#мысчитаем
Анализ цен на работы Оскара Рабина (1928-2018):
Канал «Деньги в искусство» провёл анализ рынка, используя открытые базы данных аукционных домов.
Первые аукционные продажи работ Рабина относятся к 1989 году: «Париж. Улица Кинкампуа в снегу» (1988) и «Натюрморт с арманьяком» (дата создания неизвестна).
Всего было продано 267 живописных произведений из 395 (67%). Рекорд среди всех составила работа «Бани (Нюхайте одеколон «Москва)» (1966), проданная на аукционе Sotheby’s в 2007 году за $336,000 (при эстимейте $70,000 — $90,000).
Второе произведение в рейтинге цен — «Скрипка на кладбище» (1969). Оно было продано в 2006 году на аукционе MacDougall’s за $272,008 (при эстимейте $194,000 — $388,000).
Третья в списке — «Картина с черепом» (1972), проданная на аукционе Uppsala Auktionskammare в 2008 году за $217,360 (при эстимейте $67,000 — $84,000).
Наконец, четвертая по цене — работа «Неправда» (1975). Она ушла на аукционе Sotheby’s в 2008 году за $207,768 (при эстимейте $81,000 — $122,000). Таким образом, все рекордные продажи составили произведения доэмиграционного периода.
Кроме того, можно отметить, что все рекордные продажи Рабина состоялись до осени 2008 года, до начала кризиса. После этого цены на его работы 1960-1970-х годов упали примерно в три-четыре раза (так, «Картина с черепом» позже предлагалась на вторичном рынке в пределах своего эстимейта, за $60,000 — $70,000). К настоящему моменту цены на ранние работы скорректировались и имеют тенденцию к росту.
Среди работ, созданных в эмиграции в 1980-х, рекорд составил «Вечер на улице Северного полюса» (1981). Он был продан на аукционе Sotheby’s в 2009 году за $62,500 (при эстимейте $20,000 — $30,000).
За период 1990-х рекордной продажей является произведение «Merci» (1994), проданное на аукционе MacDougall’s в 2008 году за $82,540 (при эстимейте $18,000 — $25,000).
Рекорд среди работ 2000-х — работа «Париж. Нотр-Дам и Сена» (2002), проданная на аукционе ArtCurial в 2009 году за $31,155 (при эстимейте $28,000 — $41,000).
Последнюю крупную продажу составил «Спас Преображения в Переславле-Залесском» (1965). Он был продан на аукционе Artsale за $90,700. Кроме того, индекс ARTIMX Рабина, отражающий среднюю аукционную цену произведений автора, за последний год вырос на 104 пункта — с 645 в 2022 году до 749 в 2023 году. Стабильное повышение средней цены Рабина наблюдается еще с 2019 года — тогда индекс был равен 299 пунктам.
Наконец, способствовать повышению цены, особенно на ключевые работы, мог бы выпуск каталога-резоне, о котором было объявлено около пятнадцати лет назад. Но, к сожалению, каталог так и не вышел. Коллекционеры принимают решения о покупке на основании данных прижизненных каталогов Оскара Рабина, биографической и иной информации.
Анализ цен на работы Оскара Рабина (1928-2018):
Канал «Деньги в искусство» провёл анализ рынка, используя открытые базы данных аукционных домов.
Первые аукционные продажи работ Рабина относятся к 1989 году: «Париж. Улица Кинкампуа в снегу» (1988) и «Натюрморт с арманьяком» (дата создания неизвестна).
Всего было продано 267 живописных произведений из 395 (67%). Рекорд среди всех составила работа «Бани (Нюхайте одеколон «Москва)» (1966), проданная на аукционе Sotheby’s в 2007 году за $336,000 (при эстимейте $70,000 — $90,000).
Второе произведение в рейтинге цен — «Скрипка на кладбище» (1969). Оно было продано в 2006 году на аукционе MacDougall’s за $272,008 (при эстимейте $194,000 — $388,000).
Третья в списке — «Картина с черепом» (1972), проданная на аукционе Uppsala Auktionskammare в 2008 году за $217,360 (при эстимейте $67,000 — $84,000).
Наконец, четвертая по цене — работа «Неправда» (1975). Она ушла на аукционе Sotheby’s в 2008 году за $207,768 (при эстимейте $81,000 — $122,000). Таким образом, все рекордные продажи составили произведения доэмиграционного периода.
Кроме того, можно отметить, что все рекордные продажи Рабина состоялись до осени 2008 года, до начала кризиса. После этого цены на его работы 1960-1970-х годов упали примерно в три-четыре раза (так, «Картина с черепом» позже предлагалась на вторичном рынке в пределах своего эстимейта, за $60,000 — $70,000). К настоящему моменту цены на ранние работы скорректировались и имеют тенденцию к росту.
Среди работ, созданных в эмиграции в 1980-х, рекорд составил «Вечер на улице Северного полюса» (1981). Он был продан на аукционе Sotheby’s в 2009 году за $62,500 (при эстимейте $20,000 — $30,000).
За период 1990-х рекордной продажей является произведение «Merci» (1994), проданное на аукционе MacDougall’s в 2008 году за $82,540 (при эстимейте $18,000 — $25,000).
Рекорд среди работ 2000-х — работа «Париж. Нотр-Дам и Сена» (2002), проданная на аукционе ArtCurial в 2009 году за $31,155 (при эстимейте $28,000 — $41,000).
Последнюю крупную продажу составил «Спас Преображения в Переславле-Залесском» (1965). Он был продан на аукционе Artsale за $90,700. Кроме того, индекс ARTIMX Рабина, отражающий среднюю аукционную цену произведений автора, за последний год вырос на 104 пункта — с 645 в 2022 году до 749 в 2023 году. Стабильное повышение средней цены Рабина наблюдается еще с 2019 года — тогда индекс был равен 299 пунктам.
Наконец, способствовать повышению цены, особенно на ключевые работы, мог бы выпуск каталога-резоне, о котором было объявлено около пятнадцати лет назад. Но, к сожалению, каталог так и не вышел. Коллекционеры принимают решения о покупке на основании данных прижизненных каталогов Оскара Рабина, биографической и иной информации.
#архив
Сергей Попов об арт-рынке Индии:
До сих пор получаем много положительных откликов на тексты Сергея Попова об арт-рынке Индии, поэтому хотим напомнить о них старым читателям и познакомить с ними новых.
В текстах Сергей рассказывал об India Art Fair, крупнейшей в Индии ярмарке современного искусства, и художниках, представленных на ней, среди которых:
Ракиб Шоу
Субодх Гупта
Равиндер Редди
Шипла Гупта
Атул Додия
Джитиш Каллат
Тукрал и Тагра
Кроме того, на основании этой информации Сергей сравнил российский арт-рынок с индийским, показав сходства и различия между ними.
Время прочтения примерно 10-12 минут.
Сергей Попов об арт-рынке Индии:
До сих пор получаем много положительных откликов на тексты Сергея Попова об арт-рынке Индии, поэтому хотим напомнить о них старым читателям и познакомить с ними новых.
В текстах Сергей рассказывал об India Art Fair, крупнейшей в Индии ярмарке современного искусства, и художниках, представленных на ней, среди которых:
Ракиб Шоу
Субодх Гупта
Равиндер Редди
Шипла Гупта
Атул Додия
Джитиш Каллат
Тукрал и Тагра
Кроме того, на основании этой информации Сергей сравнил российский арт-рынок с индийским, показав сходства и различия между ними.
Время прочтения примерно 10-12 минут.
#чистаякоммерция
Подборка работ с аукциона «ЧК» VLADEY 20 мая:
В эту субботу в 15:00 пройдет аукцион VLADEY «ЧК» с работами из частной коллекции — отсюда и название.
Среди лотов представлены два объекта Александра Бродского из серии «Фабрики» (2016), напоминающие макеты промышленных зданий. Выполненные из необожжённой глины, они кажутся сделанными из пыли и так намекающими на то, что может остаться от нашей технологичной цивилизации. Работы выставлены с эстимейтом в €300 — €500, что гораздо ниже цен на другие его произведения на первичном рынке. Анализ на аукционные продажи работ Бродского можно прочитать тут.
К образу руинированного города обращается и известный своими фотографиями Борис Михайлов, но на этот раз в живописи. В «Ночном гуле» (1989) он сводит пейзаж из зданий к геометрической абстракции. Его живописные произведения ранее вовсе не выставлялись на аукционах.
Отметим также работу «Без названия» (2011) Влада Кулькова — одного из ведущих современных художников, произведения данного периода которого сейчас представлены только на вторичном рынке. В феврале его похожая работа «Без названия» 2010 года ушла с аукциона VLADEY за €10,000 (при эстимейте €6,000 — €8,000).
Подборка работ с аукциона «ЧК» VLADEY 20 мая:
В эту субботу в 15:00 пройдет аукцион VLADEY «ЧК» с работами из частной коллекции — отсюда и название.
Среди лотов представлены два объекта Александра Бродского из серии «Фабрики» (2016), напоминающие макеты промышленных зданий. Выполненные из необожжённой глины, они кажутся сделанными из пыли и так намекающими на то, что может остаться от нашей технологичной цивилизации. Работы выставлены с эстимейтом в €300 — €500, что гораздо ниже цен на другие его произведения на первичном рынке. Анализ на аукционные продажи работ Бродского можно прочитать тут.
К образу руинированного города обращается и известный своими фотографиями Борис Михайлов, но на этот раз в живописи. В «Ночном гуле» (1989) он сводит пейзаж из зданий к геометрической абстракции. Его живописные произведения ранее вовсе не выставлялись на аукционах.
Отметим также работу «Без названия» (2011) Влада Кулькова — одного из ведущих современных художников, произведения данного периода которого сейчас представлены только на вторичном рынке. В феврале его похожая работа «Без названия» 2010 года ушла с аукциона VLADEY за €10,000 (при эстимейте €6,000 — €8,000).
#этошедевр
Анастасия Котельникова о том, почему «Рукопожатие» Евгения Михнова-Войтенко — это шедевр:
Нитроэмаль, открытая Евгением Михновым-Войтенко в 1959 году для своих художественных экспериментов, — едкая синтетическая краска, преимущество которой заключается в коротком периоде высыхания. Именно этот параметр был важен легендарному художнику-абстракционисту, в руках которого живописный материал был освобожден от миметической функции подражания реальности. Основная работа здесь заключается в художественном действии, что позволяет исследователям относить Михнова-Войтенко к представителям абстрактного экспрессионизма или ташизма. Однако в отличие от большинства своих зарубежных коллег, стремившихся запатентовать свой авторский подчерк в определенной форме, Михнов-Войтенко всегда был в поиске новых выразительных средств, скрытых в особенностях материала. Его высказывание основано на эмпирическом языке, в котором ключевую роль играет чувственный опыт зрителя, а не его набор знаний.
«Рукопожатие» 1961 года формально состоит из трех компонентов: двух красок и куска оргалита. А художественный образ уже включает в себя авторскую волю и невероятную свободу, уровень которой многим был недостижим в то время в советском обществе. Название является отсылкой к «Моби Дику» Германа Мелвилла, одному из любимых произведений художника, а точнее к одной из глав: «Пожатие руки». Но в работе не иллюстрируется история, данную деталь можно назвать лирическим отступлением или посвящением писателю.
Механизм смыслов здесь работает на визуальном восторге от красоты зафиксированного момента. Фактически всплески краски сталкиваются с поверхностью оргалита, хотя визуально кажется, что столкновение происходит между ними. Идея о формировании пространства уходит на второй план — основа работы выступает местом происшествия, ареной для действия. Соприкосновение двух красочных потоков — обмен энергией в процессе метафорического рукопожатия. Динамика пятна продолжает импульс, отправленный художником, что вписывается в теорию автоматического письма, в основе которого лежит интуитивное мышление. Импровизация и спонтанность — факторы темпоральности, передающие специфику индивидуального переживания. В то же время, живопись, как экстравертная форма высказывания, преобразует частное и субъективное во всеобщее.
Так выдающееся своей лаконичной формой и силой мгновенного воздействия на зрителя произведение «Рукопожатие», созданное Михновым-Войтенко, становится одним из ярких и запоминающихся образов в российском искусстве второй половины ХХ века.
Анастасия Котельникова о том, почему «Рукопожатие» Евгения Михнова-Войтенко — это шедевр:
Нитроэмаль, открытая Евгением Михновым-Войтенко в 1959 году для своих художественных экспериментов, — едкая синтетическая краска, преимущество которой заключается в коротком периоде высыхания. Именно этот параметр был важен легендарному художнику-абстракционисту, в руках которого живописный материал был освобожден от миметической функции подражания реальности. Основная работа здесь заключается в художественном действии, что позволяет исследователям относить Михнова-Войтенко к представителям абстрактного экспрессионизма или ташизма. Однако в отличие от большинства своих зарубежных коллег, стремившихся запатентовать свой авторский подчерк в определенной форме, Михнов-Войтенко всегда был в поиске новых выразительных средств, скрытых в особенностях материала. Его высказывание основано на эмпирическом языке, в котором ключевую роль играет чувственный опыт зрителя, а не его набор знаний.
«Рукопожатие» 1961 года формально состоит из трех компонентов: двух красок и куска оргалита. А художественный образ уже включает в себя авторскую волю и невероятную свободу, уровень которой многим был недостижим в то время в советском обществе. Название является отсылкой к «Моби Дику» Германа Мелвилла, одному из любимых произведений художника, а точнее к одной из глав: «Пожатие руки». Но в работе не иллюстрируется история, данную деталь можно назвать лирическим отступлением или посвящением писателю.
Механизм смыслов здесь работает на визуальном восторге от красоты зафиксированного момента. Фактически всплески краски сталкиваются с поверхностью оргалита, хотя визуально кажется, что столкновение происходит между ними. Идея о формировании пространства уходит на второй план — основа работы выступает местом происшествия, ареной для действия. Соприкосновение двух красочных потоков — обмен энергией в процессе метафорического рукопожатия. Динамика пятна продолжает импульс, отправленный художником, что вписывается в теорию автоматического письма, в основе которого лежит интуитивное мышление. Импровизация и спонтанность — факторы темпоральности, передающие специфику индивидуального переживания. В то же время, живопись, как экстравертная форма высказывания, преобразует частное и субъективное во всеобщее.
Так выдающееся своей лаконичной формой и силой мгновенного воздействия на зрителя произведение «Рукопожатие», созданное Михновым-Войтенко, становится одним из ярких и запоминающихся образов в российском искусстве второй половины ХХ века.
#смотритесами
Сергей Попов о выставке Андрея Красулина «Единорог» в DIEHL Gallery:
В берлинской галерее DIEHL открылась персональная выставка Андрея Красулина, одного из наиболее активных художников старшего поколения. Красулин уже более года живет и работает здесь, в Берлине. Среди множества релоцировавшихся российских авторов он единственный в столь почтенном возрасте — в этом году ему исполняется 89 лет. При этом здесь он полностью в своей среде — один из классиков послевоенного неомодернизма с причудливой и динамичной эволюцией: от монументальных заказов советского времени до герметичных объектов недавнего.
Красулина наконец исследуют в недавние годы — одна за одной идут его большие музейные выставки, последняя из которых завершилась в эти дни в музее современного искусства PERMM в Перми. Все они не повторяются, а позволяют каждый раз иначе пересобрать великого художника, активности которого хватит, кажется, ещё на ряд ретроспектив. Так кажется и из-за того, что на выставках множество камерных вещей, и из-за того, что творческих линий Красулина несколько, и все они между собой сложно соотносятся. Это позволяло теоретикам связывать его искусство как с минимализмом, так и с arte povera — направлениями, диаметрально противоположными. Действительно, Красулин с лёгкостью соединяет противоположности, а чётких дефиниций избегает. Тем он и интересен в наше время, когда все, прежде разложенное по полочкам, воспринимается предсказуемо скучным.
Берлинская выставка называется необычно для избегающего нарратива Красулина: «Единорог». Так называется один из найденных объектов, который вызвал такую ассоциацию у автора, точнее, не автора, а скорее апроприатора: Красулин изредка пользуется возможностью перенести на территорию искусства исчерпавшую себя для жизни вещь. Это один из его методов, и такие объекты он ласково называет «самородками». На выставке ещё несколько таких: один из самых выразительных, «Лопата», вынесен на обложку каталога.
Большинство работ здесь выполнено за истекший год, с прошлой весны по нынешнюю. Красулин, как и многие покинувшие Россию деятели культуры, пережил сильные испытания — и от неожиданности перемен, и от их драматизма. Его искусство в принципе нельзя назвать безмятежным. Но ни в какой излишней экспрессии эти переживания не выражены. Есть вещи экспериментальные — например, объекты из мешковины, застывшие на стене с убедительностью каменных рельефов. Есть вещи, сделанные буквально в одно касание. Даже в крошечных зарисовках Красулин предстаёт скорее немного отстранённым созерцателем вечности, чем суетным свидетелем.
У выставки есть подзаголовок — «Работы с 1960 по 2023 год». Она собрана гораздо хитрей и изящней показа новинок. Немецкому зрителю, незнакомому с работами Красулина, приданы в поддержку два десятка живописных, графических и скульптурных вещей, создающих атмосферу микроретроспективы. Новые объекты перекликаются с ранними: линии протягиваются на десятилетия, при этом приемы и методы все время варьируются. Так Красулина представила Евгения Киселёва-Аффлербах, до недавнего времени куратор Пушкинского музея, где красулинские работы регулярно встречались в групповых выставках.
Пространство, расположенное во дворе, — не основное для галереи Диля. Оно открыто недавно и называется Remise (можно перевести как «возвращение» или «отсрочка»). Здесь показывают вновь открытых классиков, имена, требующие смены контекста. Первой такой фигурой был К.П. Бремер, крупный немецкий автор, также близкий минималистскому искусству, чьё наследие Фолькер помог осмыслить в том числе и музеям. Русских, как и восточноевропейских художников Диль последовательно показывает на протяжении трёх десятилетий. Изысканный вкус и безупречный анализ всегда позволяли Фолькеру отбирать исключительно важных авторов, словно недостающих в большой европейской панораме искусства. То, что Красулин вошёл в их число, говорит о смене героев в сложившемся пантеоне шестидесятников. На первый план выходят настоящие находки и новации в искусстве, а не политизированные и обусловленные рынком случаи.
⏳До 11 июня 2023 года
Сергей Попов о выставке Андрея Красулина «Единорог» в DIEHL Gallery:
В берлинской галерее DIEHL открылась персональная выставка Андрея Красулина, одного из наиболее активных художников старшего поколения. Красулин уже более года живет и работает здесь, в Берлине. Среди множества релоцировавшихся российских авторов он единственный в столь почтенном возрасте — в этом году ему исполняется 89 лет. При этом здесь он полностью в своей среде — один из классиков послевоенного неомодернизма с причудливой и динамичной эволюцией: от монументальных заказов советского времени до герметичных объектов недавнего.
Красулина наконец исследуют в недавние годы — одна за одной идут его большие музейные выставки, последняя из которых завершилась в эти дни в музее современного искусства PERMM в Перми. Все они не повторяются, а позволяют каждый раз иначе пересобрать великого художника, активности которого хватит, кажется, ещё на ряд ретроспектив. Так кажется и из-за того, что на выставках множество камерных вещей, и из-за того, что творческих линий Красулина несколько, и все они между собой сложно соотносятся. Это позволяло теоретикам связывать его искусство как с минимализмом, так и с arte povera — направлениями, диаметрально противоположными. Действительно, Красулин с лёгкостью соединяет противоположности, а чётких дефиниций избегает. Тем он и интересен в наше время, когда все, прежде разложенное по полочкам, воспринимается предсказуемо скучным.
Берлинская выставка называется необычно для избегающего нарратива Красулина: «Единорог». Так называется один из найденных объектов, который вызвал такую ассоциацию у автора, точнее, не автора, а скорее апроприатора: Красулин изредка пользуется возможностью перенести на территорию искусства исчерпавшую себя для жизни вещь. Это один из его методов, и такие объекты он ласково называет «самородками». На выставке ещё несколько таких: один из самых выразительных, «Лопата», вынесен на обложку каталога.
Большинство работ здесь выполнено за истекший год, с прошлой весны по нынешнюю. Красулин, как и многие покинувшие Россию деятели культуры, пережил сильные испытания — и от неожиданности перемен, и от их драматизма. Его искусство в принципе нельзя назвать безмятежным. Но ни в какой излишней экспрессии эти переживания не выражены. Есть вещи экспериментальные — например, объекты из мешковины, застывшие на стене с убедительностью каменных рельефов. Есть вещи, сделанные буквально в одно касание. Даже в крошечных зарисовках Красулин предстаёт скорее немного отстранённым созерцателем вечности, чем суетным свидетелем.
У выставки есть подзаголовок — «Работы с 1960 по 2023 год». Она собрана гораздо хитрей и изящней показа новинок. Немецкому зрителю, незнакомому с работами Красулина, приданы в поддержку два десятка живописных, графических и скульптурных вещей, создающих атмосферу микроретроспективы. Новые объекты перекликаются с ранними: линии протягиваются на десятилетия, при этом приемы и методы все время варьируются. Так Красулина представила Евгения Киселёва-Аффлербах, до недавнего времени куратор Пушкинского музея, где красулинские работы регулярно встречались в групповых выставках.
Пространство, расположенное во дворе, — не основное для галереи Диля. Оно открыто недавно и называется Remise (можно перевести как «возвращение» или «отсрочка»). Здесь показывают вновь открытых классиков, имена, требующие смены контекста. Первой такой фигурой был К.П. Бремер, крупный немецкий автор, также близкий минималистскому искусству, чьё наследие Фолькер помог осмыслить в том числе и музеям. Русских, как и восточноевропейских художников Диль последовательно показывает на протяжении трёх десятилетий. Изысканный вкус и безупречный анализ всегда позволяли Фолькеру отбирать исключительно важных авторов, словно недостающих в большой европейской панораме искусства. То, что Красулин вошёл в их число, говорит о смене героев в сложившемся пантеоне шестидесятников. На первый план выходят настоящие находки и новации в искусстве, а не политизированные и обусловленные рынком случаи.
⏳До 11 июня 2023 года