The Necks «Bleed» (Northern Spy, 2024)
Заслуженное австралийское трио — клавишник Крис Абрахамс, контрабасист Ллойд Суонтон и перкуссионист Тони Бак — под конец минувшего года выпустило очередной студийный альбом. Это уже восемнадцатая работа коллектива за 35 лет их совместной деятельности.
Название «Bleed» допускает разные варианты перевода — отсутствие предлога «to» не делает его однозначным. Но, допустим, оно символизирует процесс кровотечения. Обложка альбома изображает заросли травы: сначала кажется, что они колышутся на ветру, но стоит присмотреться, и это просто потоптанные растения, застывшие в неправильной геометрии, лишенные жизни и движения.
Единственная композиция длиной в 42 минуты звучит как обе эти метафоры: как долгий, медленный поток крови из незаживающей раны и как минималистичный пейзаж, где глаз едва улавливает изменения. Основа и двигатель музыки — протяженная фортепианная партия Криса Абрахамса. Она сочетает раскатистые, медленные фразы с отрывочными и краткими. На этой базе время от времени возникают другие музыкальные события: басовый шум и протяжное соло Суонтона, шорохи перкуссии и лаконичные барабанные перестуки Бака. Издание The Quietus сравнило эту музыку с «произведением Мортона Фелдмана в исполнении группы Talk Talk». Это удачная аллегория для тех, кто знаком с творчеством великого американского композитора и классиков британского построка. Но так как мы пишем о джазе, то предложим другой образ: представьте, что классические записи трио Джимми Джуффри начала 60-х с Полом Блеем и Стивом Суоллоу расщепили на атомы.
В большой дискографии The Necks есть, по крайней мере, один альбом, с которым «Bleed» можно сравнить, — это «Open» (2013). На нем группа тоже отказалась от пульсирующих и моторных ритмов — и на нем тоже роль главного голоса играло фортепиано. Однако тогда игра Криса Абрахамса была похожа на заклинания: рапсодическая, почти магическая, напоминающая фортепиано Робби Басё, мастера американского примитивизма. На «Bleed» подход куда сдержаннее.
Это важно. Даже обращаясь к формально схожим концепциям, The Necks спустя 35 лет после своего дебюта находят способ представить их как нечто совершенно оригинальное. Они демонстрируют удивительную фантазию для инструментального коллектива, который так долго остается в строю. Легенды могли бы почивать на лаврах, но предпочитают искать новое. Это похвально.
Но похвальней, в конце концов, неиссякаемая способность The Necks будить музыкой чувства, о которых забылось. «Bleed» — не запись для фонового звучания, но и не сказать, что она требует напряженного внимания, глубокого прослушивания или детального анализа. Просто включаешь ее — и первые ноты фортепиано будто проводят осколком стекла по душе независимо от твоего желания. Истекает ли душа кровью? Не знаем. Но сердце, несомненно, кровью обливается.
Олег Соболев
Apple Music | YouTube | Bandcamp | Spotify
Заслуженное австралийское трио — клавишник Крис Абрахамс, контрабасист Ллойд Суонтон и перкуссионист Тони Бак — под конец минувшего года выпустило очередной студийный альбом. Это уже восемнадцатая работа коллектива за 35 лет их совместной деятельности.
Название «Bleed» допускает разные варианты перевода — отсутствие предлога «to» не делает его однозначным. Но, допустим, оно символизирует процесс кровотечения. Обложка альбома изображает заросли травы: сначала кажется, что они колышутся на ветру, но стоит присмотреться, и это просто потоптанные растения, застывшие в неправильной геометрии, лишенные жизни и движения.
Единственная композиция длиной в 42 минуты звучит как обе эти метафоры: как долгий, медленный поток крови из незаживающей раны и как минималистичный пейзаж, где глаз едва улавливает изменения. Основа и двигатель музыки — протяженная фортепианная партия Криса Абрахамса. Она сочетает раскатистые, медленные фразы с отрывочными и краткими. На этой базе время от времени возникают другие музыкальные события: басовый шум и протяжное соло Суонтона, шорохи перкуссии и лаконичные барабанные перестуки Бака. Издание The Quietus сравнило эту музыку с «произведением Мортона Фелдмана в исполнении группы Talk Talk». Это удачная аллегория для тех, кто знаком с творчеством великого американского композитора и классиков британского построка. Но так как мы пишем о джазе, то предложим другой образ: представьте, что классические записи трио Джимми Джуффри начала 60-х с Полом Блеем и Стивом Суоллоу расщепили на атомы.
В большой дискографии The Necks есть, по крайней мере, один альбом, с которым «Bleed» можно сравнить, — это «Open» (2013). На нем группа тоже отказалась от пульсирующих и моторных ритмов — и на нем тоже роль главного голоса играло фортепиано. Однако тогда игра Криса Абрахамса была похожа на заклинания: рапсодическая, почти магическая, напоминающая фортепиано Робби Басё, мастера американского примитивизма. На «Bleed» подход куда сдержаннее.
Это важно. Даже обращаясь к формально схожим концепциям, The Necks спустя 35 лет после своего дебюта находят способ представить их как нечто совершенно оригинальное. Они демонстрируют удивительную фантазию для инструментального коллектива, который так долго остается в строю. Легенды могли бы почивать на лаврах, но предпочитают искать новое. Это похвально.
Но похвальней, в конце концов, неиссякаемая способность The Necks будить музыкой чувства, о которых забылось. «Bleed» — не запись для фонового звучания, но и не сказать, что она требует напряженного внимания, глубокого прослушивания или детального анализа. Просто включаешь ее — и первые ноты фортепиано будто проводят осколком стекла по душе независимо от твоего желания. Истекает ли душа кровью? Не знаем. Но сердце, несомненно, кровью обливается.
Олег Соболев
Apple Music | YouTube | Bandcamp | Spotify
💽 В новой рубрике «Джазист слушает» наши постоянные авторы будут делиться впечатлениями от новых альбомов. Начинаем с рекомендаций Ильи Рассказова («Headz.FM»):
Jeff Parker ETA IVtet «The Way Out of Easy» (International Anthem, 2024)
Новая работа гитариста Джеффа Паркера — результат семилетней резиденции его квартета в ETA (Энфилдской теннисной академии). Сначала они развлекали состоятельных посетителей ETA джазовыми стандартами и классикой бибопа, но постепенно эти сессии выросли в настоящую достопримечательность джазовой сцены Лос-Анджелеса. Участниками были друг и соратник Паркера Джош Джонсон (саксофонист, композитор, продюсер и лауреат «Грэмми»), а также молодые протеже гитариста — контрабасистка Анна Баттерсс и барабанщик Джей Бельроуз. Квартет не отказывал себе в крупных формах: в альбом вошли четыре композиции, а общий хронометраж составил 80 минут. Это, пожалуй, один из лучших живых импровизационных альбомов прошлого года.
«Paul Murphy presents: Copa Salvo» (Jazz Room, 2024)
Лондонский адепт танцевальных ритмов и один из старейших представителей местной джазовой аристократии Пол Мёрфи продолжает изучать музыкальный ландшафт Японии. Вслед за альбомом Indigo Jam Unit, семидюймовками Такуми Мория и дуэта Cruisic, переизданиями Терумасы Хино на лейбле Jazz Room увидела свет компиляция записей токийского квинтета Copa Salvo. Группа играет хитровыдуманную смесь из латин-джаза, афро-кубинских мелодий и ритмов, бугалу и сальсы, приправляя это пряным азиатским соусом из лук тхунга, японской пентатоники и прочих экзотических ингредиентов. Настоятельно рекомендуется всем поклонникам J-джаза.
Marcos Valle «Túnel Acústico» (Far Out, 2024)
В этом году Маркушу Валле исполнится 82. «Túnel Acúctico» — его двадцать третий альбом. Новая запись прошла мимо медийных радаров, и это несправедливо по отношению к бразильской легенде. Пластинка кажется ретроспективой его славной карьеры, в которой были и самба с босса-новой, и джаз, и диско, и трип-хоп, и музыка к мыльным операм или для занятий аэробикой. Но этот альбом — один из лучших в его дискографии. Здесь вроде бы нет явных хитов, хотя поклонники джаза высоко оценят изящный неосвинг «Não Sei» или романтичный фьюжн «Bora Meu Bem». В «Palavras Tão Gentis» и посвящении Бёрту Бакараку «Thank You Burt» Валле возврашается к мотивам, вдохновлявшим его работу с трио Azymuth.
Илья Рассказов
Jeff Parker ETA IVtet «The Way Out of Easy» (International Anthem, 2024)
Новая работа гитариста Джеффа Паркера — результат семилетней резиденции его квартета в ETA (Энфилдской теннисной академии). Сначала они развлекали состоятельных посетителей ETA джазовыми стандартами и классикой бибопа, но постепенно эти сессии выросли в настоящую достопримечательность джазовой сцены Лос-Анджелеса. Участниками были друг и соратник Паркера Джош Джонсон (саксофонист, композитор, продюсер и лауреат «Грэмми»), а также молодые протеже гитариста — контрабасистка Анна Баттерсс и барабанщик Джей Бельроуз. Квартет не отказывал себе в крупных формах: в альбом вошли четыре композиции, а общий хронометраж составил 80 минут. Это, пожалуй, один из лучших живых импровизационных альбомов прошлого года.
«Paul Murphy presents: Copa Salvo» (Jazz Room, 2024)
Лондонский адепт танцевальных ритмов и один из старейших представителей местной джазовой аристократии Пол Мёрфи продолжает изучать музыкальный ландшафт Японии. Вслед за альбомом Indigo Jam Unit, семидюймовками Такуми Мория и дуэта Cruisic, переизданиями Терумасы Хино на лейбле Jazz Room увидела свет компиляция записей токийского квинтета Copa Salvo. Группа играет хитровыдуманную смесь из латин-джаза, афро-кубинских мелодий и ритмов, бугалу и сальсы, приправляя это пряным азиатским соусом из лук тхунга, японской пентатоники и прочих экзотических ингредиентов. Настоятельно рекомендуется всем поклонникам J-джаза.
Marcos Valle «Túnel Acústico» (Far Out, 2024)
В этом году Маркушу Валле исполнится 82. «Túnel Acúctico» — его двадцать третий альбом. Новая запись прошла мимо медийных радаров, и это несправедливо по отношению к бразильской легенде. Пластинка кажется ретроспективой его славной карьеры, в которой были и самба с босса-новой, и джаз, и диско, и трип-хоп, и музыка к мыльным операм или для занятий аэробикой. Но этот альбом — один из лучших в его дискографии. Здесь вроде бы нет явных хитов, хотя поклонники джаза высоко оценят изящный неосвинг «Não Sei» или романтичный фьюжн «Bora Meu Bem». В «Palavras Tão Gentis» и посвящении Бёрту Бакараку «Thank You Burt» Валле возврашается к мотивам, вдохновлявшим его работу с трио Azymuth.
Илья Рассказов
Anna Butterss «Mighty Vertebrate» (International Anthem, 2024)
В предыдущем посте Илья Рассказов написал о пластинке Джеффа Паркера «The Way Out of Easy», где играет басистка Анна Баттерсс. Теперь стоит рассказать о ее собственном альбоме «Mighty Vertebrate», который вышел осенью прошлого года.
Слово Леониду Аускерну: «"Mighty Vertebrate" дружно не поймут как поклонники мейнстрима, так и любители авангарда. Да, эта работа со странной смесью афропопа, фьюжн, драм-энд-бейса и постхип-хопа, обильно приправленная электронными эффектами и сэмплами, плохо вписывается в те или иные стандарты. Обозревателю легче спрятаться за безразмерным ярлычком "кроссовер", тем более что в данном случае он будет не слишком далек от истины.
Не ищите на этом альбоме развернутых инструментальных соло. Даже гитаре Паркера не удалось особо развернуться, а альт-саксофон Джонсона во всех пьесах ограничен короткими, хотя и уместными репликами. Что же, наверное, джаз на исходе первой четверти XXI века может быть и таким, нравится нам это или нет».
Полную рецензию читайте на сайте «Джазиста»
Слушать альбом
В предыдущем посте Илья Рассказов написал о пластинке Джеффа Паркера «The Way Out of Easy», где играет басистка Анна Баттерсс. Теперь стоит рассказать о ее собственном альбоме «Mighty Vertebrate», который вышел осенью прошлого года.
Слово Леониду Аускерну: «"Mighty Vertebrate" дружно не поймут как поклонники мейнстрима, так и любители авангарда. Да, эта работа со странной смесью афропопа, фьюжн, драм-энд-бейса и постхип-хопа, обильно приправленная электронными эффектами и сэмплами, плохо вписывается в те или иные стандарты. Обозревателю легче спрятаться за безразмерным ярлычком "кроссовер", тем более что в данном случае он будет не слишком далек от истины.
Не ищите на этом альбоме развернутых инструментальных соло. Даже гитаре Паркера не удалось особо развернуться, а альт-саксофон Джонсона во всех пьесах ограничен короткими, хотя и уместными репликами. Что же, наверное, джаз на исходе первой четверти XXI века может быть и таким, нравится нам это или нет».
Полную рецензию читайте на сайте «Джазиста»
Слушать альбом
К 50-летию «The Köln Concert»
24 января 1975 года в половине двенадцатого вечера в зал Кёльнской оперы набились зрители. Прозвучал финальный звонок, и на сцену вышел человек. Он сел за фортепиано и начал играть. Дальнейшее — история. Лейбл ECM выпустил запись концерта в ноябре того же года, и «The Köln Concert» разошелся миллионным тиражом. Вероятно, это самый известный джазовый альбом с записью музыки для фортепиано соло. Возможно, самый известный альбом с записью фортепианной музыки вообще. Какие у него конкуренты? Разве что оба издания «Гольдберг-вариаций» в исполнении Гленна Гульда.
Историей уже давно стали и обстоятельства, предшествовавшие тому кёльнскому концерту Кита Джарретта. Пианист и его продюсер, глава ECM Манфред Айхер, ранним утром 24 января выехали на крошечном старом «Рено» из Лозанны, где Джарретт выступал накануне. Сейчас эта дорога занимает примерно семь часов, тогда — на час дольше. Плюс небыстрая машина. Плюс пройти границу было сложнее. Чтобы успеть, нужно было выезжать затемно, поэтому ни Джарретт, ни Айхер не спали. В Кёльне они рассчитывали на подготовленный зал и возможность немного отдохнуть перед выступлением. Но Джарретт и так почти не спал последний месяц — его мучила сильная боль в спине. Всю дорогу он ехал в ортопедическом корсете.
Джарретт и Айхер добрались в Кёльн только днем, и там всё было плохо. 17-летняя фанатка джаза Вера Брандес, которая взялась организовать концерт, не смогла достать нужный рояль. Пришлось пользоваться инструментом, предоставленным театром. Фортепиано оказалось в плачевном состоянии: нижний и средний регистры были еще сносными, но верхние ноты звучали ужасно. Времени на замену не оставалось. Поспать Джарретт не успел, поесть тоже. А еще концерт начинался в половину двенадцатого, потому что до этого шла опера. А еще — аншлаг, все 1400 билетов проданы.
Даже если бы не эти обстоятельства, «The Köln Concert» всё равно стал бы легендарной записью. Музыка говорит сама за себя: это гениальная часовая импровизация, в которой сплетаются блюз, рэгтайм, романтизм, госпел, американский минимализм — всё лихо закручено. На базовом уровне поражает техника Джарретта как импровизатора. Кто еще был способен на такое? Кто способен сейчас?
Но, разумеется, контекст концерта тоже отчетливо слышен в музыке — начиная с первых нот, имитирующих звонок Оперного театра, и заканчивая тем фактом, что Джарретт очень редко берет высокие ноты. Чувствуется, что ему долго приходится искать себя — будто бы он медленно просыпается. Но после двадцатой минуты звучит повторяющийся минималистичный мотив — думаю, тем, кто слушал альбом, достаточно указания точки на хронометраже, чтобы воспроизвести этот мотив у себя в голове, — и становится ясно: Джарретт наконец проснулся. Вывел нас, слушателей, из прекрасного сна в еще более яркую реальность.
Это история о преодолении. Возможно, сам факт того, что Джарретт сыграл этот концерт, не самый грандиозный подвиг. Есть куда более сложные и великие подвиги. В застенках проклятых азиатских заводов и на колтановых шахтах, например, совершаются каждый день подвиги в тысячу раз серьезней. В зонах военных конфликтов — тоже. Каждый день ухаживать за больным престарелым родственником — это подвиг, достойный песен и гимнов. Выносить ребенка одной, без мужа и без родни — это подвиг. Простить, прощать каждый день, прощать, несмотря ни на что, — это подвиг.
Но всё-таки в контексте Кита Джарретта «The Köln Concert» — это тоже подвиг. Подвиг напоминания. Музыка «The Köln Concert» рассказывает нам о том, что всё можно преодолеть. Отчаиваться не надо. Силы — будут.
Иногда важно об этом подумать.
Олег Соболев
Apple Music | Яндекс.Музыка | YouTube
24 января 1975 года в половине двенадцатого вечера в зал Кёльнской оперы набились зрители. Прозвучал финальный звонок, и на сцену вышел человек. Он сел за фортепиано и начал играть. Дальнейшее — история. Лейбл ECM выпустил запись концерта в ноябре того же года, и «The Köln Concert» разошелся миллионным тиражом. Вероятно, это самый известный джазовый альбом с записью музыки для фортепиано соло. Возможно, самый известный альбом с записью фортепианной музыки вообще. Какие у него конкуренты? Разве что оба издания «Гольдберг-вариаций» в исполнении Гленна Гульда.
Историей уже давно стали и обстоятельства, предшествовавшие тому кёльнскому концерту Кита Джарретта. Пианист и его продюсер, глава ECM Манфред Айхер, ранним утром 24 января выехали на крошечном старом «Рено» из Лозанны, где Джарретт выступал накануне. Сейчас эта дорога занимает примерно семь часов, тогда — на час дольше. Плюс небыстрая машина. Плюс пройти границу было сложнее. Чтобы успеть, нужно было выезжать затемно, поэтому ни Джарретт, ни Айхер не спали. В Кёльне они рассчитывали на подготовленный зал и возможность немного отдохнуть перед выступлением. Но Джарретт и так почти не спал последний месяц — его мучила сильная боль в спине. Всю дорогу он ехал в ортопедическом корсете.
Джарретт и Айхер добрались в Кёльн только днем, и там всё было плохо. 17-летняя фанатка джаза Вера Брандес, которая взялась организовать концерт, не смогла достать нужный рояль. Пришлось пользоваться инструментом, предоставленным театром. Фортепиано оказалось в плачевном состоянии: нижний и средний регистры были еще сносными, но верхние ноты звучали ужасно. Времени на замену не оставалось. Поспать Джарретт не успел, поесть тоже. А еще концерт начинался в половину двенадцатого, потому что до этого шла опера. А еще — аншлаг, все 1400 билетов проданы.
Даже если бы не эти обстоятельства, «The Köln Concert» всё равно стал бы легендарной записью. Музыка говорит сама за себя: это гениальная часовая импровизация, в которой сплетаются блюз, рэгтайм, романтизм, госпел, американский минимализм — всё лихо закручено. На базовом уровне поражает техника Джарретта как импровизатора. Кто еще был способен на такое? Кто способен сейчас?
Но, разумеется, контекст концерта тоже отчетливо слышен в музыке — начиная с первых нот, имитирующих звонок Оперного театра, и заканчивая тем фактом, что Джарретт очень редко берет высокие ноты. Чувствуется, что ему долго приходится искать себя — будто бы он медленно просыпается. Но после двадцатой минуты звучит повторяющийся минималистичный мотив — думаю, тем, кто слушал альбом, достаточно указания точки на хронометраже, чтобы воспроизвести этот мотив у себя в голове, — и становится ясно: Джарретт наконец проснулся. Вывел нас, слушателей, из прекрасного сна в еще более яркую реальность.
Это история о преодолении. Возможно, сам факт того, что Джарретт сыграл этот концерт, не самый грандиозный подвиг. Есть куда более сложные и великие подвиги. В застенках проклятых азиатских заводов и на колтановых шахтах, например, совершаются каждый день подвиги в тысячу раз серьезней. В зонах военных конфликтов — тоже. Каждый день ухаживать за больным престарелым родственником — это подвиг, достойный песен и гимнов. Выносить ребенка одной, без мужа и без родни — это подвиг. Простить, прощать каждый день, прощать, несмотря ни на что, — это подвиг.
Но всё-таки в контексте Кита Джарретта «The Köln Concert» — это тоже подвиг. Подвиг напоминания. Музыка «The Köln Concert» рассказывает нам о том, что всё можно преодолеть. Отчаиваться не надо. Силы — будут.
Иногда важно об этом подумать.
Олег Соболев
Apple Music | Яндекс.Музыка | YouTube
Tubby Hayes «Mexican Green» (Fontana, 1968)
Сегодня исполняется 90 лет со дня рождения Эдварда «Табби» Хейза — одного из лучших британских джазовых саксофонистов своего поколения. Как и многие музыканты 50-х и 60-х, он жил трудно и быстро: рано пристрастился к героину, заработал себе миллион проблем со здоровьем и умер во время открытой операции на сердце в 1973 году — в 38 лет.
Но на «Mexican Green» — своем лучшем альбоме и одном из главных шедевров британского джаза — Хейз остается жив спустя десятилетия. Вместе с ним здесь его верный пианист Мик Пайн, мастерски аккомпанирующий резкими аккордами и переходящий в задумчивые соло. Ритм-секция контрабасиста Рона Мэтьюсона и барабанщика Тони Левина (не того Тони Левина, но тоже важного — позже он станет заметной фигурой на британской фри- и фьюжн-сцене) дает огня: шумит, шутит, бьет в набат.
Сам Табби выписывает головокружительные, ударные, непредсказуемые соло, которые всегда возвращаются к основной мелодии, но проходят через вихри обрывков чужих тем, криков, плача, лирики и физкультуры. За исключением аккуратной боповой пьесы «Off the Wagon» и баллады «A Dedication to Joy», общее настроение — веселый вечер в шумной распивочной, где поставили сцену.
Музыка — даже 13-минутная финальная заглавная вещь, многочастная и довольно модернистская, — джазовый консерватизм, уже познавший Колтрейна, но цепляющийся за прошлое. Возможно, потому что в прошлом не было героина, больного сердца, не было проблем. Но к черту горечь ностальгии. Самое время разорвать воздух мощью саксофона. Мы живы, пока звучим.
Олег Соболев
Слушать альбом
Сегодня исполняется 90 лет со дня рождения Эдварда «Табби» Хейза — одного из лучших британских джазовых саксофонистов своего поколения. Как и многие музыканты 50-х и 60-х, он жил трудно и быстро: рано пристрастился к героину, заработал себе миллион проблем со здоровьем и умер во время открытой операции на сердце в 1973 году — в 38 лет.
Но на «Mexican Green» — своем лучшем альбоме и одном из главных шедевров британского джаза — Хейз остается жив спустя десятилетия. Вместе с ним здесь его верный пианист Мик Пайн, мастерски аккомпанирующий резкими аккордами и переходящий в задумчивые соло. Ритм-секция контрабасиста Рона Мэтьюсона и барабанщика Тони Левина (не того Тони Левина, но тоже важного — позже он станет заметной фигурой на британской фри- и фьюжн-сцене) дает огня: шумит, шутит, бьет в набат.
Сам Табби выписывает головокружительные, ударные, непредсказуемые соло, которые всегда возвращаются к основной мелодии, но проходят через вихри обрывков чужих тем, криков, плача, лирики и физкультуры. За исключением аккуратной боповой пьесы «Off the Wagon» и баллады «A Dedication to Joy», общее настроение — веселый вечер в шумной распивочной, где поставили сцену.
Музыка — даже 13-минутная финальная заглавная вещь, многочастная и довольно модернистская, — джазовый консерватизм, уже познавший Колтрейна, но цепляющийся за прошлое. Возможно, потому что в прошлом не было героина, больного сердца, не было проблем. Но к черту горечь ностальгии. Самое время разорвать воздух мощью саксофона. Мы живы, пока звучим.
Олег Соболев
Слушать альбом
Дорогие подписчики, у нас потрясающая новость: 10 февраля на лейбле Jazzist выйдет «Роза ветров» — новый альбом басиста Антона Горбунова!
Да еще какой: с Большим джазовым оркестром под управлением Петра Востокова, целой плеядой ярких солистов и двумя прекрасными певицами.
Заранее добавить альбом в свою медиатеку можно по ссылке.
Презентация альбома состоится 12 февраля в Клубе Алексея Козлова. Адрес и билеты здесь. Не пропустите!
Да еще какой: с Большим джазовым оркестром под управлением Петра Востокова, целой плеядой ярких солистов и двумя прекрасными певицами.
Заранее добавить альбом в свою медиатеку можно по ссылке.
Презентация альбома состоится 12 февраля в Клубе Алексея Козлова. Адрес и билеты здесь. Не пропустите!
Во втором выпуске «Джазист слушает» Илья Рассказов (Headz.FM) снова делится впечатлениями от новых альбомов:
Jessica Lauren «Film» (BBE, 2024)
Переиздания малоизвестного альбома 1997 года «Film» — настоящий подарок поклонникам английской пианистки и бэндлидера Джессики Лорен. Альбом не утратил актуальности, а, наоборот, показал, насколько мультижанровые эксперименты Лоурен опередили свое время. Органичная смесь из библиотечной музыки, модального джаза, неоклассики, IDM-электроники, футуристичной боcса-новы и киношного изи-листенинга — к этой странице биографии Лорен действительно стоило вернуться.
«Chakalaka Jazz: A Selection of South African Gems» (Heavenly Sweetness, 2024)
В последние годы южноафриканский джаз всё чаще становится объектом музыковедческих исследований, но в регионе еще скрывается немало музыкальных сокровищ. Сборник «Chakalaka Jazz: A Selection of South African Gems» составил французский диджей и виниловый археолог Фредериком Жакье, известный как Fred Spider, который много лет живет Кейптауне. Подборка охватывает период с 1969 по 2003 год. Несмотря на присутствие на сборнике культовых исполнителей вроде контрабасиста Джонни Дьяни или саксофониста Уинстона Нгози, многие музыканты — например, Кларенс Уилсон, The Drive и The Four Sounds — станут открытием.
Unionen «Unionen» (We Jazz, 2024)
Участники квартета Unionen хорошо известны на скандинавской и европейской постджазовой сцене. Шведско-норвежская джазовая уния объединяет клавишника Столе Стурлёккена, ударника Гарда Нильссена, духовика Пера Йоханссона и басиста Петтера Эльда, хорошо знакомого аудитории лейбла We Jazz. Квартет записал впечатляющий альбом, красивый и многогранный. Здесь и медитативная романтика («Ståhlbad»), и нервные нуаровые импровизации («Den Grimme Elling»), и панк-психоделия («6983»), и сумрачная смесь джаза и классики («Search Party», «Kolgruvan»), но особый восторг вызывает заглавная вещь — проникновенный нордический спиричуэл, претендующий на звание будущей классики.
Илья Рассказов
Jessica Lauren «Film» (BBE, 2024)
Переиздания малоизвестного альбома 1997 года «Film» — настоящий подарок поклонникам английской пианистки и бэндлидера Джессики Лорен. Альбом не утратил актуальности, а, наоборот, показал, насколько мультижанровые эксперименты Лоурен опередили свое время. Органичная смесь из библиотечной музыки, модального джаза, неоклассики, IDM-электроники, футуристичной боcса-новы и киношного изи-листенинга — к этой странице биографии Лорен действительно стоило вернуться.
«Chakalaka Jazz: A Selection of South African Gems» (Heavenly Sweetness, 2024)
В последние годы южноафриканский джаз всё чаще становится объектом музыковедческих исследований, но в регионе еще скрывается немало музыкальных сокровищ. Сборник «Chakalaka Jazz: A Selection of South African Gems» составил французский диджей и виниловый археолог Фредериком Жакье, известный как Fred Spider, который много лет живет Кейптауне. Подборка охватывает период с 1969 по 2003 год. Несмотря на присутствие на сборнике культовых исполнителей вроде контрабасиста Джонни Дьяни или саксофониста Уинстона Нгози, многие музыканты — например, Кларенс Уилсон, The Drive и The Four Sounds — станут открытием.
Unionen «Unionen» (We Jazz, 2024)
Участники квартета Unionen хорошо известны на скандинавской и европейской постджазовой сцене. Шведско-норвежская джазовая уния объединяет клавишника Столе Стурлёккена, ударника Гарда Нильссена, духовика Пера Йоханссона и басиста Петтера Эльда, хорошо знакомого аудитории лейбла We Jazz. Квартет записал впечатляющий альбом, красивый и многогранный. Здесь и медитативная романтика («Ståhlbad»), и нервные нуаровые импровизации («Den Grimme Elling»), и панк-психоделия («6983»), и сумрачная смесь джаза и классики («Search Party», «Kolgruvan»), но особый восторг вызывает заглавная вещь — проникновенный нордический спиричуэл, претендующий на звание будущей классики.
Илья Рассказов
Susan Alcorn «Soledad» (Relative Pitch, 2015)
В прошлую пятницу, 31 января, на 72-м году жизни умерла Сьюзан Элкорн — американский виртуоз педальной слайд-гитары, композитор, импровизатор.
Педальная слайд-гитара традиционно широко использовалась в кантри и гавайской музыке, а в 80-х ее тонкий, высокий звук вошел в обиход жанра эмбиент благодаря стараниям Даниэля Лануа. Но именно Элкорн ввела этот инструмент в пространство джаза и импровизации. В ее дискографии — альбомы с Михаилом Фейгиным, Кеном Вандермарком, Джо Макфи, Мэри Халворсон, Юджином Чэдборном и прочими. Помимо этого, она выпустила множество сольных альбомов, варьирующихся по стилю, звучанию, подаче и концепции. При этом записываться Элкорн начала довольно поздно, лишь в начале нулевых.
Но в ее творческой жизни была и другая важная грань — исполнение чужой музыки. Перед смертью Элкорн завершала цикл переложений произведений своего любимого композитора Оливье Мессиана, а альбом «Soledad» она посвятила Астору Пьяццолле. В него вошли четыре пьесы великого аргентинца и одна авторская композиция Элкорн — «Suite for AHL». В последней ей подыгрывает известный контрабасист Майкл Форманек, но все произведения Пьяццоллы на диске исполняются сольно, исключительно на педальной слайд-гитаре.
Первое, на что обращаешь внимание, — насколько богаче палитра звуков слайд-гитары Элкорн по сравнению с тем, к чему мы привыкли. Обычно этот инструмент воет и плачет, а его струнная природа угадывается сразу, но под пальцами Элкорн он приобретает совершенно иной характер. Здесь есть и вой, и плач, но местами слайд-гитара звучит как перкуссионный инструмент или даже как фортепиано — и настолько убедительно, что в определенные моменты хочется заглянуть в кредитсы альбома и убедиться, что не сошел с ума. Здесь правда нет пианиста?
Но сама по себе насыщенная звуковая палитра не имела бы смысла, если бы Элкорн не умела правильно ею пользоваться. А она умела. Всё, за что любят Пьяццоллу, — стройность, драматизм и неочевидный юмор — передано удивительно точно. При этом интерпретации на «Soledad» далеки от традиционных формальных исполнений: в них хватает места и чистой импровизации на основе конкретных мелодических фрагментов, и неожиданных цитат — например, из Вагнера или Орнетта Коулмана.
Эту музыку легко понять. Она говорит со слушателем на простом, прямом языке, прицельно бьет в сердце. У «Soledad» очень точное название: и в том смысле, что Элкорн играет практически в одиночку, и в том, что ее музыка — об одиночестве. Исполненные пауз, долгих нот и одновременно красивых, динамичных пассажей, композиции будто рассказывают историю о том, что происходит в душе, когда ты один. И находят в этом одиночестве безумную красоту.
Слушать альбом
Олег Соболев
В прошлую пятницу, 31 января, на 72-м году жизни умерла Сьюзан Элкорн — американский виртуоз педальной слайд-гитары, композитор, импровизатор.
Педальная слайд-гитара традиционно широко использовалась в кантри и гавайской музыке, а в 80-х ее тонкий, высокий звук вошел в обиход жанра эмбиент благодаря стараниям Даниэля Лануа. Но именно Элкорн ввела этот инструмент в пространство джаза и импровизации. В ее дискографии — альбомы с Михаилом Фейгиным, Кеном Вандермарком, Джо Макфи, Мэри Халворсон, Юджином Чэдборном и прочими. Помимо этого, она выпустила множество сольных альбомов, варьирующихся по стилю, звучанию, подаче и концепции. При этом записываться Элкорн начала довольно поздно, лишь в начале нулевых.
Но в ее творческой жизни была и другая важная грань — исполнение чужой музыки. Перед смертью Элкорн завершала цикл переложений произведений своего любимого композитора Оливье Мессиана, а альбом «Soledad» она посвятила Астору Пьяццолле. В него вошли четыре пьесы великого аргентинца и одна авторская композиция Элкорн — «Suite for AHL». В последней ей подыгрывает известный контрабасист Майкл Форманек, но все произведения Пьяццоллы на диске исполняются сольно, исключительно на педальной слайд-гитаре.
Первое, на что обращаешь внимание, — насколько богаче палитра звуков слайд-гитары Элкорн по сравнению с тем, к чему мы привыкли. Обычно этот инструмент воет и плачет, а его струнная природа угадывается сразу, но под пальцами Элкорн он приобретает совершенно иной характер. Здесь есть и вой, и плач, но местами слайд-гитара звучит как перкуссионный инструмент или даже как фортепиано — и настолько убедительно, что в определенные моменты хочется заглянуть в кредитсы альбома и убедиться, что не сошел с ума. Здесь правда нет пианиста?
Но сама по себе насыщенная звуковая палитра не имела бы смысла, если бы Элкорн не умела правильно ею пользоваться. А она умела. Всё, за что любят Пьяццоллу, — стройность, драматизм и неочевидный юмор — передано удивительно точно. При этом интерпретации на «Soledad» далеки от традиционных формальных исполнений: в них хватает места и чистой импровизации на основе конкретных мелодических фрагментов, и неожиданных цитат — например, из Вагнера или Орнетта Коулмана.
Эту музыку легко понять. Она говорит со слушателем на простом, прямом языке, прицельно бьет в сердце. У «Soledad» очень точное название: и в том смысле, что Элкорн играет практически в одиночку, и в том, что ее музыка — об одиночестве. Исполненные пауз, долгих нот и одновременно красивых, динамичных пассажей, композиции будто рассказывают историю о том, что происходит в душе, когда ты один. И находят в этом одиночестве безумную красоту.
Слушать альбом
Олег Соболев
На лейбле Jazzist новый релиз — альбом Антона Горбунова «Роза ветров» («The Wind Rose»), воплощение давней мечты Антона о записи с биг-бэндом.
Один взгляд на состав участников заставит сердце джазового фаната биться чаще. Ключевая роль у Большого джазового оркестра п/у Петра Востокова, а в ритм-секцию и в качестве солистов Горбунов пригласил элиту российского джаза: это Дмитрий Илугдин, Антон Баронин, Антон Залетаев, Иван Акатов, Владислав Савенков, Артур Газаров, Александр Кульков и другие. Но главное действующее лицо — конечно же, сам Антон Горбунов, который закладывает железобетонный басовый фундамент и виртуозно солирует.
Читайте подробности на нашем сайте и слушайте «Розу ветров» на всех стриминговых платформах.
Презентация альбома пройдет 12 февраля в Клубе Алексея Козлова. Ждем вас!
#лейбл_джазист
Один взгляд на состав участников заставит сердце джазового фаната биться чаще. Ключевая роль у Большого джазового оркестра п/у Петра Востокова, а в ритм-секцию и в качестве солистов Горбунов пригласил элиту российского джаза: это Дмитрий Илугдин, Антон Баронин, Антон Залетаев, Иван Акатов, Владислав Савенков, Артур Газаров, Александр Кульков и другие. Но главное действующее лицо — конечно же, сам Антон Горбунов, который закладывает железобетонный басовый фундамент и виртуозно солирует.
Читайте подробности на нашем сайте и слушайте «Розу ветров» на всех стриминговых платформах.
Презентация альбома пройдет 12 февраля в Клубе Алексея Козлова. Ждем вас!
#лейбл_джазист
Сегодня на «Джазисте» премьера рубрики «Мнение». В ней авторы и сооснователи проекта будут сделают шаг в сторону от рецензирования альбомов и начнут делиться своими впечатлениями от процесса прослушивания как такового. Цель — не объяснить, а пригласить к размышлению и диалогу. Для первого выпуска наш автор, музыкант и композитор Юрий Виноградов, написал прекрасное эссе о смысле «лишних» нот.
Есть много способов различать виды музыки. Один из критериев — наличие «лишних» нот. Они разрывают предсказуемое развитие материала. Их невозможно предугадать. «Лишними», однако, могут быть не только ноты, но и сдвиги темпа, флуктуации в артикуляции и динамике, нерегулярности ритма. Иначе говоря, любые сбои, помехи, глитчи — всё, что может восприниматься как ошибка, обман ожидания. Меньше всего таких сбоев в популярной музыке, функция которой — усыплять. Больше всего — в современной академической и импровизационной музыке, которые намеренно обманывают ожидания. Впрочем, для современного уха много «лишних» нот и в старинной музыке, в том числе модальной средневековой, ведь она устроена по другим законам, чем привычная тональная.
В джазе «лишние» ноты оживляют и одухотворяют музыку, добавляют ей оттенков и глубины. Одно из отличий джаза от других форм музыки — в преклонении перед «лишними» нотами, балансе между шероховатой свободой и рациональной «сделанностью» материала. Но «лишние» ноты — это не источник хаоса, а скорее инъекции рациональности иного порядка в предсказуемость.
«Лишние» ноты в джазе можно рассматривать не как случайные отклонения, ошибки или неряшливость, а как осмысленную динамику внутри музыкального движения, создающую дополнительные возможности. Они формируют поле напряженности между структурой и ее подрывом, деконструкцией, между привычным и новаторским. «Лишние» ноты делают музыку многослойной. Они уводят ее от плоского линейного течения и открывают перспективу для множества трактовок и интерпретаций, подрывая господство единого образа.
Если рассматривать музыку как коммуникацию, то «лишние» ноты — это жесты, выходящие за пределы ожидаемого диалога. Элементы, разрушающие стереотипы. В свободной импровизационной музыке роль «лишних» нот доведена до уровня, на котором они перестают быть «лишними» и становятся основой музыкальной коммуникации. Именно они создают образ и позволяют ему меняться в реальном времени.
Развитие музыкального языка во многом определяется именно отклонениями — в них кроются новые интонации и формы выражения. Что-то похожее можно наблюдать и в эволюции тональной музыки: диссонансы, некогда воспринимавшиеся как «лишние», постепенно стали органической частью музыкального языка. То, что кажется «лишним» сегодня, может стать основой музыкального мышления завтра. И тогда придется искать новые пути для создания «лишних» и оживляющих искажений.
Есть много способов различать виды музыки. Один из критериев — наличие «лишних» нот. Они разрывают предсказуемое развитие материала. Их невозможно предугадать. «Лишними», однако, могут быть не только ноты, но и сдвиги темпа, флуктуации в артикуляции и динамике, нерегулярности ритма. Иначе говоря, любые сбои, помехи, глитчи — всё, что может восприниматься как ошибка, обман ожидания. Меньше всего таких сбоев в популярной музыке, функция которой — усыплять. Больше всего — в современной академической и импровизационной музыке, которые намеренно обманывают ожидания. Впрочем, для современного уха много «лишних» нот и в старинной музыке, в том числе модальной средневековой, ведь она устроена по другим законам, чем привычная тональная.
В джазе «лишние» ноты оживляют и одухотворяют музыку, добавляют ей оттенков и глубины. Одно из отличий джаза от других форм музыки — в преклонении перед «лишними» нотами, балансе между шероховатой свободой и рациональной «сделанностью» материала. Но «лишние» ноты — это не источник хаоса, а скорее инъекции рациональности иного порядка в предсказуемость.
«Лишние» ноты в джазе можно рассматривать не как случайные отклонения, ошибки или неряшливость, а как осмысленную динамику внутри музыкального движения, создающую дополнительные возможности. Они формируют поле напряженности между структурой и ее подрывом, деконструкцией, между привычным и новаторским. «Лишние» ноты делают музыку многослойной. Они уводят ее от плоского линейного течения и открывают перспективу для множества трактовок и интерпретаций, подрывая господство единого образа.
Если рассматривать музыку как коммуникацию, то «лишние» ноты — это жесты, выходящие за пределы ожидаемого диалога. Элементы, разрушающие стереотипы. В свободной импровизационной музыке роль «лишних» нот доведена до уровня, на котором они перестают быть «лишними» и становятся основой музыкальной коммуникации. Именно они создают образ и позволяют ему меняться в реальном времени.
Развитие музыкального языка во многом определяется именно отклонениями — в них кроются новые интонации и формы выражения. Что-то похожее можно наблюдать и в эволюции тональной музыки: диссонансы, некогда воспринимавшиеся как «лишние», постепенно стали органической частью музыкального языка. То, что кажется «лишним» сегодня, может стать основой музыкального мышления завтра. И тогда придется искать новые пути для создания «лишних» и оживляющих искажений.
Steve Davis «We See» (Smoke Sessions, 2024)
Пятеро джентльменов и одна леди на обложке альбома «We See» — секстет тромбониста Стива Дэвиса, записавший этот альбом на концерте в нью-йоркском клубе Smoke. «We See» оказался финальным релизом в серии концертных альбомов лейбла Smoke Sessions Records, посвященной 25-летию клуба и 10-летию лейбла, издающего исключительно записи, сделанные в стенах Smoke.
Программу музыканты подобрали исключительно привлекательную для поклонников мейнстрима: классика от Телониуса Монка, Фредди Хаббарда, Майлза Дэвиса «акустического» периода. Особое место заняла композиция «To Wisdom, the Prize» — трибьют ее автору, умершему в 2019 году пианисту Ларри Уиллису.
Публика, собравшаяся тогда в Smoke, хорошо представляла, какого рода музыка их ждет, и, по мнению Леонида Аускерна, наверняка получила удовольствие от сложного и виртуозного переплетения трех голосов духовых инструментов и слаженной работы ритм-группы.
Полную рецензию Леонида Аускерна читайте на сайте «Джазиста».
Пятеро джентльменов и одна леди на обложке альбома «We See» — секстет тромбониста Стива Дэвиса, записавший этот альбом на концерте в нью-йоркском клубе Smoke. «We See» оказался финальным релизом в серии концертных альбомов лейбла Smoke Sessions Records, посвященной 25-летию клуба и 10-летию лейбла, издающего исключительно записи, сделанные в стенах Smoke.
Программу музыканты подобрали исключительно привлекательную для поклонников мейнстрима: классика от Телониуса Монка, Фредди Хаббарда, Майлза Дэвиса «акустического» периода. Особое место заняла композиция «To Wisdom, the Prize» — трибьют ее автору, умершему в 2019 году пианисту Ларри Уиллису.
Публика, собравшаяся тогда в Smoke, хорошо представляла, какого рода музыка их ждет, и, по мнению Леонида Аускерна, наверняка получила удовольствие от сложного и виртуозного переплетения трех голосов духовых инструментов и слаженной работы ритм-группы.
Полную рецензию Леонида Аускерна читайте на сайте «Джазиста».
💿 Carl Allen «Tippin’» (Cellar Music, 2025)
📝***1/2
Кажется, первый за тридцать лет сольный альбом барабанщика Карла Аллена просто не мог не получиться выдающимся.
Во-первых, пятизвездочный состав с участием Крисчена Макбрайда и Криса Поттера. Во-вторых, интереснейший формат трио без гармонического инструмента. В-третьих, с чувством, тактом и расстановкой составленный репертуар: для знатоков — проверенные временем авторские композиции вроде «Morning Story» Макбрайда или «Roy’s Joy» самого Аллена, для эстетов — «James» Пэта Метини, для ценителей со стажем — вечная классика «Parker’s Mood» Чарли Паркера и «The Inchworm» Джона Колтрейна. Да и запись сделана не где-нибудь, а в знаменитой студии Руди Ван Гелдера.
«Tippin’» представляется заведомо беспроигрышным вариантом. Записываем формулу успеха: к блестящему мастерству каждого участника прибавить полное взаимопонимание Макбрайда и Аллена и умножить полученный результат на способность Поттера вести мелодию вне четко обозначенных гармонических границ. Всем джазовым aficionados приготовиться к прослушиванию!
На деле же ожидания с реальностью начинают расходиться довольно быстро. У «Tippin’» действительно есть все перечисленные выше достоинства, но нет главного — ощущения вызова. Бесконечные дружеские похлопывания по плечу притупляют внимание уже к исходу первой трети альбома, и мысли начинают идти своим чередом под старый-добрый джазовый джаз. Минутный укол совести — ну нельзя же работу таких мастеров воспринимать как должное — исчезает так же стремительно, как и возникает. Кажется, он и нужен только для того, чтобы провести оставшееся от «Tippin’» время в состоянии совсем уж безмятежной дремы.
Александр Аношин
Слушать альбом
📝***1/2
Кажется, первый за тридцать лет сольный альбом барабанщика Карла Аллена просто не мог не получиться выдающимся.
Во-первых, пятизвездочный состав с участием Крисчена Макбрайда и Криса Поттера. Во-вторых, интереснейший формат трио без гармонического инструмента. В-третьих, с чувством, тактом и расстановкой составленный репертуар: для знатоков — проверенные временем авторские композиции вроде «Morning Story» Макбрайда или «Roy’s Joy» самого Аллена, для эстетов — «James» Пэта Метини, для ценителей со стажем — вечная классика «Parker’s Mood» Чарли Паркера и «The Inchworm» Джона Колтрейна. Да и запись сделана не где-нибудь, а в знаменитой студии Руди Ван Гелдера.
«Tippin’» представляется заведомо беспроигрышным вариантом. Записываем формулу успеха: к блестящему мастерству каждого участника прибавить полное взаимопонимание Макбрайда и Аллена и умножить полученный результат на способность Поттера вести мелодию вне четко обозначенных гармонических границ. Всем джазовым aficionados приготовиться к прослушиванию!
На деле же ожидания с реальностью начинают расходиться довольно быстро. У «Tippin’» действительно есть все перечисленные выше достоинства, но нет главного — ощущения вызова. Бесконечные дружеские похлопывания по плечу притупляют внимание уже к исходу первой трети альбома, и мысли начинают идти своим чередом под старый-добрый джазовый джаз. Минутный укол совести — ну нельзя же работу таких мастеров воспринимать как должное — исчезает так же стремительно, как и возникает. Кажется, он и нужен только для того, чтобы провести оставшееся от «Tippin’» время в состоянии совсем уж безмятежной дремы.
Александр Аношин
Слушать альбом
💿 Mario Rusca «4th Dimension» (Right Tempo, 2024)
📝****
Итальянский пианист Марио Руска начал свою карьеру еще в конце 50-х. Сейчас ему 88 лет, и он до сих пор активно выступает и записывается. Его новый альбом, по мнению Ильи Рассказова, заслуживает самых добрых слов.
Одним из эффектов, которых Руска хотел здесь достичь, была кинематографичность. Пианист изящно разбавляет бибоп-романтику элементами латиноамериканской музыки и фанкового фьюжн-звучания, предлагая слушателю превосходные трактовки джазовых стандартов.
Но отдельных комплиментов заслуживают композиции, написанные самим Марио, прежде всего титульная «4th Dimension», как будто взятая изсаундтрека к фильму о приключениях элегантных авантюристов и роковых красавиц на фоне Итальянской Ривьеры. А в «Blue Dream» Руска и его партнеры заставляют слушателя притоптывать в такт широко шагающему свингу, который в 2025 году звучит, как и весь альбом, актуально и стильно.
Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
Слушать альбом
📝****
Итальянский пианист Марио Руска начал свою карьеру еще в конце 50-х. Сейчас ему 88 лет, и он до сих пор активно выступает и записывается. Его новый альбом, по мнению Ильи Рассказова, заслуживает самых добрых слов.
Одним из эффектов, которых Руска хотел здесь достичь, была кинематографичность. Пианист изящно разбавляет бибоп-романтику элементами латиноамериканской музыки и фанкового фьюжн-звучания, предлагая слушателю превосходные трактовки джазовых стандартов.
Но отдельных комплиментов заслуживают композиции, написанные самим Марио, прежде всего титульная «4th Dimension», как будто взятая изсаундтрека к фильму о приключениях элегантных авантюристов и роковых красавиц на фоне Итальянской Ривьеры. А в «Blue Dream» Руска и его партнеры заставляют слушателя притоптывать в такт широко шагающему свингу, который в 2025 году звучит, как и весь альбом, актуально и стильно.
Полную рецензию Ильи Рассказова читайте на нашем сайте.
Слушать альбом
