«Наставления актёрам» — памфлет Джонатана Свифта, 1713 год:
– Нет никакой необходимости принуждать себя к рабскому труду и учить роли: для чего же существует суфлёр? Помимо того, ясно как дважды два, что для новой пьесы ты всегда сможешь почерпнуть из своего собственного природного остроумия что-нибудь получше авторской писанины. Если же ты окажешься окончательно в тупике, тебя заметят публика и критика, чего может не произойти в противном случае. Что же касается самолюбия автора, то думал ли он о твоём, когда давал тебе эту роль? А раз ему заплатили за пьесу, то почему бы тебе не поступать с нею так, как тебе заблагорассудится?
– Другой превосходный способ быть замеченным состоит в том, чтобы никогда не быть готовым к выходу и как можно чаще заставлять других приносить за тебя извинения.
– Никогда не говори доброго слова о режиссёре. Не могу толком объяснить почему, но помни, что я тебя предостерегал! Не подлежит сомнению, что он всегда будет стараться унизить тебя, давая тебе роли, в которых, по его мнению, ты можешь показать свою гениальность в наилучшем свете. Это не должен сносить безропотно ни один уважающий себя актёр.
– Когда ты поёшь — не обращай внимания на музыку; соблюдай тот ритм, который тебе больше понравится. Ведь это было бы истым унижением, если бы ты должен был следовать за скрипачом; пусть сам скрипач, этот «конский волос, кошачья кишка», следует за тобою.
– Если ты не в настроении — играй кое-как. Если ты всегда будешь играть хорошо, это приведёт к такому однообразию, что никто не обратит на тебя внимания.
– Поза — великая вещь. Произнося свои речи, упрись левой рукой в бедро, сделав угол локтем, правую же вытяни в сторону. Некоторые, насколько мне известно, предпочитают иные позиции, но придерживайся здравого смысла. Разве не ясно, что вещи, наиболее доступные для понимания, пользуются особым одобрением? А существует ли что-либо более знакомое, чем чайник?
– Никогда не расставайся со своей шляпой: иначе что же ты будешь делать со своими руками?
Но если серьёзно, то, разумеется, для сохранения и развития творческой формы актёру необходимо постоянно работать над собой. Кстати, освоить новые действенные инструменты для совершенствования профессиональных навыков смогут студенты нового мастер-курса «Метод Страсберга», который проведёт театральный режиссёр и педагог Сергей Черкасский.
– Нет никакой необходимости принуждать себя к рабскому труду и учить роли: для чего же существует суфлёр? Помимо того, ясно как дважды два, что для новой пьесы ты всегда сможешь почерпнуть из своего собственного природного остроумия что-нибудь получше авторской писанины. Если же ты окажешься окончательно в тупике, тебя заметят публика и критика, чего может не произойти в противном случае. Что же касается самолюбия автора, то думал ли он о твоём, когда давал тебе эту роль? А раз ему заплатили за пьесу, то почему бы тебе не поступать с нею так, как тебе заблагорассудится?
– Другой превосходный способ быть замеченным состоит в том, чтобы никогда не быть готовым к выходу и как можно чаще заставлять других приносить за тебя извинения.
– Никогда не говори доброго слова о режиссёре. Не могу толком объяснить почему, но помни, что я тебя предостерегал! Не подлежит сомнению, что он всегда будет стараться унизить тебя, давая тебе роли, в которых, по его мнению, ты можешь показать свою гениальность в наилучшем свете. Это не должен сносить безропотно ни один уважающий себя актёр.
– Когда ты поёшь — не обращай внимания на музыку; соблюдай тот ритм, который тебе больше понравится. Ведь это было бы истым унижением, если бы ты должен был следовать за скрипачом; пусть сам скрипач, этот «конский волос, кошачья кишка», следует за тобою.
– Если ты не в настроении — играй кое-как. Если ты всегда будешь играть хорошо, это приведёт к такому однообразию, что никто не обратит на тебя внимания.
– Поза — великая вещь. Произнося свои речи, упрись левой рукой в бедро, сделав угол локтем, правую же вытяни в сторону. Некоторые, насколько мне известно, предпочитают иные позиции, но придерживайся здравого смысла. Разве не ясно, что вещи, наиболее доступные для понимания, пользуются особым одобрением? А существует ли что-либо более знакомое, чем чайник?
– Никогда не расставайся со своей шляпой: иначе что же ты будешь делать со своими руками?
Но если серьёзно, то, разумеется, для сохранения и развития творческой формы актёру необходимо постоянно работать над собой. Кстати, освоить новые действенные инструменты для совершенствования профессиональных навыков смогут студенты нового мастер-курса «Метод Страсберга», который проведёт театральный режиссёр и педагог Сергей Черкасский.
#театромЭтр Лев Эренбург:
«...если мы говорим об идеальном театре, о поисковом, то я предпочитаю этюдный или студийный метод, потому что метод действенного анализа, открытый Станиславским, предполагает разведку умом и разведку делом. Разведка умом — это больше относится к режиссуре. Разведка делом — это относится к актёрам. Но иногда в актёрском деле ума больше, чем у меня в голове. И такое бывает частенько, потому не пользоваться этим — значит обкрадывать себя и процесс».
«Театр дает ни с чем не сравнимое фантастическое чувство — ты вдруг понимаешь, что при помощи твоего участия, твоих провокаций, корректуры и всякого разного шаманства из живых актёрских тел создаётся какая-то другая живая жизнь. Возникает ощущение живого творения другого мира. И это происходит не к премьере, это происходит каждый раз на каждом спектакле. На театр и театральную педагогику я смотрю таким образом, что каждый сыгранный артистами спектакль — это бездна жизни, у которой нет ни дна, ни покрышки, бездна!»
«Моя сегодняшняя педагогика – это завтра моего театра».
«...если мы говорим об идеальном театре, о поисковом, то я предпочитаю этюдный или студийный метод, потому что метод действенного анализа, открытый Станиславским, предполагает разведку умом и разведку делом. Разведка умом — это больше относится к режиссуре. Разведка делом — это относится к актёрам. Но иногда в актёрском деле ума больше, чем у меня в голове. И такое бывает частенько, потому не пользоваться этим — значит обкрадывать себя и процесс».
«Театр дает ни с чем не сравнимое фантастическое чувство — ты вдруг понимаешь, что при помощи твоего участия, твоих провокаций, корректуры и всякого разного шаманства из живых актёрских тел создаётся какая-то другая живая жизнь. Возникает ощущение живого творения другого мира. И это происходит не к премьере, это происходит каждый раз на каждом спектакле. На театр и театральную педагогику я смотрю таким образом, что каждый сыгранный артистами спектакль — это бездна жизни, у которой нет ни дна, ни покрышки, бездна!»
«Моя сегодняшняя педагогика – это завтра моего театра».
27 февраля 2020 года в Третьяковской галерее открылась выставка «Русская сказка. От Васнецова до сих пор», над которой работали Алексей и Мария Трегубовы. Выставку составили 90 экспонатов. Помимо живописи и графики, экспозиция охватила и такие направления, как фотография, видео, кино, театр. Мы решили вспомнить, что кураторы говорили об этом проекте:
Татьяна Гетман: «Изначально у меня была идея сделать мультидисциплинарный выставочный проект о русских сказках. Я хотела обратить внимание на тему, которую можно сформулировать так: "Сказочные миры и герои, которых мы визуализируем и представляем благодаря художникам". Я старалась раскрыть простую, но важную мысль, что без художников, без их видения наши представления о том, как выглядят сказочные персонажи,были бы совершенно непредсказуемыми, очень разными — не было бы узнаваемых черт, характеров, форм, детских воспоминаний о книжках и фильмах».
Алексей Трегубов: «Для меня важнее всего было не превратить проект в выставку произведений, иллюстрирующих сказки. Создать пространство, где человек, пришедший на выставку, встречает произведения искусства как персонажей сказки и сам становится её героем».
Игорь Волков: «Я считаю, что выставка "Русская сказка. От Васнецова до сих пор" важна уже потому, что вписывает творчество классика русского искусства, "народного" автора с обложек книг и обёрток конфет в широкий контекст современности. Проект ценен сочетанием разных эпох, видов искусства, сопоставлением "изящного", провокативного и популярного».
Татьяна Гетман: «Изначально у меня была идея сделать мультидисциплинарный выставочный проект о русских сказках. Я хотела обратить внимание на тему, которую можно сформулировать так: "Сказочные миры и герои, которых мы визуализируем и представляем благодаря художникам". Я старалась раскрыть простую, но важную мысль, что без художников, без их видения наши представления о том, как выглядят сказочные персонажи,были бы совершенно непредсказуемыми, очень разными — не было бы узнаваемых черт, характеров, форм, детских воспоминаний о книжках и фильмах».
Алексей Трегубов: «Для меня важнее всего было не превратить проект в выставку произведений, иллюстрирующих сказки. Создать пространство, где человек, пришедший на выставку, встречает произведения искусства как персонажей сказки и сам становится её героем».
Игорь Волков: «Я считаю, что выставка "Русская сказка. От Васнецова до сих пор" важна уже потому, что вписывает творчество классика русского искусства, "народного" автора с обложек книг и обёрток конфет в широкий контекст современности. Проект ценен сочетанием разных эпох, видов искусства, сопоставлением "изящного", провокативного и популярного».
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Месяц в деревне» (МХТ имени Антона Чехова)
Режиссёр: Егор Перегудов
Сценограф: Владимир Арефьев
В ролях: Наталья Рогожкина, Надежда Калеганова, Кузьма Котрелёв, Александр Семчев, Александр Усов, Эдуард Чекмазов, Павел Ворожцов, Анастасия Скорик, Мариэтта Волкова.
Именно с этого спектакля, поставленного в 2020 году, в совместных работах Перегудова и Арефьева началась так называемая тема «водной феерии», которая впоследствии продолжилась в спектаклях «Лес» (2023) и «Евгений Онегин» (2025).
Благодаря смелым визуальным решениям Владимира Арефьева и художника по свету Дамира Исмагилова зрители действительно как будто бы на несколько часов перенеслись в деревню, где с неба то и дело хлещет дождь, земля устлана настоящим сеном, а в воздухе витает туманная дымка. Чтобы никто из сидящих в зале не пострадал от капризов природы, отражающей накал страстей персонажей, публике в первых рядах даже специально выдавали пледы. Получился «такой Тургенев в 5D», как отмечал Егор Перегудов.
Режиссёр: Егор Перегудов
Сценограф: Владимир Арефьев
В ролях: Наталья Рогожкина, Надежда Калеганова, Кузьма Котрелёв, Александр Семчев, Александр Усов, Эдуард Чекмазов, Павел Ворожцов, Анастасия Скорик, Мариэтта Волкова.
Именно с этого спектакля, поставленного в 2020 году, в совместных работах Перегудова и Арефьева началась так называемая тема «водной феерии», которая впоследствии продолжилась в спектаклях «Лес» (2023) и «Евгений Онегин» (2025).
Благодаря смелым визуальным решениям Владимира Арефьева и художника по свету Дамира Исмагилова зрители действительно как будто бы на несколько часов перенеслись в деревню, где с неба то и дело хлещет дождь, земля устлана настоящим сеном, а в воздухе витает туманная дымка. Чтобы никто из сидящих в зале не пострадал от капризов природы, отражающей накал страстей персонажей, публике в первых рядах даже специально выдавали пледы. Получился «такой Тургенев в 5D», как отмечал Егор Перегудов.
Делимся книгой Александра Михельсона «Работа актёра над ролью».
Что значит сыграть роль? Что для этого нужно? Зачем актёр выходит на сцену? Для чего существует театр, искусство вообще? На эти и другие вопросы автор даёт ответы на страницах издания.
Всех, кто хочет глубже погрузиться в освоение навыков актёрского мастерства, мы ждём на нашем предстоящем курсе «Метод Страсберга». В формате «Стандарт» доступными остаются последние места, успейте забронировать своё.
Что значит сыграть роль? Что для этого нужно? Зачем актёр выходит на сцену? Для чего существует театр, искусство вообще? На эти и другие вопросы автор даёт ответы на страницах издания.
Всех, кто хочет глубже погрузиться в освоение навыков актёрского мастерства, мы ждём на нашем предстоящем курсе «Метод Страсберга». В формате «Стандарт» доступными остаются последние места, успейте забронировать своё.
7 и 8 февраля на Основной сцене Театра на Таганке пройдёт премьера спектакля Эдгара Закаряна «Рыжий. Я всех любил. Без дураков» по пьесе Владимира Антипова.
В название постановки вынесены слова из предсмертной записки поэта Бориса Рыжего, чьи стихи сегодня стали крайне популярными. При этом огромный интерес вызывает у читателей и личность их автора, его недолгая жизнь на рубеже XX и XXI веков и трагическая смерть. Название премьеры соответствует выбранной композиции — «ретроспективы короткой, но яркой жизни», в которой, как сказано в релизе, «путешествие по воспоминаниям начинается с финала — последнего дня жизни поэта».
Оригинальную пьесу для премьерного спектакля написал Владимир Антипов — актёр, режиссёр, драматург, ученик Юрия Красовского и сооснователь независимого петербургского театра «Организмы». Как чаще всего и бывает со спектаклями о Борисе Рыжем (а их в стране на сегодняшний день создано уже немало), создатели постановки стремятся найти баланс между подлинной судьбой Бориса Рыжего, реальной или мнимой автобиографичностью его поэзии и тем лирическим героем, который возникает в этих текстах. Второй мотив, также продиктованный самими сочинениями Рыжего и неизменно увлекающий постановщиков, — взаимоотношения между конкретной окружающей действительностью и уникальным талантом поэта, их связь и, возможно, конфликт.
Любопытно, что при этом создатели не акцентируют внимания на другой, не менее важной для Рыжего и его почитателей, теме — времени и эпохе. Хотя будущая премьера всё равно остаётся в логике «репертуарной линии» Театра на Таганке, исследующего в спектаклях либо советскую эпоху, либо её прямое наследие, авторы «Рыжего…» хотят рассмотреть историю жизни поэта как универсальную. «Художественный нарратив строится на ключевых событиях, определивших его судьбу: школа, боксёрский ринг, первая любовь к однокласснице и будущей жене, студенческий литературный клуб, публикации в журналах, первая слава, рождение ребёнка, общественный успех и… трагичный исход, как рок судьбы великих поэтов», — говорится в релизе.
Поскольку пространство интересует авторов спектакля несколько больше, чем время, одним из ключевых образов становится город (который в анонсах назван, как обычно у Рыжего, не Екатеринбургом, а Свердловском). В релизе сказано: «Как жизнь, так и поэзия Рыжего представляет собой синтез возвышенного и низменного, прекрасного и безобразного <отсылка к одному из важнейших стихотворений Рыжего „Так гранит покрывается наледью…“: „Как сказал тот, кто умер уже, / безобразное — это прекрасное, / что не может вместиться в душе. / Слишком много всего не вмещается“. — прим. редакции>. Зрители погружаются в атмосферу Свердловска — города, где, по словам поэта, он не встречал тех, кому было бы легко от поэзии. Спектакль показывает, как в сложной и неоднозначной среде, из сочетания обстоятельств и таланта рождается самобытная и неповторимая поэзия, которая оставила заметный след в русской литературе».
Сам режиссёр рассказывает о замысле постановки так: «Мне кажется, Борис Рыжий писал очень понятные и важные вещи, которые люди ощущают, но не могут сформулировать. И они до сих пор актуальны: противоречивость человеческой жизни, сочетание в одном человеке грубости и тонкой душевности, как, например, в образе „хулигана“ в кожаной куртке со шрамом на лице скрывается поэт с чувством сострадательной любви ко всем проявлениям жизни. И здесь мы стремимся к подлинному существованию артиста в обстоятельствах поэта».
Источник: «Театръ».
В название постановки вынесены слова из предсмертной записки поэта Бориса Рыжего, чьи стихи сегодня стали крайне популярными. При этом огромный интерес вызывает у читателей и личность их автора, его недолгая жизнь на рубеже XX и XXI веков и трагическая смерть. Название премьеры соответствует выбранной композиции — «ретроспективы короткой, но яркой жизни», в которой, как сказано в релизе, «путешествие по воспоминаниям начинается с финала — последнего дня жизни поэта».
Оригинальную пьесу для премьерного спектакля написал Владимир Антипов — актёр, режиссёр, драматург, ученик Юрия Красовского и сооснователь независимого петербургского театра «Организмы». Как чаще всего и бывает со спектаклями о Борисе Рыжем (а их в стране на сегодняшний день создано уже немало), создатели постановки стремятся найти баланс между подлинной судьбой Бориса Рыжего, реальной или мнимой автобиографичностью его поэзии и тем лирическим героем, который возникает в этих текстах. Второй мотив, также продиктованный самими сочинениями Рыжего и неизменно увлекающий постановщиков, — взаимоотношения между конкретной окружающей действительностью и уникальным талантом поэта, их связь и, возможно, конфликт.
Любопытно, что при этом создатели не акцентируют внимания на другой, не менее важной для Рыжего и его почитателей, теме — времени и эпохе. Хотя будущая премьера всё равно остаётся в логике «репертуарной линии» Театра на Таганке, исследующего в спектаклях либо советскую эпоху, либо её прямое наследие, авторы «Рыжего…» хотят рассмотреть историю жизни поэта как универсальную. «Художественный нарратив строится на ключевых событиях, определивших его судьбу: школа, боксёрский ринг, первая любовь к однокласснице и будущей жене, студенческий литературный клуб, публикации в журналах, первая слава, рождение ребёнка, общественный успех и… трагичный исход, как рок судьбы великих поэтов», — говорится в релизе.
Поскольку пространство интересует авторов спектакля несколько больше, чем время, одним из ключевых образов становится город (который в анонсах назван, как обычно у Рыжего, не Екатеринбургом, а Свердловском). В релизе сказано: «Как жизнь, так и поэзия Рыжего представляет собой синтез возвышенного и низменного, прекрасного и безобразного <отсылка к одному из важнейших стихотворений Рыжего „Так гранит покрывается наледью…“: „Как сказал тот, кто умер уже, / безобразное — это прекрасное, / что не может вместиться в душе. / Слишком много всего не вмещается“. — прим. редакции>. Зрители погружаются в атмосферу Свердловска — города, где, по словам поэта, он не встречал тех, кому было бы легко от поэзии. Спектакль показывает, как в сложной и неоднозначной среде, из сочетания обстоятельств и таланта рождается самобытная и неповторимая поэзия, которая оставила заметный след в русской литературе».
Сам режиссёр рассказывает о замысле постановки так: «Мне кажется, Борис Рыжий писал очень понятные и важные вещи, которые люди ощущают, но не могут сформулировать. И они до сих пор актуальны: противоречивость человеческой жизни, сочетание в одном человеке грубости и тонкой душевности, как, например, в образе „хулигана“ в кожаной куртке со шрамом на лице скрывается поэт с чувством сострадательной любви ко всем проявлениям жизни. И здесь мы стремимся к подлинному существованию артиста в обстоятельствах поэта».
Источник: «Театръ».
Михаил Барышников в моноспектакле «Бродский/Барышников», поставленном в 2015 году в Новом Рижском театре Алвисом Херманисом.
Работа представляет собой синтез драматического театра, поэтического вечера и хореографической постановки. Барышников, который был очень дружен с Бродским, на протяжении спектакля играет, танцует и интерпретирует поэзию своего товарища.
«Это спектакль — диалог с ушедшим человеком... спектакль о горечи отсутствия, ушедшего ежедневного общения», — делится Барышников.
Работа представляет собой синтез драматического театра, поэтического вечера и хореографической постановки. Барышников, который был очень дружен с Бродским, на протяжении спектакля играет, танцует и интерпретирует поэзию своего товарища.
«Это спектакль — диалог с ушедшим человеком... спектакль о горечи отсутствия, ушедшего ежедневного общения», — делится Барышников.
Скоро будет три года, как «(достать чернил и) плакать» хочется не только в феврале. И в этом месяце самая актуальная тема — #театрвойны
Что такое война на современной театральной сцене? Любая: Вторая мировая, шекспировская резня, братоубийственная древнегреческая… Как осмысляют сегодняшние режиссёры образ мира, охваченного, искалеченного или уже разрушенного войной? Как пытаются понять человека в этих экстремальных обстоятельствах — оказавшегося, по своей воле или вопреки ей, в самом пекле либо попавшего в жернова большой истории? Как эти герои меняются, как ломаются, какой ценой выживают (если выживают)? Что каждый из этих сюжетов даёт для понимания природы человека вообще и каждого из нас сегодня, какие вопросы и ответы предлагает? Будем думать обо всём этом в феврале, рассказывая про #театрвойны — спектакли, которые можно увидеть сейчас (или, по крайней мере, можно было увидеть в 2024 году) в России, и про те, что после февраля 2022 года были поставлены российскими режиссёрами за рубежом.
Как говорится, «давай бояться вместе»)
Что такое война на современной театральной сцене? Любая: Вторая мировая, шекспировская резня, братоубийственная древнегреческая… Как осмысляют сегодняшние режиссёры образ мира, охваченного, искалеченного или уже разрушенного войной? Как пытаются понять человека в этих экстремальных обстоятельствах — оказавшегося, по своей воле или вопреки ей, в самом пекле либо попавшего в жернова большой истории? Как эти герои меняются, как ломаются, какой ценой выживают (если выживают)? Что каждый из этих сюжетов даёт для понимания природы человека вообще и каждого из нас сегодня, какие вопросы и ответы предлагает? Будем думать обо всём этом в феврале, рассказывая про #театрвойны — спектакли, которые можно увидеть сейчас (или, по крайней мере, можно было увидеть в 2024 году) в России, и про те, что после февраля 2022 года были поставлены российскими режиссёрами за рубежом.
Как говорится, «давай бояться вместе»)
#театрвойны: «Иваново детство» Антона Фёдорова в Казанском ТЮЗе. Премьера прошла 15 апреля 2021 года.
В спектакле участвуют артисты: Михаил Меркушин, Сергей Мосейко, Алексей Зильбер, Александр Яндаев, Камиль Гатауллин, Ильнур Гарифуллин, Полина Малых, Валерий Антонов, Мария Мухортова, Нияз Зиннатуллин.
В основу постановки легли фрагменты повести Владимира Богомолова «Иван», а также сценарии к фильмам Андрея Тарковского «Иваново детство» и «Зеркало».
#театрвойны не должен быть громким. Перед началом спектакля режиссёр предупреждает зрителей: «У нас очень специфичный спектакль — он очень-очень тихий. Это простая техническая вещь. И прежде всего юного зрителя я прошу сдержать себя и не говорить. Потому что спектакль может погибнуть из-за шума».
Спектакль, как и фильм, строится вокруг недолгих военных дней перед следующей вылазкой разведчиков. Один из них — 12-летний Иван. Он считает делом всей своей недолгой жизни месть за убитую врагами семью. Вместо игрушек он коллекционирует финские ножи, а вместо одноклассников дружит с офицерами. И только во снах, разговорах с матерью, которые здесь кажутся едва ли не более реальными, чем действительность, сама похожая на сон, может вновь вернуться в потерянное навсегда детство.
У всех героев — своя уникальная история, но все они связаны с мальчиком. Каждый из них мог бы занять место отца или матери, стать его родным и близким человеком — тем, кого у ребенка отняла война.
Антон Фёдоров работал над этой постановкой, как и над многими другими своими спектаклями, и как художник. Чёрно-белые кинокадры становятся пространством памяти главного героя, который снова и снова мучительно переживает историю мальчишки. Здесь удивительным образом переплелись кино и театр кукол. Роль Ивана играют артист и кукла из папье-маше, которую сам Фёдоров назвал «газетным мальчиком». Ею управляют актёры Казанского ТЮЗа в «плащ-палатках»: этому Ивану война сопутствует всегда. Актёры специально обучались мастерству кукловодов, в этом им помогла режиссёр по работе с куклой Анна Деркач. А «второй» Иван — человек, говорящий и всматривающийся в свой «поминальный столик» (это тоже формулировка режиссёра). Исполнитель этой роли Нияз Зиннатуллин рассказывал: «Мне надо было параллельно существовать с куклой на сцене. Мы срослись с ней — я ловил её темпоритм, а она мой. Это очень тяжело, ведь я практически не смотрел на куклу, мне нужно было её чувствовать».
Среди соавторов Антона Фёдорова в работе над этой постановкой были художник по костюмам Ксения Шачнева, художник по свету Игорь Фомин, хореограф Марсель Нуриев, видеорежиссёр Филипп Замахаев.
«Я думаю, что самое важное сейчас — это тишина, — пояснял перед премьерой Антон Фёдоров. — Мы все очень громко сегодня говорим про войну — стучим и хлопаем в ладоши, с флагами, транспарантами и танками. Мало тихой памяти, что ли. И наш спектакль — это попытка, не зная ничего, тихо вспомнить. Прикоснуться и помолчать».
В спектакле участвуют артисты: Михаил Меркушин, Сергей Мосейко, Алексей Зильбер, Александр Яндаев, Камиль Гатауллин, Ильнур Гарифуллин, Полина Малых, Валерий Антонов, Мария Мухортова, Нияз Зиннатуллин.
В основу постановки легли фрагменты повести Владимира Богомолова «Иван», а также сценарии к фильмам Андрея Тарковского «Иваново детство» и «Зеркало».
#театрвойны не должен быть громким. Перед началом спектакля режиссёр предупреждает зрителей: «У нас очень специфичный спектакль — он очень-очень тихий. Это простая техническая вещь. И прежде всего юного зрителя я прошу сдержать себя и не говорить. Потому что спектакль может погибнуть из-за шума».
Спектакль, как и фильм, строится вокруг недолгих военных дней перед следующей вылазкой разведчиков. Один из них — 12-летний Иван. Он считает делом всей своей недолгой жизни месть за убитую врагами семью. Вместо игрушек он коллекционирует финские ножи, а вместо одноклассников дружит с офицерами. И только во снах, разговорах с матерью, которые здесь кажутся едва ли не более реальными, чем действительность, сама похожая на сон, может вновь вернуться в потерянное навсегда детство.
У всех героев — своя уникальная история, но все они связаны с мальчиком. Каждый из них мог бы занять место отца или матери, стать его родным и близким человеком — тем, кого у ребенка отняла война.
Антон Фёдоров работал над этой постановкой, как и над многими другими своими спектаклями, и как художник. Чёрно-белые кинокадры становятся пространством памяти главного героя, который снова и снова мучительно переживает историю мальчишки. Здесь удивительным образом переплелись кино и театр кукол. Роль Ивана играют артист и кукла из папье-маше, которую сам Фёдоров назвал «газетным мальчиком». Ею управляют актёры Казанского ТЮЗа в «плащ-палатках»: этому Ивану война сопутствует всегда. Актёры специально обучались мастерству кукловодов, в этом им помогла режиссёр по работе с куклой Анна Деркач. А «второй» Иван — человек, говорящий и всматривающийся в свой «поминальный столик» (это тоже формулировка режиссёра). Исполнитель этой роли Нияз Зиннатуллин рассказывал: «Мне надо было параллельно существовать с куклой на сцене. Мы срослись с ней — я ловил её темпоритм, а она мой. Это очень тяжело, ведь я практически не смотрел на куклу, мне нужно было её чувствовать».
Среди соавторов Антона Фёдорова в работе над этой постановкой были художник по костюмам Ксения Шачнева, художник по свету Игорь Фомин, хореограф Марсель Нуриев, видеорежиссёр Филипп Замахаев.
«Я думаю, что самое важное сейчас — это тишина, — пояснял перед премьерой Антон Фёдоров. — Мы все очень громко сегодня говорим про войну — стучим и хлопаем в ладоши, с флагами, транспарантами и танками. Мало тихой памяти, что ли. И наш спектакль — это попытка, не зная ничего, тихо вспомнить. Прикоснуться и помолчать».