ВОДОПАДЫ ХОКУСАЯ
В серию "Путешествие по водопадам различных провинций" (ок. 1833 г.) Кацусики Хокусая вошло восемь гравюр, на которых представлены знаменитые водопады не только в окрестностях города Эдо (Токио), но и в различных провинциях страны. Выбранные водопады были объектами поклонения, связанными с горными религиями.
Кажется, Хокусай был больше заинтересован в изучении различных способов отображения воды, чем в показе местности заявленных провинций. Поэтому главной особенностью серии является уникальное дизайнерское чутьё Хокусая и мастеровитость, с которой он изображает свою излюбленную тему воды. Художник прорабатывал её в течение многих лет, и данные гравюры смело можно назвать кульминацией его исследований.
Работа над этой серией позволила Хокусаю на примере изображения водопадов поведать зрителю о ритмах и красках японской природы. Стоит отметить, что для передачи силы водных струй Хокусай использовал всего два цвета: белый и синий (с переходами).
#КацусикаХокусай #фукэйга #пейзажи
В серию "Путешествие по водопадам различных провинций" (ок. 1833 г.) Кацусики Хокусая вошло восемь гравюр, на которых представлены знаменитые водопады не только в окрестностях города Эдо (Токио), но и в различных провинциях страны. Выбранные водопады были объектами поклонения, связанными с горными религиями.
Кажется, Хокусай был больше заинтересован в изучении различных способов отображения воды, чем в показе местности заявленных провинций. Поэтому главной особенностью серии является уникальное дизайнерское чутьё Хокусая и мастеровитость, с которой он изображает свою излюбленную тему воды. Художник прорабатывал её в течение многих лет, и данные гравюры смело можно назвать кульминацией его исследований.
Работа над этой серией позволила Хокусаю на примере изображения водопадов поведать зрителю о ритмах и красках японской природы. Стоит отметить, что для передачи силы водных струй Хокусай использовал всего два цвета: белый и синий (с переходами).
#КацусикаХокусай #фукэйга #пейзажи
69 - ЧИСЛО ЭРОТИЧЕСКОЕ
... Однако страстные поклонники искусства укиё-э привыкли ассоциировать его с 69 станциями на дороге Кисокайдо, которые мастерски запечатлел в одноимённой серии ксилографий творческий дуэт Утагавы Хиросигэ и Кэйсая Эйсэна. Эта серия (1834−1842 гг.) появилась после оглушительного успеха «53 станций дороги Токайдо» (1833-1834 гг.) Хиросигэ. Набор состоит из 70 (включая титульный лист) горизонтальных гравюр, 46 из которых принадлежат авторству Хиросигэ, и остальные 23 - кисти Эйсэна.
Дорога Кисокайдо длиной 534 км соединяла столицу сёгуна Эдо (современный Токио) с императорской столицей Киото. Простираясь через центр Японии, этот путь сливался с дорогой Токайдо буквально на нескольких последних остановках. Иногда Кисокайдо называют Накасэндо, что можно перевести как "центральный горный маршрут". Из-за сложного горного рельефа её использовали гораздо реже, чем Токайдо, поэтому представленные здесь редкие пейзажи сельской местности Японии особенно интересны с исторической точки зрения.
Обратите внимание на то, как чутко Хиросигэ сохраняет баланс между фигурами людей и картинами природы. Мягкие градации оттенков ("бокаси") демонстрируют высокое мастерство печатника в передаче разного времени суток, а также сцен с туманной дымкой. Эти, на первый взгляд, простые, и, в то же время, меткие зарисовки, поэтично отражают жизнь простого народа периода Эдо (1603–1868 гг.).
P. S. Неожиданные гравюры авторства Эйсэна (из этой серии) представлю отдельной подборкой в следующей публикации.
#УтагаваХиросигэ #сотрудничество #фукэйга #пейзажи
... Однако страстные поклонники искусства укиё-э привыкли ассоциировать его с 69 станциями на дороге Кисокайдо, которые мастерски запечатлел в одноимённой серии ксилографий творческий дуэт Утагавы Хиросигэ и Кэйсая Эйсэна. Эта серия (1834−1842 гг.) появилась после оглушительного успеха «53 станций дороги Токайдо» (1833-1834 гг.) Хиросигэ. Набор состоит из 70 (включая титульный лист) горизонтальных гравюр, 46 из которых принадлежат авторству Хиросигэ, и остальные 23 - кисти Эйсэна.
Дорога Кисокайдо длиной 534 км соединяла столицу сёгуна Эдо (современный Токио) с императорской столицей Киото. Простираясь через центр Японии, этот путь сливался с дорогой Токайдо буквально на нескольких последних остановках. Иногда Кисокайдо называют Накасэндо, что можно перевести как "центральный горный маршрут". Из-за сложного горного рельефа её использовали гораздо реже, чем Токайдо, поэтому представленные здесь редкие пейзажи сельской местности Японии особенно интересны с исторической точки зрения.
Обратите внимание на то, как чутко Хиросигэ сохраняет баланс между фигурами людей и картинами природы. Мягкие градации оттенков ("бокаси") демонстрируют высокое мастерство печатника в передаче разного времени суток, а также сцен с туманной дымкой. Эти, на первый взгляд, простые, и, в то же время, меткие зарисовки, поэтично отражают жизнь простого народа периода Эдо (1603–1868 гг.).
P. S. Неожиданные гравюры авторства Эйсэна (из этой серии) представлю отдельной подборкой в следующей публикации.
#УтагаваХиросигэ #сотрудничество #фукэйга #пейзажи
НАВЁЛ СУЕТУ
Мы уже привыкли к тому, что Кэйсай Эйсэн специализировался на портретах кокетливых дамочек. И, тем не менее, он создал ряд выдающихся пейзажей. Например, в серии «69 станций дороги Кисокайдо» (1834–1842 гг.) Эйсэн открывается зрителям с совершенно неожиданной стороны.
Маршрут Кисокайдо (от Эдо до Киото) был проложен в начале 1600-х годов благодаря указу тогдашнего правителя Японии Токугавы Иэясу. Чтобы обеспечить усталых путников ночлегом и пропитанием, по всей длине этого трудного пути были организованы перевалочные пункты с трактирами и магазинами.
Изначально именно Эйсэну было поручено создать серию работ, рассказывающих о путешествии по Кисокайдо. Однако, сделав всего 23 рисунка, он по каким-то причинам оставил проект и был заменён Утагавой Хиросигэ, который и завершил такую масштабную работу.
Не сохранилось никаких доказательств того, что Эйсэн или Хиросигэ бывали на всех этих станциях: дорога была довольно труднопроходимая и не особо популярная. Исходя из этого, исследователи предполагают, что оба художника делали свои зарисовки, вдохновляясь сценами из путеводителей.
Разницу в стиле этих двух художников можно легко проследить, обратив внимание на мелкие детали. Хиросигэ, как и всегда, искусен в пейзажах, а вот образам людей здесь он уделяет явно меньше внимания. Эйсэн, напротив, склонен к прорисовке фигур и даже черт лица. В целом, атмосфера работ Эйсэна более динамичная: герои его гравюр стараются навести суету, в отличие от как будто бы отстранённых персонажей Хиросигэ.
Серия «69 станций дороги Кисокайдо» представляет собой новые (на тот момент) и достаточно смелые композиции. Это чудо, что спустя столько лет мы можем полюбоваться на Японию XIX века во всей её красе, задолго до индустриализации. Это действительно бесценный артефакт ушедшей эпохи.
#КэйсайЭйсэн #сотрудничество #фукэйга #пейзажи
Мы уже привыкли к тому, что Кэйсай Эйсэн специализировался на портретах кокетливых дамочек. И, тем не менее, он создал ряд выдающихся пейзажей. Например, в серии «69 станций дороги Кисокайдо» (1834–1842 гг.) Эйсэн открывается зрителям с совершенно неожиданной стороны.
Маршрут Кисокайдо (от Эдо до Киото) был проложен в начале 1600-х годов благодаря указу тогдашнего правителя Японии Токугавы Иэясу. Чтобы обеспечить усталых путников ночлегом и пропитанием, по всей длине этого трудного пути были организованы перевалочные пункты с трактирами и магазинами.
Изначально именно Эйсэну было поручено создать серию работ, рассказывающих о путешествии по Кисокайдо. Однако, сделав всего 23 рисунка, он по каким-то причинам оставил проект и был заменён Утагавой Хиросигэ, который и завершил такую масштабную работу.
Не сохранилось никаких доказательств того, что Эйсэн или Хиросигэ бывали на всех этих станциях: дорога была довольно труднопроходимая и не особо популярная. Исходя из этого, исследователи предполагают, что оба художника делали свои зарисовки, вдохновляясь сценами из путеводителей.
Разницу в стиле этих двух художников можно легко проследить, обратив внимание на мелкие детали. Хиросигэ, как и всегда, искусен в пейзажах, а вот образам людей здесь он уделяет явно меньше внимания. Эйсэн, напротив, склонен к прорисовке фигур и даже черт лица. В целом, атмосфера работ Эйсэна более динамичная: герои его гравюр стараются навести суету, в отличие от как будто бы отстранённых персонажей Хиросигэ.
Серия «69 станций дороги Кисокайдо» представляет собой новые (на тот момент) и достаточно смелые композиции. Это чудо, что спустя столько лет мы можем полюбоваться на Японию XIX века во всей её красе, задолго до индустриализации. Это действительно бесценный артефакт ушедшей эпохи.
#КэйсайЭйсэн #сотрудничество #фукэйга #пейзажи
НАГОРОДИЛ!
Пейзажный жанр возник в изобразительном искусстве Японии под влиянием работ китайских мастеров. Изначально это были идеализированные картины природы "сансуйга" ("живопись гор и вод"): формы гор, рек, облаков и тумана. В переводе с китайского "shan" означает "гора", а "shui" - "вода".
Непосредственно в укиё-э пейзаж сформировался как самостоятельный жанр только в конце XVIII века и постепенно стал ведущим направлением этого искусства. А всё благодаря периодически вводимым цензурным ограничениям на изображение куртизанок и актёров Кабуки ("запрет на роскошь"). Однако к концу XVIII века под влиянием западного реализма большая часть японской пейзажной живописи превратилась из концептуального или идеализированного образа природы в натуралистичное изображение реальных мест.
Горы издавна считались в Китае священными местами, жилищами бессмертных, именно поэтому они занимали центральную часть пейзажного повествования, в то же время являя собой всего лишь плод воображения художника. Однако за этими сценами скрывается очень глубокий, философский смысл: пейзаж, окружающий гору, заставляет не только любоваться общей красотой работы, но одновременно задуматься о смысле самой горы или же о бескрайней пустоте вокруг неё. В философии конфуцианства горы - это образ спокойной неподвижности, вода - движение и перемены, а туман, окутывающий гору, - так называемая "духовная пустота", которую зритель должен заполнить, созерцая картину. Туман также символизирует "психологическую неопределенность", ведь он заслоняет вид и представляет собой отсутствие ясности или знания.
В этом редком триптихе (1843 г.) авторства Хиросигэ сплелись воедино восточная и западная традиции: чувствуется влияние китайской живописи тушью (скалы), школы японской живописи Кано (облака) и западных гравюр на меди (штриховка). Художник написал портрет конкретного места - станции Футю на дороге Токайдо. Удивительно масштабная работа для Хиросигэ, который, в основном, прославился однолистными пейзажами.
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #интересности
Пейзажный жанр возник в изобразительном искусстве Японии под влиянием работ китайских мастеров. Изначально это были идеализированные картины природы "сансуйга" ("живопись гор и вод"): формы гор, рек, облаков и тумана. В переводе с китайского "shan" означает "гора", а "shui" - "вода".
Непосредственно в укиё-э пейзаж сформировался как самостоятельный жанр только в конце XVIII века и постепенно стал ведущим направлением этого искусства. А всё благодаря периодически вводимым цензурным ограничениям на изображение куртизанок и актёров Кабуки ("запрет на роскошь"). Однако к концу XVIII века под влиянием западного реализма большая часть японской пейзажной живописи превратилась из концептуального или идеализированного образа природы в натуралистичное изображение реальных мест.
Горы издавна считались в Китае священными местами, жилищами бессмертных, именно поэтому они занимали центральную часть пейзажного повествования, в то же время являя собой всего лишь плод воображения художника. Однако за этими сценами скрывается очень глубокий, философский смысл: пейзаж, окружающий гору, заставляет не только любоваться общей красотой работы, но одновременно задуматься о смысле самой горы или же о бескрайней пустоте вокруг неё. В философии конфуцианства горы - это образ спокойной неподвижности, вода - движение и перемены, а туман, окутывающий гору, - так называемая "духовная пустота", которую зритель должен заполнить, созерцая картину. Туман также символизирует "психологическую неопределенность", ведь он заслоняет вид и представляет собой отсутствие ясности или знания.
В этом редком триптихе (1843 г.) авторства Хиросигэ сплелись воедино восточная и западная традиции: чувствуется влияние китайской живописи тушью (скалы), школы японской живописи Кано (облака) и западных гравюр на меди (штриховка). Художник написал портрет конкретного места - станции Футю на дороге Токайдо. Удивительно масштабная работа для Хиросигэ, который, в основном, прославился однолистными пейзажами.
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #интересности
ХОКУСАЙ ГОРЫНЫЧ
Хокусая называли "художником Фудзи", потому что он рисовал портреты этой величественной горы на протяжении всей своей жизни. Однако не все его Фудзи-шедевры известны широкой публике.
Например, это редчайшее "суримоно" (подарочная гравюра) изображает пышное цветение вишен в тумане на фоне снежного пика горы Фудзи. К моменту создания картины мастеру было чуть за 40, и он уже называл себя Гакёдзин — "Человек, помешанный на рисовании". Суримоно Хокусая становились всё более популярными, им начали подражать.
Беспроигрышные мотивы цветущей сакуры и горы Фудзи слились здесь воедино, словно олицетворяя собой образ японского народа. Всё гениальное просто. Но действительно ли гравюра так проста, какой кажется на первый взгляд? Давайте разбираться.
Благодаря современным технологиям мы можем взглянуть на вишнёвую сцену с Фудзи в её первозданном виде, как если бы она только вышла из печати. Теперь можно подробно рассмотреть мельчайшие детали картины. Нежные оттенки получены благодаря многократному наложению бледных цветов друг на друга: процесс длительный и трудоёмкий. Для передачи эффекта объёма лепестков использована особая техника "карадзури" (тиснение): на бумаге под давлением и без нанесения краски на доску воспроизводили выгравированные узоры. Работа выполнена на нестандартном широкоформатном листе: по специальным заказам для "суримоно" изготавливали отпечатки разных размеров.
Изящное произведение для клиента с утончённым вкусом.
#КацусикаХокусай #фукэйга #пейзажи #суримоно
Хокусая называли "художником Фудзи", потому что он рисовал портреты этой величественной горы на протяжении всей своей жизни. Однако не все его Фудзи-шедевры известны широкой публике.
Например, это редчайшее "суримоно" (подарочная гравюра) изображает пышное цветение вишен в тумане на фоне снежного пика горы Фудзи. К моменту создания картины мастеру было чуть за 40, и он уже называл себя Гакёдзин — "Человек, помешанный на рисовании". Суримоно Хокусая становились всё более популярными, им начали подражать.
Беспроигрышные мотивы цветущей сакуры и горы Фудзи слились здесь воедино, словно олицетворяя собой образ японского народа. Всё гениальное просто. Но действительно ли гравюра так проста, какой кажется на первый взгляд? Давайте разбираться.
Благодаря современным технологиям мы можем взглянуть на вишнёвую сцену с Фудзи в её первозданном виде, как если бы она только вышла из печати. Теперь можно подробно рассмотреть мельчайшие детали картины. Нежные оттенки получены благодаря многократному наложению бледных цветов друг на друга: процесс длительный и трудоёмкий. Для передачи эффекта объёма лепестков использована особая техника "карадзури" (тиснение): на бумаге под давлением и без нанесения краски на доску воспроизводили выгравированные узоры. Работа выполнена на нестандартном широкоформатном листе: по специальным заказам для "суримоно" изготавливали отпечатки разных размеров.
Изящное произведение для клиента с утончённым вкусом.
#КацусикаХокусай #фукэйга #пейзажи #суримоно
ЗА ЧТО ВЕШАЛИ ЧЕРЕПАХ?!
Зверства японцев, творившиеся в начале XX века в отряде №731, превосходили даже ужасы немецких лагерей смерти. Это подразделение занималось разработкой биологического оружия и медицинскими экспериментами на людях. Считается, что 70% жертв были из Китая и 30% — из Советского Союза.
Всё началось в 1926 году, когда императором Японии стал Хирохито. Он верил в силу науки и считал, что "во имя религии погибло больше людей, чем по любой другой причине". В официальных документах по соображениям секретности было указано, что на территории отряда находится лесопильный завод. Поэтому персонал объекта называл подопытных брёвнами ("марута"). Юмор такой у них был. Учёные с научными степенями вели журналы, в которых описывали свои опыты так, будто проводили их не над людьми, а над обезьянами. Причём научная и практическая ценность некоторых из этих садистских экспериментов была весьма сомнительна.
"Ну и при чём тут черепахи?!" - спросите вы. И тогда я расскажу вам о важном посыле гравюры (1857 г.) авторства Хиросигэ "Мост Маннен в Фукагаве" из серии «Сто видов знаменитых мест Эдо». Эта работа представляет собой словесно-визуальную игру: черепаха является традиционным символом долголетия в китайских и японских преданиях, а название моста Маннен означает "десять тысяч лет". На картине черепаха, подвешенная к кадке с водой на мосту, продаётся для выпуска на волю. И, кажется, она в стрессе: откуда ей знать, что её не скушают?!
В период Эдо была очень популярна буддийская церемония освобождения живых существ. На территории святынь и храмов устанавливались киоски, в которых продавали черепах, угрей и птиц для "спасения". Считалось, что за подобные добрые дела можно получить плюсик в карму. Ритуал демонстрировал сострадание ко всему живому.
И вот после таких вроде бы чудесных традиций, которые учат детишек любви и милосердию, в истории Японии появляются эпизоды с крайней жестокостью учёных-биологов. Когнитивный диссонанс, однако.
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #интересности #минуткаистории
Зверства японцев, творившиеся в начале XX века в отряде №731, превосходили даже ужасы немецких лагерей смерти. Это подразделение занималось разработкой биологического оружия и медицинскими экспериментами на людях. Считается, что 70% жертв были из Китая и 30% — из Советского Союза.
Всё началось в 1926 году, когда императором Японии стал Хирохито. Он верил в силу науки и считал, что "во имя религии погибло больше людей, чем по любой другой причине". В официальных документах по соображениям секретности было указано, что на территории отряда находится лесопильный завод. Поэтому персонал объекта называл подопытных брёвнами ("марута"). Юмор такой у них был. Учёные с научными степенями вели журналы, в которых описывали свои опыты так, будто проводили их не над людьми, а над обезьянами. Причём научная и практическая ценность некоторых из этих садистских экспериментов была весьма сомнительна.
"Ну и при чём тут черепахи?!" - спросите вы. И тогда я расскажу вам о важном посыле гравюры (1857 г.) авторства Хиросигэ "Мост Маннен в Фукагаве" из серии «Сто видов знаменитых мест Эдо». Эта работа представляет собой словесно-визуальную игру: черепаха является традиционным символом долголетия в китайских и японских преданиях, а название моста Маннен означает "десять тысяч лет". На картине черепаха, подвешенная к кадке с водой на мосту, продаётся для выпуска на волю. И, кажется, она в стрессе: откуда ей знать, что её не скушают?!
В период Эдо была очень популярна буддийская церемония освобождения живых существ. На территории святынь и храмов устанавливались киоски, в которых продавали черепах, угрей и птиц для "спасения". Считалось, что за подобные добрые дела можно получить плюсик в карму. Ритуал демонстрировал сострадание ко всему живому.
И вот после таких вроде бы чудесных традиций, которые учат детишек любви и милосердию, в истории Японии появляются эпизоды с крайней жестокостью учёных-биологов. Когнитивный диссонанс, однако.
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #интересности #минуткаистории
СНОВА РЫБОВ ПОКАЗЫВАЮ
Нет, это не сушёная вобла для закуси, и палка на картине - отнюдь не удочка. Перед вами - украшение для Праздника мальчиков (ныне День детей), который отмечают в Японии сегодня, 5 мая.
В период Эдо (1603–1867 гг.) это было ежегодное событие, чтобы отпраздновать рождение мальчика и пожелать ему здоровья и успеха в жизни. В самурайских домах вывешивали вертикальные знамёна с фамильными гербами и изображениями укротителя демонов Чжан Куя – легендарного китайского персонажа. А простые горожане выставляли "коинобори" – тряпичные ветроуказатели в форме карпов. Образ карпа был также взят из древней китайской легенды, рассказывающей о превращении карпа, плывущего вверх по водопаду, в дракона. Карп – это рыба, которая бодро плавает даже в бурных реках и взбирается на водопады. Поэтому такая символика являлась пожеланием, чтобы дети росли крепкими и решительными, как сильный и удачливый карп.
На первой гравюре (1857 г.) авторства Хиросигэ на заднем плане изображён жилой район самураев Суругадай со множеством праздничных знамён. К району ведёт мост Суйдобаси, который как раз пересекает самурайская процессия. Развевающийся на ветру "коинобори" горожан (которые жили на противоположной от самураев стороне моста) по сути является акцентом всей композиции. Такой масштаб фигуры карпа на переднем плане можно считать сатирическим намёком на спад влияния самураев.
Вторая гравюра (1885 г.) Тиканобу демонстрирует самурайскую резиденцию и импровизированное детское сражение под присмотром наставника. В левом нижнем углу мы видим портрет укротителя демонов, а в правом верхнем – большого ветрового карпа и подвешенные к карнизу листья ириса для отпугивания зла. Третья гравюра (1840 г.) с играющими детьми на празднике принадлежит Куниёси.
Изначально Праздник мальчиков был создан для того, чтобы отгонять болезни ("демонов"), поскольку люди становились уязвимы для заболеваний во время смены климата: после окончания весны и до наступления лета.
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #рыбовпоказываю #минуткаистории #интересности
Нет, это не сушёная вобла для закуси, и палка на картине - отнюдь не удочка. Перед вами - украшение для Праздника мальчиков (ныне День детей), который отмечают в Японии сегодня, 5 мая.
В период Эдо (1603–1867 гг.) это было ежегодное событие, чтобы отпраздновать рождение мальчика и пожелать ему здоровья и успеха в жизни. В самурайских домах вывешивали вертикальные знамёна с фамильными гербами и изображениями укротителя демонов Чжан Куя – легендарного китайского персонажа. А простые горожане выставляли "коинобори" – тряпичные ветроуказатели в форме карпов. Образ карпа был также взят из древней китайской легенды, рассказывающей о превращении карпа, плывущего вверх по водопаду, в дракона. Карп – это рыба, которая бодро плавает даже в бурных реках и взбирается на водопады. Поэтому такая символика являлась пожеланием, чтобы дети росли крепкими и решительными, как сильный и удачливый карп.
На первой гравюре (1857 г.) авторства Хиросигэ на заднем плане изображён жилой район самураев Суругадай со множеством праздничных знамён. К району ведёт мост Суйдобаси, который как раз пересекает самурайская процессия. Развевающийся на ветру "коинобори" горожан (которые жили на противоположной от самураев стороне моста) по сути является акцентом всей композиции. Такой масштаб фигуры карпа на переднем плане можно считать сатирическим намёком на спад влияния самураев.
Вторая гравюра (1885 г.) Тиканобу демонстрирует самурайскую резиденцию и импровизированное детское сражение под присмотром наставника. В левом нижнем углу мы видим портрет укротителя демонов, а в правом верхнем – большого ветрового карпа и подвешенные к карнизу листья ириса для отпугивания зла. Третья гравюра (1840 г.) с играющими детьми на празднике принадлежит Куниёси.
Изначально Праздник мальчиков был создан для того, чтобы отгонять болезни ("демонов"), поскольку люди становились уязвимы для заболеваний во время смены климата: после окончания весны и до наступления лета.
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #рыбовпоказываю #минуткаистории #интересности
ГОРДОСТЬ ЯПОНИИ
Укиё-э, расцвет которого, несомненно, пришёлся на период Эдо (1603–1868 гг.), сразил наповал своими цветовыми сочетаниями и смелыми композициями не только известных художников вроде Ван Гога или Моне, но и обычных людей по всему миру. Зачастую именно это искусство представляет японскую культуру и является гордостью страны.
И что больше всего удивляет и одновременно восхищает меня в укиё-э, так это его общедоступность. Вы только задумайтесь: когда-то простолюдины имели возможность пачками скупать картины такого высокого качества!
В период Эдо в изготовлении укиё-э участвовали художники, резчики и печатники. Благодаря разделению труда работа выполнялась намного быстрее. И вы, возможно, не поверите, но традиционный процесс ксилографии сохранился до наших дней! Существуют аж несколько издательств, которые придерживаются тех же строгих стандартов, что и их коллеги из XIX века.
Например, Институт ксилографии Адати был основан в 1928 году с целью сохранения и передачи будущим поколениям традиций японской гравюры на дереве и её уникального метода печати. А ведь это было довольно рискованно, потому что в начале XX века простые японцы резко отвернулись от гравюр в пользу искусства фотографии.
К счастью, всё поменялось примерно в 1950-х годах на волне растущего интереса к ксилографии периода Эдо. Издательство "Адати" созвало лучших печатников и резчиков по дереву и с новыми силами стало выпускать качественные репринты работ величайших мастеров укиё-э.
Репродукции, созданные издательством Адати по оригинальной технологии с деревянных блоков, помогают людям увидеть те самые гравюры глазами жителей Эдо. Ведь гораздо приятнее любоваться на красочные картины, а не на выцветшие и грязные бумажки, поеденные червями и грибком. Помните: вся прелесть укиё-э - в их дизайне, а не в "древности". Вы только посмотрите, как заиграли свежими красками работы Хиросигэ из серии «36 видов на гору Фудзи»!
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #минуткаистории
Укиё-э, расцвет которого, несомненно, пришёлся на период Эдо (1603–1868 гг.), сразил наповал своими цветовыми сочетаниями и смелыми композициями не только известных художников вроде Ван Гога или Моне, но и обычных людей по всему миру. Зачастую именно это искусство представляет японскую культуру и является гордостью страны.
И что больше всего удивляет и одновременно восхищает меня в укиё-э, так это его общедоступность. Вы только задумайтесь: когда-то простолюдины имели возможность пачками скупать картины такого высокого качества!
В период Эдо в изготовлении укиё-э участвовали художники, резчики и печатники. Благодаря разделению труда работа выполнялась намного быстрее. И вы, возможно, не поверите, но традиционный процесс ксилографии сохранился до наших дней! Существуют аж несколько издательств, которые придерживаются тех же строгих стандартов, что и их коллеги из XIX века.
Например, Институт ксилографии Адати был основан в 1928 году с целью сохранения и передачи будущим поколениям традиций японской гравюры на дереве и её уникального метода печати. А ведь это было довольно рискованно, потому что в начале XX века простые японцы резко отвернулись от гравюр в пользу искусства фотографии.
К счастью, всё поменялось примерно в 1950-х годах на волне растущего интереса к ксилографии периода Эдо. Издательство "Адати" созвало лучших печатников и резчиков по дереву и с новыми силами стало выпускать качественные репринты работ величайших мастеров укиё-э.
Репродукции, созданные издательством Адати по оригинальной технологии с деревянных блоков, помогают людям увидеть те самые гравюры глазами жителей Эдо. Ведь гораздо приятнее любоваться на красочные картины, а не на выцветшие и грязные бумажки, поеденные червями и грибком. Помните: вся прелесть укиё-э - в их дизайне, а не в "древности". Вы только посмотрите, как заиграли свежими красками работы Хиросигэ из серии «36 видов на гору Фудзи»!
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #минуткаистории
ПЬЯНАЯ ВИШНЯ
Вы только представьте: сколько радости доставляли людям подобные картины на веерах ("утива-э")!
На этой гравюре запечатлены праздничные гуляния под цветущей сакурой. Уже порядочно наханамившиеся отдыхающие попали под дождь в самый разгарпьянки пикника. Один из мужчин решил укрыться от ливня под скатертью, опрокинув всю посуду, а другой безуспешно пытается поймать падающий бочонок с саке. Их спутница, похоже, немного растеряна, но вот-вот примет приглашение поиграть в прятки с дождём. Проходящие мимо мама с дочкой едва сдерживают смех. Изумительная работа.
Приглядитесь: пышные ветви вишнёвого дерева напоминают облака. Цветущую сакуру действительно сравнивают с облаками, потому что её цветы распускаются сразу целыми пучками, а листья появляются намного позже. И кажется, будто нежные розовые облака застряли в ветвях. Затем, подобно облакам, цветы так же внезапно исчезают. Из-за этого цветение сакуры стало символизировать быстротечность жизни. Однако несмотря на то, что официально сезоном "ханами" обычно считается конец марта — начало апреля, из-за географической протяженности Японии вишнёвый беспредел затягивается чуть ли не на 4 месяца! Так что можно смело публиковать сакурные гравюры весь июнь)
Вообще такая "пейзажная" работа в веерном формате совсем не типична для Кунисады. Тем более, с элементами комической сценки (хотя вишнёвые попойки нам уже знакомы). Это единственный сохранившийся экземпляр картины, исключительная редкость.
Одна из красивейших веерных гравюр.
#УтагаваКунисада #фукэйга #пейзажи #утиваэ #веернаягравюра #редкость
Вы только представьте: сколько радости доставляли людям подобные картины на веерах ("утива-э")!
На этой гравюре запечатлены праздничные гуляния под цветущей сакурой. Уже порядочно наханамившиеся отдыхающие попали под дождь в самый разгар
Приглядитесь: пышные ветви вишнёвого дерева напоминают облака. Цветущую сакуру действительно сравнивают с облаками, потому что её цветы распускаются сразу целыми пучками, а листья появляются намного позже. И кажется, будто нежные розовые облака застряли в ветвях. Затем, подобно облакам, цветы так же внезапно исчезают. Из-за этого цветение сакуры стало символизировать быстротечность жизни. Однако несмотря на то, что официально сезоном "ханами" обычно считается конец марта — начало апреля, из-за географической протяженности Японии вишнёвый беспредел затягивается чуть ли не на 4 месяца! Так что можно смело публиковать сакурные гравюры весь июнь)
Вообще такая "пейзажная" работа в веерном формате совсем не типична для Кунисады. Тем более, с элементами комической сценки (хотя вишнёвые попойки нам уже знакомы). Это единственный сохранившийся экземпляр картины, исключительная редкость.
Одна из красивейших веерных гравюр.
#УтагаваКунисада #фукэйга #пейзажи #утиваэ #веернаягравюра #редкость
БЕЗ ШТАНОВ НЕ СТЫДНО!
«Весь этот люд, и стар, и млад, засучив повыше штаны, а то и вовсе без оных, в коротеньких синих распашонках, с плетёными корзинами в руках, торопливо и весело отправляется на свой кратковременный промысел и целыми стаями усеивает на далёкое расстояние всё отмелое взморье... В прежнее время прибрежное население хаживало на этот промысел просто в костюме праотца Адама, но это очень шокировало леди Паркс, жену английского посланника, по настоянию которого правительство запретило ракушникам появляться на взморье без одежды».
— В. В. Крестовский
Русский поэт и прозаик Всеволод Крестовский путешествовал по Японии в период с 1880 по 1881 годы, когда служил секретарём при начальнике Тихоокеанской эскадры. Делал очень любопытные зарисовки о быте и нравах японцев, накопив огромное количество материала.
Если вам это имя ничего не говорит, вспомните сериал из 90-х под названием «Петербургские тайны», который был снят по мотивам авантюрного романа Крестовского «Петербургские трущобы» (1864—1866 гг.). Во второй половине XIX века это произведение гремело по всей России. И это неудивительно, ведь в нём автор подробно описывал ночлежки, притоны, тюремные камеры, публичные дома и роскошные апартаменты буржуев. Даже про оргии не забыл упомянуть. Однако оригинальный роман, в отличие от российского сериала, заканчивался трагично. К тому же, сценаристы полностью переработали характеры и поступки многих персонажей.
P. S. На фрагменте гравюры (1871 г.) авторства Сёсая Иккэя можно подробно рассмотреть голозадых деревенских мужичков. А что, очень даже удобно, и ветерок обдувает...
#СёсайИккэй #фукэйга #пейзажи #иностранцы #минуткаистории #интересности
«Весь этот люд, и стар, и млад, засучив повыше штаны, а то и вовсе без оных, в коротеньких синих распашонках, с плетёными корзинами в руках, торопливо и весело отправляется на свой кратковременный промысел и целыми стаями усеивает на далёкое расстояние всё отмелое взморье... В прежнее время прибрежное население хаживало на этот промысел просто в костюме праотца Адама, но это очень шокировало леди Паркс, жену английского посланника, по настоянию которого правительство запретило ракушникам появляться на взморье без одежды».
— В. В. Крестовский
Русский поэт и прозаик Всеволод Крестовский путешествовал по Японии в период с 1880 по 1881 годы, когда служил секретарём при начальнике Тихоокеанской эскадры. Делал очень любопытные зарисовки о быте и нравах японцев, накопив огромное количество материала.
Если вам это имя ничего не говорит, вспомните сериал из 90-х под названием «Петербургские тайны», который был снят по мотивам авантюрного романа Крестовского «Петербургские трущобы» (1864—1866 гг.). Во второй половине XIX века это произведение гремело по всей России. И это неудивительно, ведь в нём автор подробно описывал ночлежки, притоны, тюремные камеры, публичные дома и роскошные апартаменты буржуев. Даже про оргии не забыл упомянуть. Однако оригинальный роман, в отличие от российского сериала, заканчивался трагично. К тому же, сценаристы полностью переработали характеры и поступки многих персонажей.
P. S. На фрагменте гравюры (1871 г.) авторства Сёсая Иккэя можно подробно рассмотреть голозадых деревенских мужичков. А что, очень даже удобно, и ветерок обдувает...
#СёсайИккэй #фукэйга #пейзажи #иностранцы #минуткаистории #интересности
РЕПРОДУКТИВНЫЙ ПОДХОД!
Главная идея искусства укиё-э заключалась в его общедоступности. Гравюры создавались для развлечения именно простых людей, а не для удовлетворения прихотей знати. Представьте, в период Эдо вы могли бы купить потрясающий высококачественный дизайн буквально по цене миски риса! Эти великолепные картины хранили дома в альбомах (например, портреты популярных актёров того времени или эротические гравюры), либо украшали ими переносные ширмы (в случае с пейзажами). А если отпечаток изнашивался от излишнего любования и демонстрации гостям, его с лёгкостью заменяли на другой.
Гравюры, выполненные ещё при жизни художника (даже заражённые спорами плесени) обычно считаются более ценными, но только из-за их редкости и исторической значимости. Однако этих картин не касалась рука самого мастера, ведь в издательство он передавал только чёрно-белый подготовительный рисунок, по линиям которого уже резчик вырезал изображение на деревянном блоке (сам рисунок при этом уничтожался в процессе резки). Правомерно ли тогда считать "оригиналами" огромное количество копий с этого блока? Например, «Большая волна в Канагаве», самая известная гравюра Хокусая, была напечатана примерно около 4000 раз (!), и это только с того первоначального деревянного блока! С периода Мэйдзи (1868—1912 гг.) количество репродукций и переизданий подобных работ исчисляется десятками тысяч.
На мой взгляд, нет смысла переплачивать за якобы "оригиналы", выцветшие и заражённые грибком, если можно приобрести красочную и недорогую репродукцию, выполненную с полным соблюдением традиционных техник, использованием качественной бумаги и пигментов. Такие картины, созданные по оригинальной технологии с деревянных блоков, помогают людям увидеть те самые гравюры глазами жителей Эдо.
Повторюсь: вся прелесть укиё-э — в их дизайне, а не в "древности".
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #минуткаистории
Главная идея искусства укиё-э заключалась в его общедоступности. Гравюры создавались для развлечения именно простых людей, а не для удовлетворения прихотей знати. Представьте, в период Эдо вы могли бы купить потрясающий высококачественный дизайн буквально по цене миски риса! Эти великолепные картины хранили дома в альбомах (например, портреты популярных актёров того времени или эротические гравюры), либо украшали ими переносные ширмы (в случае с пейзажами). А если отпечаток изнашивался от излишнего любования и демонстрации гостям, его с лёгкостью заменяли на другой.
Гравюры, выполненные ещё при жизни художника (даже заражённые спорами плесени) обычно считаются более ценными, но только из-за их редкости и исторической значимости. Однако этих картин не касалась рука самого мастера, ведь в издательство он передавал только чёрно-белый подготовительный рисунок, по линиям которого уже резчик вырезал изображение на деревянном блоке (сам рисунок при этом уничтожался в процессе резки). Правомерно ли тогда считать "оригиналами" огромное количество копий с этого блока? Например, «Большая волна в Канагаве», самая известная гравюра Хокусая, была напечатана примерно около 4000 раз (!), и это только с того первоначального деревянного блока! С периода Мэйдзи (1868—1912 гг.) количество репродукций и переизданий подобных работ исчисляется десятками тысяч.
На мой взгляд, нет смысла переплачивать за якобы "оригиналы", выцветшие и заражённые грибком, если можно приобрести красочную и недорогую репродукцию, выполненную с полным соблюдением традиционных техник, использованием качественной бумаги и пигментов. Такие картины, созданные по оригинальной технологии с деревянных блоков, помогают людям увидеть те самые гравюры глазами жителей Эдо.
Повторюсь: вся прелесть укиё-э — в их дизайне, а не в "древности".
#УтагаваХиросигэ #фукэйга #пейзажи #минуткаистории
ФУДЗИ НЕ ТУХНЕТ!
В детстве вы, наверное, часто слышали от своих родителей фразу: "Не играй с едой!" Для потомков жителей блокадного Ленинграда это особенно актуально. Однако современные реалии буквально заставляют творческих людей всячески изощряться, чтобы привлечь к себе внимание вечно скучающей публики, которую, кажется, уже мало что удивляет.
В итоге некоторые художники стали "рисовать" настоящей едой: эти ребята с гордостью величают себя "фуд-стилистами" и собирают толпы подписчиков в соцсетях! А вот и пример работы такого мастера, вдохновлённый хокусаевской "Красной Фудзи" (ок. 1829—1833 гг.). Создатель лососёвой Фудзи, Татьяна Шкондина, стремится передать оригинальные цвета, текстуры и общий стиль знаменитых полотен с помощью обычных продуктов из супермаркета:
"Для картины Хокусая я выбрала распространённые японские продукты: лосося, зелёный чай и рис. Они просты, но обладают ярким цветом, вкусом и текстурой, как и многие вещи в Японии".
Шкондина — отнюдь не новатор в этом жанре. Если не брать в расчёт типичных инстаграмщиков, постоянно фоткающих свои пищевые привычки (фуд-фотографы тоже считаются художниками, кстати!), "люди искусства" по всему миру ещё с середины 70-х годов используют еду для создания съедобных картин или даже скульптур. Легко гуглятся: вонючая сырная инсталляция Дитера Рота (37 чемоданов с сыром!), протухшие пейзажи Карла Уорнера, жевательные скульптуры Маурицио Савиньи, голые барышни из карамели Джозефа Марра (этих дам даже можно облизать!).
У такого вида искусства есть один несомненный плюс: художник никогда не останется голодным!
А как лично вы относитесь к художественным экспериментам с едой? Ставьте:
😡 — если решительно осуждаете (по ситуации на октябрь 2024 года в мире около 1,9 миллиона человек находятся на грани голода);
🔥 — если видите в этом только креатив (на картины ведь много еды не уйдёт);
👀 — если вам сложно оценить такое творчество вне конкретного контекста;
❤️🔥 — если теперь не можете выбросить из головы карамельных нудисток.
P. S. А котики считают, что рыбов нужно кушац, а не просто показывац.
#КацусикаХокусай #фукэйга #пейзажи #минуткаистории #интерактив
В детстве вы, наверное, часто слышали от своих родителей фразу: "Не играй с едой!" Для потомков жителей блокадного Ленинграда это особенно актуально. Однако современные реалии буквально заставляют творческих людей всячески изощряться, чтобы привлечь к себе внимание вечно скучающей публики, которую, кажется, уже мало что удивляет.
В итоге некоторые художники стали "рисовать" настоящей едой: эти ребята с гордостью величают себя "фуд-стилистами" и собирают толпы подписчиков в соцсетях! А вот и пример работы такого мастера, вдохновлённый хокусаевской "Красной Фудзи" (ок. 1829—1833 гг.). Создатель лососёвой Фудзи, Татьяна Шкондина, стремится передать оригинальные цвета, текстуры и общий стиль знаменитых полотен с помощью обычных продуктов из супермаркета:
"Для картины Хокусая я выбрала распространённые японские продукты: лосося, зелёный чай и рис. Они просты, но обладают ярким цветом, вкусом и текстурой, как и многие вещи в Японии".
Шкондина — отнюдь не новатор в этом жанре. Если не брать в расчёт типичных инстаграмщиков, постоянно фоткающих свои пищевые привычки (фуд-фотографы тоже считаются художниками, кстати!), "люди искусства" по всему миру ещё с середины 70-х годов используют еду для создания съедобных картин или даже скульптур. Легко гуглятся: вонючая сырная инсталляция Дитера Рота (37 чемоданов с сыром!), протухшие пейзажи Карла Уорнера, жевательные скульптуры Маурицио Савиньи, голые барышни из карамели Джозефа Марра (этих дам даже можно облизать!).
У такого вида искусства есть один несомненный плюс: художник никогда не останется голодным!
А как лично вы относитесь к художественным экспериментам с едой? Ставьте:
😡 — если решительно осуждаете (по ситуации на октябрь 2024 года в мире около 1,9 миллиона человек находятся на грани голода);
🔥 — если видите в этом только креатив (на картины ведь много еды не уйдёт);
👀 — если вам сложно оценить такое творчество вне конкретного контекста;
❤️🔥 — если теперь не можете выбросить из головы карамельных нудисток.
P. S. А котики считают, что рыбов нужно кушац, а не просто показывац.
#КацусикаХокусай #фукэйга #пейзажи #минуткаистории #интерактив