Трегубов: «Для меня важнее всего было не превратить проект в выставку произведений, иллюстрирующих сказки. Создать пространство, где человек, пришедший на выставку, встречает произведения искусства как персонажей сказки и сам становится её героем».
Игорь Волков: «Я считаю, что выставка "Русская сказка. От Васнецова до сих пор" важна уже потому, что вписывает творчество классика русского искусства, "народного" автора с обложек книг и обёрток конфет в широкий контекст современности. Проект ценен сочетанием разных эпох, видов искусства, сопоставлением "изящного", провокативного и популярного».
Татьяна Гетман: «Изначально у меня была идея сделать мультидисциплинарный выставочный проект о русских сказках. Я хотела обратить внимание на тему, которую можно сформулировать так: "Сказочные миры и герои, которых мы визуализируем и представляем благодаря художникам". Я старалась раскрыть простую, но важную мысль, что без художников, без их видения наши представления о том, как выглядят сказочные персонажи,были бы совершенно непредсказуемыми, очень разными — не было бы узнаваемых черт, характеров, форм, детских воспоминаний о книжках и фильмах».
Алексей Трегубов: «Для меня важнее всего было не превратить проект в выставку произведений, иллюстрирующих сказки. Создать пространство, где человек, пришедший на выставку, встречает произведения искусства как персонажей сказки и сам становится её героем».
Игорь Волков: «Я считаю, что выставка "Русская сказка. От Васнецова до сих пор" важна уже потому, что вписывает творчество классика русского искусства, "народного" автора с обложек книг и обёрток конфет в широкий контекст современности. Проект ценен сочетанием разных эпох, видов искусства, сопоставлением "изящного", провокативного и популярного».
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Месяц в деревне» (МХТ имени Антона Чехова)
Режиссёр: Егор Перегудов
Сценограф: Владимир Арефьев
В ролях: Наталья Рогожкина, Надежда Калеганова, Кузьма Котрелёв, Александр Семчев, Александр Усов, Эдуард Чекмазов, Павел Ворожцов, Анастасия Скорик, Мариэтта Волкова.
Именно с этого спектакля, поставленного в 2020 году, в совместных работах Перегудова и Арефьева началась так называемая тема «водной феерии», которая впоследствии продолжилась в спектаклях «Лес» (2023) и «Евгений Онегин» (2025).
Благодаря смелым визуальным решениям Владимира Арефьева и художника по свету Дамира Исмагилова зрители действительно как будто бы на несколько часов перенеслись в деревню, где с неба то и дело хлещет дождь, земля устлана настоящим сеном, а в воздухе витает туманная дымка. Чтобы никто из сидящих в зале не пострадал от капризов природы, отражающей накал страстей персонажей, публике в первых рядах даже специально выдавали пледы. Получился «такой Тургенев в 5D», как отмечал Егор Перегудов.
Режиссёр: Егор Перегудов
Сценограф: Владимир Арефьев
В ролях: Наталья Рогожкина, Надежда Калеганова, Кузьма Котрелёв, Александр Семчев, Александр Усов, Эдуард Чекмазов, Павел Ворожцов, Анастасия Скорик, Мариэтта Волкова.
Именно с этого спектакля, поставленного в 2020 году, в совместных работах Перегудова и Арефьева началась так называемая тема «водной феерии», которая впоследствии продолжилась в спектаклях «Лес» (2023) и «Евгений Онегин» (2025).
Благодаря смелым визуальным решениям Владимира Арефьева и художника по свету Дамира Исмагилова зрители действительно как будто бы на несколько часов перенеслись в деревню, где с неба то и дело хлещет дождь, земля устлана настоящим сеном, а в воздухе витает туманная дымка. Чтобы никто из сидящих в зале не пострадал от капризов природы, отражающей накал страстей персонажей, публике в первых рядах даже специально выдавали пледы. Получился «такой Тургенев в 5D», как отмечал Егор Перегудов.
Делимся книгой Александра Михельсона «Работа актёра над ролью».
Что значит сыграть роль? Что для этого нужно? Зачем актёр выходит на сцену? Для чего существует театр, искусство вообще? На эти и другие вопросы автор даёт ответы на страницах издания.
Всех, кто хочет глубже погрузиться в освоение навыков актёрского мастерства, мы ждём на нашем предстоящем курсе «Метод Страсберга». В формате «Стандарт» доступными остаются последние места, успейте забронировать своё.
Что значит сыграть роль? Что для этого нужно? Зачем актёр выходит на сцену? Для чего существует театр, искусство вообще? На эти и другие вопросы автор даёт ответы на страницах издания.
Всех, кто хочет глубже погрузиться в освоение навыков актёрского мастерства, мы ждём на нашем предстоящем курсе «Метод Страсберга». В формате «Стандарт» доступными остаются последние места, успейте забронировать своё.
7 и 8 февраля на Основной сцене Театра на Таганке пройдёт премьера спектакля Эдгара Закаряна «Рыжий. Я всех любил. Без дураков» по пьесе Владимира Антипова.
В название постановки вынесены слова из предсмертной записки поэта Бориса Рыжего, чьи стихи сегодня стали крайне популярными. При этом огромный интерес вызывает у читателей и личность их автора, его недолгая жизнь на рубеже XX и XXI веков и трагическая смерть. Название премьеры соответствует выбранной композиции — «ретроспективы короткой, но яркой жизни», в которой, как сказано в релизе, «путешествие по воспоминаниям начинается с финала — последнего дня жизни поэта».
Оригинальную пьесу для премьерного спектакля написал Владимир Антипов — актёр, режиссёр, драматург, ученик Юрия Красовского и сооснователь независимого петербургского театра «Организмы». Как чаще всего и бывает со спектаклями о Борисе Рыжем (а их в стране на сегодняшний день создано уже немало), создатели постановки стремятся найти баланс между подлинной судьбой Бориса Рыжего, реальной или мнимой автобиографичностью его поэзии и тем лирическим героем, который возникает в этих текстах. Второй мотив, также продиктованный самими сочинениями Рыжего и неизменно увлекающий постановщиков, — взаимоотношения между конкретной окружающей действительностью и уникальным талантом поэта, их связь и, возможно, конфликт.
Любопытно, что при этом создатели не акцентируют внимания на другой, не менее важной для Рыжего и его почитателей, теме — времени и эпохе. Хотя будущая премьера всё равно остаётся в логике «репертуарной линии» Театра на Таганке, исследующего в спектаклях либо советскую эпоху, либо её прямое наследие, авторы «Рыжего…» хотят рассмотреть историю жизни поэта как универсальную. «Художественный нарратив строится на ключевых событиях, определивших его судьбу: школа, боксёрский ринг, первая любовь к однокласснице и будущей жене, студенческий литературный клуб, публикации в журналах, первая слава, рождение ребёнка, общественный успех и… трагичный исход, как рок судьбы великих поэтов», — говорится в релизе.
Поскольку пространство интересует авторов спектакля несколько больше, чем время, одним из ключевых образов становится город (который в анонсах назван, как обычно у Рыжего, не Екатеринбургом, а Свердловском). В релизе сказано: «Как жизнь, так и поэзия Рыжего представляет собой синтез возвышенного и низменного, прекрасного и безобразного <отсылка к одному из важнейших стихотворений Рыжего „Так гранит покрывается наледью…“: „Как сказал тот, кто умер уже, / безобразное — это прекрасное, / что не может вместиться в душе. / Слишком много всего не вмещается“. — прим. редакции>. Зрители погружаются в атмосферу Свердловска — города, где, по словам поэта, он не встречал тех, кому было бы легко от поэзии. Спектакль показывает, как в сложной и неоднозначной среде, из сочетания обстоятельств и таланта рождается самобытная и неповторимая поэзия, которая оставила заметный след в русской литературе».
Сам режиссёр рассказывает о замысле постановки так: «Мне кажется, Борис Рыжий писал очень понятные и важные вещи, которые люди ощущают, но не могут сформулировать. И они до сих пор актуальны: противоречивость человеческой жизни, сочетание в одном человеке грубости и тонкой душевности, как, например, в образе „хулигана“ в кожаной куртке со шрамом на лице скрывается поэт с чувством сострадательной любви ко всем проявлениям жизни. И здесь мы стремимся к подлинному существованию артиста в обстоятельствах поэта».
Источник: «Театръ».
В название постановки вынесены слова из предсмертной записки поэта Бориса Рыжего, чьи стихи сегодня стали крайне популярными. При этом огромный интерес вызывает у читателей и личность их автора, его недолгая жизнь на рубеже XX и XXI веков и трагическая смерть. Название премьеры соответствует выбранной композиции — «ретроспективы короткой, но яркой жизни», в которой, как сказано в релизе, «путешествие по воспоминаниям начинается с финала — последнего дня жизни поэта».
Оригинальную пьесу для премьерного спектакля написал Владимир Антипов — актёр, режиссёр, драматург, ученик Юрия Красовского и сооснователь независимого петербургского театра «Организмы». Как чаще всего и бывает со спектаклями о Борисе Рыжем (а их в стране на сегодняшний день создано уже немало), создатели постановки стремятся найти баланс между подлинной судьбой Бориса Рыжего, реальной или мнимой автобиографичностью его поэзии и тем лирическим героем, который возникает в этих текстах. Второй мотив, также продиктованный самими сочинениями Рыжего и неизменно увлекающий постановщиков, — взаимоотношения между конкретной окружающей действительностью и уникальным талантом поэта, их связь и, возможно, конфликт.
Любопытно, что при этом создатели не акцентируют внимания на другой, не менее важной для Рыжего и его почитателей, теме — времени и эпохе. Хотя будущая премьера всё равно остаётся в логике «репертуарной линии» Театра на Таганке, исследующего в спектаклях либо советскую эпоху, либо её прямое наследие, авторы «Рыжего…» хотят рассмотреть историю жизни поэта как универсальную. «Художественный нарратив строится на ключевых событиях, определивших его судьбу: школа, боксёрский ринг, первая любовь к однокласснице и будущей жене, студенческий литературный клуб, публикации в журналах, первая слава, рождение ребёнка, общественный успех и… трагичный исход, как рок судьбы великих поэтов», — говорится в релизе.
Поскольку пространство интересует авторов спектакля несколько больше, чем время, одним из ключевых образов становится город (который в анонсах назван, как обычно у Рыжего, не Екатеринбургом, а Свердловском). В релизе сказано: «Как жизнь, так и поэзия Рыжего представляет собой синтез возвышенного и низменного, прекрасного и безобразного <отсылка к одному из важнейших стихотворений Рыжего „Так гранит покрывается наледью…“: „Как сказал тот, кто умер уже, / безобразное — это прекрасное, / что не может вместиться в душе. / Слишком много всего не вмещается“. — прим. редакции>. Зрители погружаются в атмосферу Свердловска — города, где, по словам поэта, он не встречал тех, кому было бы легко от поэзии. Спектакль показывает, как в сложной и неоднозначной среде, из сочетания обстоятельств и таланта рождается самобытная и неповторимая поэзия, которая оставила заметный след в русской литературе».
Сам режиссёр рассказывает о замысле постановки так: «Мне кажется, Борис Рыжий писал очень понятные и важные вещи, которые люди ощущают, но не могут сформулировать. И они до сих пор актуальны: противоречивость человеческой жизни, сочетание в одном человеке грубости и тонкой душевности, как, например, в образе „хулигана“ в кожаной куртке со шрамом на лице скрывается поэт с чувством сострадательной любви ко всем проявлениям жизни. И здесь мы стремимся к подлинному существованию артиста в обстоятельствах поэта».
Источник: «Театръ».
Михаил Барышников в моноспектакле «Бродский/Барышников», поставленном в 2015 году в Новом Рижском театре Алвисом Херманисом.
Работа представляет собой синтез драматического театра, поэтического вечера и хореографической постановки. Барышников, который был очень дружен с Бродским, на протяжении спектакля играет, танцует и интерпретирует поэзию своего товарища.
«Это спектакль — диалог с ушедшим человеком... спектакль о горечи отсутствия, ушедшего ежедневного общения», — делится Барышников.
Работа представляет собой синтез драматического театра, поэтического вечера и хореографической постановки. Барышников, который был очень дружен с Бродским, на протяжении спектакля играет, танцует и интерпретирует поэзию своего товарища.
«Это спектакль — диалог с ушедшим человеком... спектакль о горечи отсутствия, ушедшего ежедневного общения», — делится Барышников.
Скоро будет три года, как «(достать чернил и) плакать» хочется не только в феврале. И в этом месяце самая актуальная тема — #театрвойны
Что такое война на современной театральной сцене? Любая: Вторая мировая, шекспировская резня, братоубийственная древнегреческая… Как осмысляют сегодняшние режиссёры образ мира, охваченного, искалеченного или уже разрушенного войной? Как пытаются понять человека в этих экстремальных обстоятельствах — оказавшегося, по своей воле или вопреки ей, в самом пекле либо попавшего в жернова большой истории? Как эти герои меняются, как ломаются, какой ценой выживают (если выживают)? Что каждый из этих сюжетов даёт для понимания природы человека вообще и каждого из нас сегодня, какие вопросы и ответы предлагает? Будем думать обо всём этом в феврале, рассказывая про #театрвойны — спектакли, которые можно увидеть сейчас (или, по крайней мере, можно было увидеть в 2024 году) в России, и про те, что после февраля 2022 года были поставлены российскими режиссёрами за рубежом.
Как говорится, «давай бояться вместе»)
Что такое война на современной театральной сцене? Любая: Вторая мировая, шекспировская резня, братоубийственная древнегреческая… Как осмысляют сегодняшние режиссёры образ мира, охваченного, искалеченного или уже разрушенного войной? Как пытаются понять человека в этих экстремальных обстоятельствах — оказавшегося, по своей воле или вопреки ей, в самом пекле либо попавшего в жернова большой истории? Как эти герои меняются, как ломаются, какой ценой выживают (если выживают)? Что каждый из этих сюжетов даёт для понимания природы человека вообще и каждого из нас сегодня, какие вопросы и ответы предлагает? Будем думать обо всём этом в феврале, рассказывая про #театрвойны — спектакли, которые можно увидеть сейчас (или, по крайней мере, можно было увидеть в 2024 году) в России, и про те, что после февраля 2022 года были поставлены российскими режиссёрами за рубежом.
Как говорится, «давай бояться вместе»)
#театрвойны: «Иваново детство» Антона Фёдорова в Казанском ТЮЗе. Премьера прошла 15 апреля 2021 года.
В спектакле участвуют артисты: Михаил Меркушин, Сергей Мосейко, Алексей Зильбер, Александр Яндаев, Камиль Гатауллин, Ильнур Гарифуллин, Полина Малых, Валерий Антонов, Мария Мухортова, Нияз Зиннатуллин.
В основу постановки легли фрагменты повести Владимира Богомолова «Иван», а также сценарии к фильмам Андрея Тарковского «Иваново детство» и «Зеркало».
#театрвойны не должен быть громким. Перед началом спектакля режиссёр предупреждает зрителей: «У нас очень специфичный спектакль — он очень-очень тихий. Это простая техническая вещь. И прежде всего юного зрителя я прошу сдержать себя и не говорить. Потому что спектакль может погибнуть из-за шума».
Спектакль, как и фильм, строится вокруг недолгих военных дней перед следующей вылазкой разведчиков. Один из них — 12-летний Иван. Он считает делом всей своей недолгой жизни месть за убитую врагами семью. Вместо игрушек он коллекционирует финские ножи, а вместо одноклассников дружит с офицерами. И только во снах, разговорах с матерью, которые здесь кажутся едва ли не более реальными, чем действительность, сама похожая на сон, может вновь вернуться в потерянное навсегда детство.
У всех героев — своя уникальная история, но все они связаны с мальчиком. Каждый из них мог бы занять место отца или матери, стать его родным и близким человеком — тем, кого у ребенка отняла война.
Антон Фёдоров работал над этой постановкой, как и над многими другими своими спектаклями, и как художник. Чёрно-белые кинокадры становятся пространством памяти главного героя, который снова и снова мучительно переживает историю мальчишки. Здесь удивительным образом переплелись кино и театр кукол. Роль Ивана играют артист и кукла из папье-маше, которую сам Фёдоров назвал «газетным мальчиком». Ею управляют актёры Казанского ТЮЗа в «плащ-палатках»: этому Ивану война сопутствует всегда. Актёры специально обучались мастерству кукловодов, в этом им помогла режиссёр по работе с куклой Анна Деркач. А «второй» Иван — человек, говорящий и всматривающийся в свой «поминальный столик» (это тоже формулировка режиссёра). Исполнитель этой роли Нияз Зиннатуллин рассказывал: «Мне надо было параллельно существовать с куклой на сцене. Мы срослись с ней — я ловил её темпоритм, а она мой. Это очень тяжело, ведь я практически не смотрел на куклу, мне нужно было её чувствовать».
Среди соавторов Антона Фёдорова в работе над этой постановкой были художник по костюмам Ксения Шачнева, художник по свету Игорь Фомин, хореограф Марсель Нуриев, видеорежиссёр Филипп Замахаев.
«Я думаю, что самое важное сейчас — это тишина, — пояснял перед премьерой Антон Фёдоров. — Мы все очень громко сегодня говорим про войну — стучим и хлопаем в ладоши, с флагами, транспарантами и танками. Мало тихой памяти, что ли. И наш спектакль — это попытка, не зная ничего, тихо вспомнить. Прикоснуться и помолчать».
В спектакле участвуют артисты: Михаил Меркушин, Сергей Мосейко, Алексей Зильбер, Александр Яндаев, Камиль Гатауллин, Ильнур Гарифуллин, Полина Малых, Валерий Антонов, Мария Мухортова, Нияз Зиннатуллин.
В основу постановки легли фрагменты повести Владимира Богомолова «Иван», а также сценарии к фильмам Андрея Тарковского «Иваново детство» и «Зеркало».
#театрвойны не должен быть громким. Перед началом спектакля режиссёр предупреждает зрителей: «У нас очень специфичный спектакль — он очень-очень тихий. Это простая техническая вещь. И прежде всего юного зрителя я прошу сдержать себя и не говорить. Потому что спектакль может погибнуть из-за шума».
Спектакль, как и фильм, строится вокруг недолгих военных дней перед следующей вылазкой разведчиков. Один из них — 12-летний Иван. Он считает делом всей своей недолгой жизни месть за убитую врагами семью. Вместо игрушек он коллекционирует финские ножи, а вместо одноклассников дружит с офицерами. И только во снах, разговорах с матерью, которые здесь кажутся едва ли не более реальными, чем действительность, сама похожая на сон, может вновь вернуться в потерянное навсегда детство.
У всех героев — своя уникальная история, но все они связаны с мальчиком. Каждый из них мог бы занять место отца или матери, стать его родным и близким человеком — тем, кого у ребенка отняла война.
Антон Фёдоров работал над этой постановкой, как и над многими другими своими спектаклями, и как художник. Чёрно-белые кинокадры становятся пространством памяти главного героя, который снова и снова мучительно переживает историю мальчишки. Здесь удивительным образом переплелись кино и театр кукол. Роль Ивана играют артист и кукла из папье-маше, которую сам Фёдоров назвал «газетным мальчиком». Ею управляют актёры Казанского ТЮЗа в «плащ-палатках»: этому Ивану война сопутствует всегда. Актёры специально обучались мастерству кукловодов, в этом им помогла режиссёр по работе с куклой Анна Деркач. А «второй» Иван — человек, говорящий и всматривающийся в свой «поминальный столик» (это тоже формулировка режиссёра). Исполнитель этой роли Нияз Зиннатуллин рассказывал: «Мне надо было параллельно существовать с куклой на сцене. Мы срослись с ней — я ловил её темпоритм, а она мой. Это очень тяжело, ведь я практически не смотрел на куклу, мне нужно было её чувствовать».
Среди соавторов Антона Фёдорова в работе над этой постановкой были художник по костюмам Ксения Шачнева, художник по свету Игорь Фомин, хореограф Марсель Нуриев, видеорежиссёр Филипп Замахаев.
«Я думаю, что самое важное сейчас — это тишина, — пояснял перед премьерой Антон Фёдоров. — Мы все очень громко сегодня говорим про войну — стучим и хлопаем в ладоши, с флагами, транспарантами и танками. Мало тихой памяти, что ли. И наш спектакль — это попытка, не зная ничего, тихо вспомнить. Прикоснуться и помолчать».
Вдохновляющие высказывания Ли Страсберга о творчестве:
1. «Актёрство — это самое личное из наших ремесел. Структура человека — его физические, умственные и эмоциональные привычки — влияет на его действия в гораздо большей степени, чем общепризнанные».
2. «Великий актёр не зависит от поэта, потому что высшая сущность чувства заключается не в прозе или стихе, а в том акценте, с которым оно передается».
3. «Семьдесят пять процентов великого искусства — это тяжелая работа, и только двадцать пять процентов — великий талант».
4. «Актёр творит своей собственной плотью и кровью всё то, что пытается описать всё искусство».
Метод, разработанный Ли Страсбергом в прошлом столетии на основе легендарной системы Станиславского, до сих пор остаётся одной из наиболее популярных техник актёрского мастерства во всём мире. Познакомиться с особенностями этого подхода можете и вы, записавшись на новый мастер-курс театрального режиссёра и педагога Сергея Черкасского.
1. «Актёрство — это самое личное из наших ремесел. Структура человека — его физические, умственные и эмоциональные привычки — влияет на его действия в гораздо большей степени, чем общепризнанные».
2. «Великий актёр не зависит от поэта, потому что высшая сущность чувства заключается не в прозе или стихе, а в том акценте, с которым оно передается».
3. «Семьдесят пять процентов великого искусства — это тяжелая работа, и только двадцать пять процентов — великий талант».
4. «Актёр творит своей собственной плотью и кровью всё то, что пытается описать всё искусство».
Метод, разработанный Ли Страсбергом в прошлом столетии на основе легендарной системы Станиславского, до сих пор остаётся одной из наиболее популярных техник актёрского мастерства во всём мире. Познакомиться с особенностями этого подхода можете и вы, записавшись на новый мастер-курс театрального режиссёра и педагога Сергея Черкасского.
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Похороните меня за плинтусом» (Балтийский дом)
Режиссёр: Игорь Коняев
В ролях: Эра Зиганшина, Роман Громадский, Игорь Скляр, Людмила Моторная, Леонид Михайловский
Режиссёр о книге, по которой поставлен спектакль:
«Эта повесть о человеческом эгоизме, который стоит на пути любви и взаимопонимания. Очень часто в желании выжить мы замыкаемся на самих себе и воспринимаем окружающий мир враждебно. Мы приспосабливаемся и думаем только о себе, о своем самолюбии и благополучии. Мы становимся тиранами в семье и на работе. Нам все время не хватает любви и благодарности. Друзья и близкие нас предают, а наша любовь превращается в узурпацию».
Режиссёр: Игорь Коняев
В ролях: Эра Зиганшина, Роман Громадский, Игорь Скляр, Людмила Моторная, Леонид Михайловский
Режиссёр о книге, по которой поставлен спектакль:
«Эта повесть о человеческом эгоизме, который стоит на пути любви и взаимопонимания. Очень часто в желании выжить мы замыкаемся на самих себе и воспринимаем окружающий мир враждебно. Мы приспосабливаемся и думаем только о себе, о своем самолюбии и благополучии. Мы становимся тиранами в семье и на работе. Нам все время не хватает любви и благодарности. Друзья и близкие нас предают, а наша любовь превращается в узурпацию».
Книга «Искусство жить на сцене» Николая Демидова уникальна тем, что автору удалось соединить в ней как свои театральные знания, так и опыт в области физиологии и психологии.
Основываясь на материалистическом учении Ивана Павлова, Демидов выделил несколько наиболее интересных и сложных проблем актёрского мастерства и подробно их рассмотрел. «Искусство жить на сцене» — труд всей жизни автора.
Вопросами творческого подхода к работе над ролью задавались многие театральные деятели, разрабатывая новые техники актёрского мастерства. Одной из наиболее распространенных стал Метод Ли Страсберга. Освоить его базовые навыки и попробовать применить их на практике вы сможете в рамках нашего мастер-курса.
Основываясь на материалистическом учении Ивана Павлова, Демидов выделил несколько наиболее интересных и сложных проблем актёрского мастерства и подробно их рассмотрел. «Искусство жить на сцене» — труд всей жизни автора.
Вопросами творческого подхода к работе над ролью задавались многие театральные деятели, разрабатывая новые техники актёрского мастерства. Одной из наиболее распространенных стал Метод Ли Страсберга. Освоить его базовые навыки и попробовать применить их на практике вы сможете в рамках нашего мастер-курса.
Oxxxymiron* — выдающийся поэт современности или переоценённый рэп-исполнитель?
В поиске ответа на этот вопрос предлагаем обратиться к мнению литературоведа Кирилла Сивкова:
«Явление Оксимирона во многом уникально. Его образование (он изучал в Оксфорде английский язык и литературу) наложило отпечаток на все творчество: и в своих треках, и в батлах Оксимирон виртуозно пользуется огромным количеством отсылок как к русской, так и к мировой культуре. Безусловно, позиция интеллектуала многих раздражает, кажется снобистской. Но он не вставляет в свои тексты имена и отсылки только ради того, чтобы по ним можно было составить внушительный список использованной литературы. Все они появляются неслучайно и делают текст объёмнее: за каждым упоминанием и цитатой есть смысл».
А как считаете вы? Конструктивная дискуссия в комментариях приветствуется;)
*признан минюстом РФ иноагентом.
В поиске ответа на этот вопрос предлагаем обратиться к мнению литературоведа Кирилла Сивкова:
«Явление Оксимирона во многом уникально. Его образование (он изучал в Оксфорде английский язык и литературу) наложило отпечаток на все творчество: и в своих треках, и в батлах Оксимирон виртуозно пользуется огромным количеством отсылок как к русской, так и к мировой культуре. Безусловно, позиция интеллектуала многих раздражает, кажется снобистской. Но он не вставляет в свои тексты имена и отсылки только ради того, чтобы по ним можно было составить внушительный список использованной литературы. Все они появляются неслучайно и делают текст объёмнее: за каждым упоминанием и цитатой есть смысл».
А как считаете вы? Конструктивная дискуссия в комментариях приветствуется;)
*признан минюстом РФ иноагентом.